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In questo approfondito articolo, Pratik Gulati ci guida attraverso le varie fasi coinvolte nella creazione di un film d'animazione da zero, che si tratti del prossimo film di successo di Hollywood o del cortometraggio più corto. Quindi, se stai pensando di provarlo tu stesso e vuoi sapere come è fatto, o anche se sei solo curioso del processo, questo articolo è uno che non vuoi perdere.
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Articoli popolari sul mercato Envato La pipeline di produzione di un tipico cortometraggio animato o di un film può essere suddivisa in tre fasi: pre-produzione, produzione e post-produzione. In questo articolo parleremo in dettaglio di queste tre fasi chiave.
Il primo processo nella pipeline di animazione, e anche uno dei più importanti, è la pre-produzione. Inizia con i concetti principali che sono inizialmente trasformati in una storia completa, e quindi, una volta che la storia è stata finalizzata, vengono lavorate altre cose come la sceneggiatura, la sequenza di riprese e gli angoli di ripresa.
Alcuni componenti principali della pre-produzione sono Story Board, Layouts, Model Sheets e Animatics.
... forniscono anche un promemoria visivo del piano originale; qualcosa che può essere riferito a tutta la produzione.
Lo storyboard aiuta a finalizzare lo sviluppo della trama, ed è una fase essenziale del processo di animazione. È composto da disegni sotto forma di fumetto e viene utilizzato sia per visualizzare l'animazione che per comunicare chiaramente le idee. Illustra la scena e i cambiamenti nell'animazione, spesso accompagnati da note di testo che descrivono le cose che si verificano all'interno della scena stessa, come i movimenti della fotocamera.
Non solo gli storyboard possono essere particolarmente utili quando si lavora in ambienti di gruppo (cosa abbastanza comune nel settore dell'animazione), ma forniscono anche un promemoria visivo del piano originale; qualcosa che può essere riferito a tutta la produzione.
Una volta che gli storyboard sono stati approvati, vengono inviati al reparto layout, che quindi lavora a stretto contatto con il regista per progettare location e costumi. A questo punto iniziano a mettere in scena le scene, mostrando le varie posizioni dei personaggi nel corso di ogni colpo.
I fogli di modello sono gruppi di immagini disegnati con precisione che mostrano tutte le possibili espressioni che un personaggio può fare e tutte le diverse pose che potrebbero adottare. Questi fogli sono creati per mantenere con precisione i dettagli del personaggio e per mantenere uniformi i disegni dei personaggi mentre diversi animatori stanno lavorando su di loro attraverso diversi scatti.
Durante questa fase i disegni dei personaggi sono finalizzati in modo che quando la produzione inizia i loro progetti possono essere inviati al reparto di modellazione che sono responsabili della creazione dei modelli del personaggio finale.
Per dare un'idea migliore del movimento e dei tempi di complesse sequenze di animazione e scene VFX-pesanti, il reparto di pre-visualizzazione all'interno dello studio VFX crea mock-up semplificati chiamati "Animatics" poco dopo il processo di storyboarding.
Questi aiutano il regista a pianificare come andranno a mettere in scena le sequenze di cui sopra, nonché come gli effetti visivi saranno integrati nella ripresa finale.
Ora che lo storyboard è stato approvato, il progetto entra nella fase di produzione. È qui che il lavoro effettivo può iniziare, sulla base delle linee guida stabilite durante la pre-produzione. Alcune parti importanti sono layout, modellazione, texturing, illuminazione, rigging e animazione.
[artisti del layout] producono la versione 3D di ciò che gli artisti dello storyboard avevano precedentemente disegnato su carta.
Utilizzando modelli lo-res o blocchi di geometria al posto del set e dei personaggi finali, l'artista del layout è responsabile della composizione dello scatto e della consegna dell'animazione approssimativa agli animatori come guida. Ciò che producono è la versione 3D di ciò che gli artisti dello storyboard avevano precedentemente disegnato su carta.
Durante questa fase il regista approva le mosse della telecamera, la profondità di campo e la composizione dei modelli che compongono il set e si vestono. È quindi responsabilità del reparto Modellistica consegnare questi modelli approvati, prop e modelli di carattere nelle fasi finali del layout.
I modellisti sono solitamente suddivisi in due o più reparti. Mentre i modellatori organici tendono ad avere uno sfondo scultoreo e sono specializzati nella costruzione di personaggi e altre superfici a forma libera, i modellatori di superfici dure hanno spesso un design più industriale o uno sfondo architettonico, e come tali modellano veicoli, armi, oggetti di scena ed edifici.
Lavorando a stretto contatto con gli Art Directors, i Supervisori degli effetti visivi e i Supervisori dell'animazione, i modellisti trasformano l'arte concettuale 2D e le maquettes tradizionalmente scolpite in un dettaglio dettagliato, modelli 3D topologicamente validi. Assistono poi l'animatore tecnico e Enveloper mentre il modello ha uno scheletro messo in atto e la pelle è sviluppata. A seguito di ciò, il modello può essere restituito al Modeler, che procederà a scolpire le espressioni facciali e qualsiasi specifica tensione muscolare / forme di jiggle che potrebbero essere richieste.
Una volta approvato, il modello verrà messo a disposizione dei reparti di rigging e texture paint, che completano le fasi finali della preparazione del modello per l'animazione e il rendering. Con un po 'di fortuna, il modello passerà attraverso la pipeline di produzione senza tornare indietro per le correzioni di modellazione, anche se alcune correzioni sono inevitabili - i problemi con i modelli a volte non appaiono fino alla fase di rendering, nel qual caso l'accendino invierà il modello a essere riparato.
