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La grafica vettoriale e i fumetti sono una sfida fatta in paradiso. Per questo motivo, non sorprende che molti illustratori di video amerebbero illustrare il loro fumetto o graphic novel un giorno. Per aiutarti a raggiungere questo obiettivo, ecco 10 inestimabili lezioni di illustrazione di fumetti da un gruppo di leggende del settore stellato.
Dan Scott è un illustratore freelance situato vicino a Kansas City, nel Missouri. Ha lavorato a progetti con Dark Horse Comics, Warhammer 40k, Wizards of the Coast e DC Comics. Dan Scott è ampiamente conosciuto per le sue illustrazioni e illustrazioni in CG che usano il computer per creare la sua arte digitale. In un'intervista con 3D Total, delinea il suo processo di ricerca dei personaggi con cui sta lavorando al fine di sviluppare le caratteristiche chiave che sono state stabilite in passato:
Con un dipinto che mostra un personaggio iconico come lui [Superman], sentii che dovevo prima cercare di capire come fosse stato rappresentato in passato. Molto spesso c'è un po 'di tempo per la ricerca che deve essere inserito prima ancora di mettere la matita sulla carta (o forse dovrei dire stilo su tablet), sia che si tratti di vedere che tipo di piante si trovano nella scena della giungla che sei tu stai andando a dipingere, o per assicurarti di conoscere la muscolatura corretta su quel cavallo che ti stai preparando a dipingere. In questo caso ho tirato fuori diversi libri tascabili commerciali che ho dovuto vedere come gli altri artisti gli avevano mostrato. Ho preso appunti mentali su ciò che mi piaceva e non mi piaceva e ho rigurgitato tutto nella mia personale interpretazione del personaggio.
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Brian Denham ha lavorato come illustratore dietro i fumetti di X-Files basati sulla famosa serie TV. Come un fumetto basato su personaggi della vita reale, la ricreazione delle sembianze di Mulder e Skully si è rivelata una sfida. In un'intervista, Brian Denham parla di come accorda il suo stile sui temi per avvicinarsi a una rappresentazione realistica dei suoi soggetti:
Penso che Mulder sia il più difficile. Ho disegnato una fantastica foto di Mulder nella # 1 ma una pagina dopo non è altrettanto buona. Cose del genere funzioneranno da sole mentre vado.
Ho capito bene Scully, ma ho notato che quello che sembrava bello in bianco e nero non aveva un bell'aspetto colorato. Così ho cambiato alcune cose su come disegno Scully. Cerco di non disegnare così tante ombre nere nelle sue labbra come ho fatto nel numero zero. Le somiglianze erano nell'ultima pagina, come puoi vedere. Farò cadere alcune cose mentre vado e si arriva a una versione più precisa dei personaggi.
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Simone Bianchi è un illustratore di fumetti italiano che è l'attuale artista per il personaggio di X-Men Wolverine e ha prodotto alcune eccezionali copertine per Detective Comics. In un'intervista online del Comic Con di New York del 2007 descrive come lavora a fianco degli Editori durante la creazione di opere d'arte prima inizia perfino a disegnare. Ciò aiuta a garantire che tutto il lavoro svolto sia qualcosa che l'editor intende utilizzare e riduce al minimo la quantità di lavoro che viene scartata nella modifica finale.
Il processo medio è che io parlo con il mio editore Peter Tomassi, facciamo alcune idee insieme attraverso il telefono e comincio a disegnare intorno scattando alcune foto come riferimento e disegnando la copertina.
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Mark Brooks è un illustratore professionista per fumetti Marvel che interpreta il racconto e crea i personaggi in ogni sequenza. Ha recentemente lavorato a Ultimate Fantastic Four e all'X-Men Annual. Quando ha chiesto al Comic Con di New York, ha fatto un punto sulla creazione di arte che si riferisce strettamente alla storia:
Ho imparato che è molto più legato allo storytelling che alla semplice arte ... I fumetti sono molto più che l'arte, vedo un sacco di gente che entra nei fumetti nella stessa posizione in cui mi trovavo e li vedo concentrandomi molto sul modo in cui disegnano e fanno cover e pin-up e cose del genere e non vedo molta attenzione alla narrazione, che è qualcosa su cui ho davvero cercato di concentrarmi negli ultimi anni. Penso che se qualcuno può imparare dalla mia esperienza, concentrati su quello che riguarda la tua arte.
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Alex Toth è un maestro dell'arte del fumetto attivo dagli anni '40 agli anni '80. Il suo lavoro più riconoscibile include progetti con Hanna-Barbera, Super Friends e Space Ghost. In un'intervista a TwoMorrows parla del suo uso delle espressioni facciali per trasmettere emozioni nella sua arte:
Prima di tutto, il romanticismo è stato molto speciale. Ha affrontato le emozioni in modo diverso rispetto alle cose di avventura slam-bang. Ci sono molte cose sotto la superficie ... una linea di dialogo potrebbe dire "questo", ma l'espressione della persona direbbe "quello". Forse solo la telecamera / noi / il punto di vista del lettore rivelerebbero la verità quando lei disse: "Ti amo anche io, George". La sua faccia, gli occhi stavano dicendo qualcos'altro! E il lettore lo sa, ma "George" no! Lui non può vederlo! Quindi, c'erano tutte queste piccole sfumature di letture di linee, recitazione, interpretazione, strati di personalità del personaggio, integrità, ecc., Le persone rimbalzavano a vicenda ... che improvvisamente era molto cresciuto, al contrario dello slam-bang ... E 'stata una partita tutta nuova, e mi ha costretto a prestare molta attenzione, a guardare, imparare e ascoltare.
