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Lascia cadere le matite e la carta, spegni lo scanner e dimenticati di Live Trace, è il momento di illustrare con i vettori. Questo tutorial passerà attraverso il processo di creazione di materiale illustrativo, dall'ideazione al prodotto finito, interamente in Illustrator.
Cattive notizie: non c'è alcun segreto per creare opere d'arte interamente entro i confini di Adobe Illustrator. Se stai cercando una pillola magica per allontanarti dall'approccio scansione-e-traccia, ti dirò subito che non ce n'è. Detto questo, Illustrator offre agli artisti così tante fantastiche opzioni per la creazione di opere d'arte che, se sei interessato a disegnare utilizzando solo vettori, ci sono un sacco di vantaggi e risparmi di tempo che ti faranno appassionare alle curve e ai punti di Bezier per sempre. Quello che segue non è tanto un suggerimenti e trucchi esercitazione; è una ripartizione graduale del mio processo creativo con alcune tecniche, idee e opinioni gettate lungo il cammino.
È possibile trovare i file di origine nella directory denominata "origine" inclusa nei file scaricati. Potresti desiderare di esaminarli brevemente prima di iniziare.
Il mio lavoro nasce al 100% dall'immaginazione, quindi non uso modelli, foto o oggetti come riferimento troppo spesso. Ciò significa che devo iniziare a disegnare le mie idee e poi perfezionarle dopo aver finito le versioni approssimative. Illustrator è lo strumento perfetto per questo perché puoi mutare i tuoi oggetti e riordinare colori e composizione liberamente e senza limiti. Non devi mai estrarre un nuovo foglio per ridimensionare un personaggio o spostare una casa. È infinitamente mutevole, offrendo all'artista un buffet di idee e variazioni.
Una volta che ho un'idea (in questo caso, un grande ciclope sta mangiando una città e un coniglio residente decide di prendere posizione scatenando un mostruoso coniglio di fumo dal suo camino), inizio a disegnarlo su un documento vuoto, assicurandomi che per isolare oggetti primari o gruppi di oggetti da soli accuratamente marcato strati.
Di solito, rimuovo tutti i pannelli (campioni, pennelli, stili) per fare spazio ai miei oggetti creati su misura. Inoltre, anche se utilizzo un foglio da disegno Wacom, tendo ad usare lo strumento Penna per disegnare quasi tutti i miei oggetti perché mi piace la precisione e la capacità di passare facilmente da linee curve a linee rette. Ecco la mia prima versione approssimativa dell'illustrazione in questione.
Come esempio di come inizio un'immagine come questa, guardiamo alla creazione del ciclope. Usando lo strumento Penna, disegno la forma base e ruvida del corpo praticamente senza dettagli. Questo mi dà un'idea di come il personaggio guarderà e dirige il posizionamento e la dimensione di appendici, caratteristiche, ecc.
È molto importante notare che la creazione di articoli come questi dipende in gran parte dal tuo stile personale. Il mio stile è un mix di precisione e di proposito via o linee disordinate. Alcune persone sono davvero in ordine, alcune sono davvero sciolte, ma non c'è nulla di sbagliato in termini di stile. Sono le tue scelte che rendono la tua arte la tua.
Tornando al ciclope, dopo aver finito il corpo, aggiungo le braccia e le rendono di un colore completamente diverso. Li unirò più tardi, ma per ora uso un colore contrastante per farli risaltare, definendo i loro confini. Più tardi, quando l'ombreggiatura entra in gioco, il giallo-arancio sarà sparito.
Ora che ho formulato un'idea più concreta di dove sto andando con questo personaggio, posso aggiungere alcuni dettagli per migliorare la sua personalità. Per il colore del bianca dell'occhio, assaggio l'arancia del corpo e spegnilo, o renderlo più chiaro, nel pannello a colori. Per fare ciò vedi l'immagine qui sotto.
Il motivo per cui creo il colore usando questo metodo è semplicemente per il controllo. Creare costantemente nuovi colori da zero può portare a una tavolozza davvero poco maneggevole, mentre basare i nuovi colori su vecchi colori può portare un livello di controllo e uniformità a un'immagine. Essenzialmente è una scelta stilistica, ma direi che è una buona pratica, soprattutto per le persone che non si sentono a proprio agio con i colori. Inoltre, aggiungo quasi sempre nuovi colori al pannello campioni, nel caso in cui avessi bisogno di recuperarli più tardi. Anche per gli artisti più pazzi e fuori dagli schemi, l'organizzazione è davvero d'aiuto.