Sia che si tratti di creare una texture da zero o di modificare un'immagine esistente, Texturing Artists è responsabile della scrittura di shader e texture di texture come da requisiti di scena.
Lavorando mano nella mano con i reparti di affioramento e ombreggiatura, le trame sono dipinte per abbinarsi ai concept art e ai disegni approvati che sono stati consegnati dal dipartimento artistico. Queste trame vengono create sotto forma di mappe che vengono quindi assegnate al modello.
... illuminazione TD combinano l'ultima versione dell'animazione, gli effetti, le mosse della telecamera, gli shader e le trame e rendono ogni giorno una versione aggiornata.
Non solo un Lighting Artist deve pensare a illuminare le singole scene, ma deve anche considerare come riunire tutti gli elementi che sono stati creati dagli altri dipartimenti. Nella maggior parte delle aziende, i TD di illuminazione combinano l'ultima versione dell'animazione, gli effetti, le mosse della telecamera, gli shader e le trame nelle scene finali e ne rendono disponibile una versione aggiornata ogni giorno.
Gli accendini hanno una vasta gamma di responsabilità, tra cui posizionare luci, definire le proprietà della luce, definire come la luce interagisce con diversi tipi di materiali, le qualità e la complessità delle texture realistiche coinvolte, come la posizione e l'intensità delle luci influenzano l'umore e la credibilità, così come come teoria dei colori e armonia. Sono obbligati a stabilire luci e ombre dirette e riflesse per ogni inquadratura assegnata, assicurando che ogni scatto si adatti alla continuità di una sequenza, il tutto al fine di soddisfare la visione di registi, scenografi, art director e supervisori di VFX.
Rigging è il processo di aggiunta di ossa a un personaggio o definizione del movimento di un oggetto meccanico, ed è fondamentale per il processo di animazione. Un personaggio TD realizzerà delle animazioni di prova che mostrano come appare una creatura o un personaggio quando si deforma in pose diverse, e in base ai risultati vengono spesso apportate correzioni correttive.
Il dipartimento di rigging è anche coinvolto nello sviluppo di simulazioni di stoffa - così come creare un personaggio in grado di stringere il pugno o ruotare il braccio, il reparto di rigging e di stoffa è responsabile di far muovere il costume in modo credibile.
... pianificare le prestazioni di un personaggio fotogramma per fotogramma usa gli stessi principi di base sviluppati per l'animazione 2D.
Nelle moderne società di produzione, la pratica di pianificare meticolosamente la performance di un personaggio fotogramma per fotogramma viene applicata nella grafica 3D utilizzando gli stessi principi di base e i giudizi estetici che sono stati sviluppati per l'animazione 2D e stop motion. Se il motion capture viene utilizzato in studio per digitalizzare il movimento di attori reali, sarà anche dedicato molto tempo all'animatore per ripulire le prestazioni acquisite dal movimento e completare le parti del movimento (come gli occhi e le mani) che potrebbe non essere stato digitalizzato durante il processo.
Il team degli effetti produce anche elementi come fumo, polvere, acqua ed esplosioni, anche se lo sviluppo su questi aspetti non inizia fino a quando l'animazione / illuminazione finale non è stata approvata in quanto sono parte integrante della ripresa finale e spesso computazionalmente pesanti.
La post-produzione è la terza e ultima fase della creazione di un film, e si riferisce alle attività che devono essere completate o eseguite dopo la fine delle riprese o delle riprese. Questi includono la modifica di filmati grezzi per tagliare scene insieme, inserire effetti di transizione, lavorare con voce e attori sonori e doppiaggio per citarne solo alcuni dei numerosi compiti di post-produzione.
Nel complesso, tuttavia, le tre fasi principali della post-produzione sono compositing, sound editing e video editing.
Il dipartimento di compositing riunisce tutti gli elementi 3D prodotti dai reparti precedenti nella pipeline, per creare l'immagine finale renderizzata pronta per il film! I compositori prendono le immagini renderizzate dagli accendini e talvolta iniziano anche con gli script di composizione che i TD sviluppano per compattare inizialmente i loro quotidiani (versioni funzionanti dello scatto).
Le attività generali di compositing includono il rendering dei diversi passaggi consegnati da un reparto illuminazione per formare lo scatto finale, le correzioni di vernice e il rotoscoping (anche se i compositori a volte si basano su mascherini creati da un reparto dedicato di rotoscoping), così come il compositing di elementi fx e la classificazione generale del colore.
Questo dipartimento è responsabile della selezione e dell'assemblaggio delle registrazioni audio in preparazione del mix finale, assicurando la sincronizzazione labiale e l'aggiunta di tutti gli effetti sonori richiesti per il film finale.
Il video editing è il processo di manipolazione e riorganizzazione degli scatti per creare un prodotto finale senza soluzione di continuità, ed è in questa fase che vengono rimossi tutti i filmati e le scene indesiderate. La modifica è un passaggio fondamentale per assicurarsi che il video scorra in modo da raggiungere l'obiettivo iniziale. Altre attività includono la titolazione e l'aggiunta di effetti al video e al testo finali.
La pipeline di produzione sopra descritta è ampiamente diffusa nella maggior parte degli studi, tuttavia è probabile che ogni studio abbia una pipeline personalizzata determinata dal tipo di progetto che stanno attualmente intraprendendo. Una pipeline di produzione 2D inizia con la cartella di lavoro e passa attraverso il controllo finale, il compostaggio e l'uscita del film, mentre il processo di produzione 3D CGI enfatizza le fasi di progettazione, modellazione, rigging e animazione. Inoltre, la produzione di animazione è un processo molto coordinato in cui diversi gruppi di artisti lavorano insieme utilizzando risorse ottimali e raggiungendo l'obiettivo iniziale nel tempo disponibile.
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