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Lee Sullivan è un'artista di fumetti inglese che ha lavorato a titoli come Transformers, Thundercats, Doctor Who e Robocop. Quando viene intervistato con SciFi Pulse tocca un suggerimento quando ritrae sequenze d'azione in formato fumetto:
Penso che una delle mie situazioni preferite sia quando uno scrittore chiede che l'azione e le conseguenze avvengano nello stesso fotogramma; per esempio: il primo arriva attraverso la porta, il secondo lo colpisce e il primo si schianta contro il tavolo. Potresti farla franca con le ultime due azioni combinate, ma non puoi davvero mostrarle combinate con la prima. Questo è un altro pannello!
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Tony O 'Donnell è un talentuoso artista di fumetti che ha lavorato a titoli come Ghostbusters di Marvel UK e DC Thomson's Starblazer. In un'intervista per la British Comics fanzine Vicious offre il suo consiglio agli aspiranti illustratori di fumetti:
Mantieni uno sketchbook e usalo! Non cercare di imitare l'attuale artista "preferito" - forse per il momento in cui puoi disegnare proprio come lui o lei che lo stile è fuori moda. Cerca di essere fedele al tuo talento e disegnare per farti piacere, piuttosto che seguire le tendenze temporanee. Tutto questo consiglio è difficile da seguire e vorrei averlo seguito io stesso. Comunque, meglio tardi che mai! In passato ho sovraccaricato le mie matite per renderle il più 'buone' possibile, mentre ora credo che sia meglio adottare un approccio più flessibile e forse avere più fiducia in se stessi nel proprio stile personale. Mi è stato dato lo stesso consiglio nel 1982 da Steve Dillon, che ritengo che essere un perfezionista possa togliere il 'divertimento' dal disegnare fumetti.
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Scott McCloud è un artista e scrittore di fumetti che non ha solo prodotto illustrazioni per la DC Comics, ma ha anche pubblicato numerosi libri di settore. Più recentemente ha prodotto il comunicato stampa per il browser Google Chrome. In un'intervista del 2006 gli è stato chiesto quale consiglio dare ai futuri artisti:
Scrivi e disegna ciò che vuoi veramente vedere come lettore. Non cercare di scrivere e disegnare quello che pensi che gli altri compreranno o quello che gli altri vorranno vedere, perché se non sei così interessato all'argomento che ci stai raccontando, lo dimostrerai. E questa mancanza di entusiasmo indebolirà il tuo lavoro. Devi preoccuparti profondamente di quello che stai facendo. Se lo fai, allora ci sarà sempre qualcun altro là fuori che si preoccupa tanto profondamente di te. Ma se stai cercando di svendirti, se stai cercando di creare il tipo di storie che pensi che piacciano ad altre persone, sarai sempre in secondo piano dietro ad altri che hanno un amore più genuino per quel materiale. Quindi potresti anche scrivere ciò che ami.
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Lee Bermejo ha avuto un successo molto recente come artista insieme allo scrittore Brian Azzarello con l'uscita della graphic novel di Joker. C'erano sorprendenti rassomiglianze tra la sua interpretazione del Joker e quella del popolare film The Dark Knight, nonostante fosse ben avviato con le sue illustrazioni del personaggio del joker prima che Heath Ledger fosse addirittura scelto. In un'intervista gli è stato chiesto se è importante che gli artisti incorporino elementi visivi dei film per colmare il divario con i fumetti:
Penso che l'unica cosa che conta davvero è che l'essenza dei personaggi rimane la stessa indipendentemente dal mezzo. Gli elementi di superficie e alcuni problemi psicologici sono divertenti da giocare con e piegare un po ', ma devi solo dare alle persone quello che sanno essere quel personaggio in modo che il pubblico possa "capirlo". Preferisco vedere gli approcci personali delle persone nei personaggi tradizionali. È solo qualcosa che mi piace e preferirei vedere un migliaio di prese su questi ragazzi piuttosto che iniziare ad adattarsi all'attuale incarnazione di maggior successo.
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Lee Sullivan, come descritto sopra, ha anche compilato una guida estremamente utile per scrivere e disegnare per i fumetti sul suo sito web. Coprendo vaste aree del settore e includendo molti suggerimenti utili, è una buona lettura per chiunque abbia un interesse nell'illustrazione di fumetti. Uno di questi punti che presenta è come presentare il tuo lavoro:
Far vedere il tuo lavoro è molto difficile e molto scoraggiante - gli editori raramente hanno il tempo di guardare le tue cose e la maggior parte non riconoscerebbe un buon lavoro se salta fuori e le morde sul naso, almeno, è così che sembra. Pochissime persone possono fare il salto tra quello che hai nel tuo folio e quello che stanno cercando. Un consiglio qui sui portafogli - rimuovi qualsiasi cosa di cui sei persino un po 'insoddisfatto in termini di qualità - SEMPRE lascia tutto il resto. Sei spesso giudicato dal tuo peggior lavoro!
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