So che sarà un ciclope e so che il pericolo si sta avvicinando dall'alto (nella forma o in un gigantesco coniglio da fumo), quindi dopo aver disegnato la forma dell'occhio, creo un'iride che proietta verso l'alto. Anche se userò una maschera di ritaglio per incorporare completamente l'iride negli occhi, la lascio libera mentre continuo a ruzzolare il mostro. Questo facilita il riposizionamento e aiuta ad accelerare le prime fasi del disegno.
Aggiungo una bocca (il colore si basa nuovamente sull'arancia del corpo, questa volta con il nero (K) aggiunto nel pannello colorato). Infine, aggiungo un pezzo di casa semi-masticato dietro le mani. Per posizionare rapidamente le mani sopra il pezzo di casa, seleziono entrambe le braccia e premo Comando + Maiusc + Tasto sinistro di parentesi (porta in primo piano) sulla tastiera. Tendo ad usare la tastiera per quante più cose possibile per ridurre i clic, in quanto rallenta davvero il flusso di lavoro.
Il mostro ha finito ... per ora. Ripeto questo metodo per tutti gli oggetti primari nel mio concetto, cercando di definire i colori che voglio mentre creo nuovi oggetti. Il colore è molto importante per l'atmosfera e la sensazione delle mie opere d'arte. Quando sento di avere un concetto pienamente formato e sono felice con i colori, è tempo di andare avanti e dare corpo alla composizione.
Una volta che sono soddisfatto del concetto, della composizione di base e della direzione dell'opera d'arte, aggiungo e cambio elementi in previsione del lavoro di dettaglio. In questo caso, non ero contento delle forme delle nuvole e volevo aggiungere altro case rotte per compilare la composizione, aggiungere profondità e migliorare il senso di desolazione. Cerco di evitare di copiare e incollare oggetti per dare alle mie illustrazioni un aspetto più disegnato a mano. Di nuovo, l'aspetto che sto facendo si basa sulle irregolarità, quindi l'uniformità di copia e incolla probabilmente non è l'opzione migliore.
Di solito mentre lavoro, vedo l'opportunità di aggiungere elementi extra che miglioreranno la sensazione del lavoro. In questo caso, ho pensato che un tocco di classe sarebbe stato quello di aggiungere un coniglio nascosto, camuffato da cespuglio, così l'ho disegnato sul suo stesso livello. Per estrarre correttamente l'aggiunta, aggiungo anche arbusti al livello "vegetazione" dell'immagine.
Alcune delle case rotte sono in cima al mostro ciclope. Devono essere selezionati, tagliati e incollati su un nuovo livello dietro al mostro (io chiamo questo strato "case dietro").
Ecco una rapida occhiata all'intera composizione prima di passare al passaggio successivo.
Ora è il momento di approfondire, aggiungendo dettagli e perfezionamenti. Mi piace lavorare l'intera immagine contemporaneamente se posso, senza concentrarmi troppo su nessun dettaglio o area. Detto questo, attacco le cose con un piano. Di solito inizio con il livello più in alto, aggiungendo approssimativamente lo stesso livello di dettaglio a ciascun elemento mentre lavoro lungo la lista. Aiuta a evitare la noia e fa davvero sentire un pezzo come se stesse prendendo vita. Nel caso di questa illustrazione particolare, lo strato più in alto è "coniglio nascosto", lo strato che contiene il coniglio travestito da cespuglio.
Il primo dettaglio che aggiungerò a questo elemento sono piccole forme a mezzaluna per dare al cespuglio un senso di, bene, di fiacchezza. Disegno le mezzelune usando lo strumento penna e uso un pazzo colore brillante per distinguerle dal cespuglio.
Il colore brillante non solo aiuta a distinguere le mezzelune, ma le rende anche facilmente selezionabili. Ne seleziono uno, vai in cima allo schermo e scegli Seleziona lo stesso> Riempi colore. Io uso Seleziona molto durante il corso di un'illustrazione.
Dopo aver selezionato tutte le mezzelune, utilizzo il contagocce per scegliere un colore precedentemente utilizzato per le nuove forme. Scelgo il colore del cespuglio, che potrebbe inizialmente sembrare strano, ma io cambio la modalità di fusione in Moltiplicare nel pannello Trasparenza. Ciò consente alle mezzelune di utilizzare una piacevole variazione simile all'ombra del colore originale del cespuglio.
Ora è il momento di sfumare gli oggetti per ammorbidire i bordi. Ci sono una moltitudine di modi per ammorbidire i bordi e le ombre, ma il piumaggio è il mio preferito perché è veloce e facilmente quantificabile. La quantità di morbidezza corrisponde direttamente a un numero, quindi è un gioco da ragazzi cambiare e controllare e ha senso.
Farò oggetti piumati durante questo intero tutorial, quindi sii pronto per questo. In questo caso, ho impostato la quantità di piuma a 0,75 pixel, sfocando leggermente i bordi delle mezzelune:
Se sei organizzato e pensaci mentre stai creando, fai quello che ho fatto e aggiungi l'aspetto di una delle mezzelune al pannello Stili. Ciò contribuirà ad accelerare il processo di illustrazione, soprattutto considerando che devi ancora applicare dettagli simili agli altri cespugli.
Un altro elemento che uso molto spesso nel mio lavoro artistico è la maschera di ritaglio. So che alcune persone preferiscono l'eleganza del pathfinder, ma c'è qualcosa di veramente bello nel ritagliare le maschere che le rende superiori, a mio parere: sono completamente non distruttive e gli elementi all'interno rimangono modificabili. In Illustrator CS4, troncato gli oggetti si comportano come normali oggetti (le aree ritagliate sono completamente nascoste ai tuoi occhi) e il tuo cursore), rendendoli ancora più potenti.
Nel caso di questo coniglio, vado a mascherare le iridi degli occhi, unificando l'intero occhio come un oggetto (che aiuterà più tardi quando torno gli occhi). Per fare questo, seleziono il bianco dell'occhio, lo copio (Comando + C), lo incolli davanti (Comando + F), lo metto in cima alla pila (Comando + Maiusc + Parentesi destra), e lo scambio colore dell'oggetto, commutazione del riempimento e del tratto (comando + X). Quindi tengo premuto Maiusc per selezionare gli altri due elementi dell'occhio (l'originale bianca e l'iride) e premere Comando + 7 per creare una maschera di ritaglio. Questo potrebbe sembrare un processo complesso, ma una volta capito, è super veloce, impiegando solo un secondo o due.
Le orecchie sono mascherate nello stesso modo. Fondamentalmente, faccio scorrere il resto degli strati aggiungendo dettagli e raccogliendo gli oggetti, quindi compongo gli elementi di dettaglio (occhi, orecchie, finestre, ecc.) Nelle maschere di ritaglio. Lascio ombreggiatura e texture per la fine in quanto tendono ad essere gli elementi del design più intensivi del processore.
Scendendo l'elenco degli strati, arrivo allo strato "fumogeno", che contiene il mostruoso coniglio affumicato. Mi piacerebbe rendere questo elemento un po 'più simile a una nuvola, quindi estraggo lo strumento fidato Pen e aggiungo questi oggetti verdi sopra all'originale.
Dopo che sono stati disegnati, li trasformo nello stesso colore dell'oggetto fumogeno originale e li unisco tutti (tranne le piccole nuvole) usando il Unire pulsante sul pannello Pathfinder. Vado anch'io a disegnare piccoli denti fumosi e un occhio dall'aspetto sinistro.
Anche se ho già aggiunto dettagli agli arbusti, devo ancora dettagliare i pini. Per suggerire la spigolosità dei pini, mi piace usare un semplice Pennello triangolare. Disegno un triangolo, lo riempisco di nero al 100% (K) e lascia vuoto il tratto. Uso raramente l'ictus poiché il mio stile non lo richiede. Dopo averlo disegnato, lo trascino nel pannello del pennello e creo un nuovo pennello artistico. Le impostazioni sono mostrate di seguito.
Riempire il triangolo con il nero e impostare il metodo di colorazione del pennello su Tinte consente al pennello artistico di ereditare qualsiasi colore selezionato per il tratto, rendendolo davvero versatile. Attivazione / disattivazione dei blocchi proporzionali nell'integrità proporzionale del pennello, restringimento e crescita dell'intera forma per adattarsi alle dimensioni del tratto.
Ora è il momento di spazzolare i triangoli. Li applico ad ogni albero, facendo piccoli colpi andando dall'alto verso il basso. Cerco di evitare di rendere i segni troppo ordinati o uniformi. Varia le dimensioni e anche leggermente curvo i miei tratti per mescolare le cose. Quando ho finito sembra così.
Dopo aver disegnato tutti i triangoli, seleziono semplicemente tutti (selezionane uno, quindi vai a Seleziona> Stesso tratto) e cambia il colore, usando lo stesso colore che ho usato per gli alberi stessi, impostando la modalità di fusione su Moltiplicare e trasformare l'opacità al 70%.
Mentre continuo ad aggiungere dettagli all'immagine, raffiniamo anche le aree e cambio le cose che non mi piacciono. Nel caso del ciclope, aggiungo dettagli di pelliccia nello stesso modo in cui ho aggiunto dettagli a nuvola al coniglio di fumo, aggiungo i denti, perfeziono l'occhio e lancio alcuni pezzi di casa per ulteriore misura. Cambio anche i piedi e rimodellamento delle gambe un po 'per renderli più di mio gradimento. Niente di troppo elegante qui, per lo più solo alcuni strumenti per la penna e un paio di maschere di ritaglio.
Aggiungere dettagli extra aiuta davvero ad elevare un'illustrazione, e penso che i cambiamenti qui lo rendano abbastanza evidente.
Odio davvero lasciare le aree grandi, vuote e dall'aspetto piatto nelle mie illustrazioni vettoriali. Il look pulito della grafica vettoriale può sembrare a volte troppo sterile e tecnico. Alcune persone importano trame o aggiungono elementi in Photoshop. Mi piace aggiungere dettagli vettoriali che suggeriscano elementi astratti e migliorino l'atmosfera. Nel caso delle montagne, aggiungo linee frastagliate e cappucci di neve:
Come puoi vedere, tengo basso il contrasto usando sottili variazioni di colore e trasparenze. Dopo che sono stati tutti assorbiti, li incorporo nella catena montuosa usando una maschera di ritaglio (lo stesso metodo usato sopra al punto 3C).
Mentre aggiungo i dettagli, apporto delle modifiche al colore e sposta leggermente alcuni elementi per migliorare la composizione prima di iniziare l'ombreggiatura. Ecco l'illustrazione dopo la fase di dettaglio.
Shading è di gran lunga uno dei miei passi preferiti nella creazione di un'illustrazione. È quando sento che il pezzo prende davvero vita. Esistono migliaia di metodi e combinazioni di metodi diversi utilizzati dagli artisti per ombreggiare i loro oggetti e sembra che a tutti piace il modo migliore. Uso una combinazione di oggetti piumati, sfumature e maschere di ritaglio, ma se hai un metodo di ombreggiatura diverso, preferisci, in ogni caso, utilizzare ciò che funziona per te. Il mio metodo funziona per me perché è veloce, si basa sull'ombreggiamento come oggetti (tendo a rompere le mie immagini in oggetti) ed è davvero facile da modificare.
Seguendo la stessa procedura che ho usato per aggiungere dettagli alla mia immagine, comincio con il livello più in alto, che è il coniglio nascosto. Questo è un buon oggetto su cui concentrarsi per questo passo perché è abbastanza semplice.
Inizierò con un orecchio. Quando ho creato questo personaggio, ho usato le maschere di ritaglio per racchiudere tutti gli elementi (orecchio e orecchio interno) per ciascun orecchio. Ciò aiuta immensamente con il processo di ombreggiatura perché ora tutto ciò che devo fare è entrare nella maschera di ritaglio (fare doppio clic su ciascun orecchio farà il trucco). Dopo essere entrato, disegno la forma del mio oggetto ombra.
Come in precedenza, mantengo i miei colori semplici, usando una versione moltiplicata del colore dell'orecchio originale. Questo rende un bel colore dell'ombra blu molto bello. Notare anche la grande quantità di oggetto ombra fuori dai limiti della maschera di ritaglio. Avrò bisogno di questo per tirare fuori il piumaggio.
Con l'oggetto ombra selezionato, seleziono Effetto> Stilizzazione> Sfumatura. Regolo il livello di sfumatura fino a quando non sembra come voglio, assicurandomi di fare clic sull'opzione Anteprima in modo da poter vedere cosa sto ottenendo.
Dopo aver finito di ombreggiare un orecchio, aggiungo l'aspetto dell'oggetto sfumato al pannello Stili (ci sono ancora tre orecchie di coniglio in più per andare). Se voglio cambiare il livello di sfumatura, posso sempre accedere alle impostazioni delle piume dell'oggetto nel pannello Aspetto.
Oltre agli oggetti sfumati, aggiungo quasi sempre un gradiente all'oggetto di base originale. Per esempio, qui aggiungo una sfumatura al cespuglio in cui il coniglio si nasconde.
In questo caso, c'è già un oggetto ombra posto sopra l'oggetto base (la macchia), quindi il gradiente lo valorizza, aggiungendo all'illusione di profondità e dando all'oggetto un altro elemento estetico che aiuta a allontanare il temuto eccessivamente pulita guarda che alcune immagini vettoriali possono avere. Un consiglio per gli utenti di gradienti: sottigliezza. Mantieni i gradienti a basso contrasto come contrasto elevato estremo i gradienti possono spesso portare a un sentimento amatoriale.
Aggiungo anche oggetti sfumati a oggetti più piccoli come occhi e piedi, ma mi piace mescolare le cose e lasciarle inanimate. La ragione? È una scelta stilistica. Per molti soft e ombre tendono a rendere l'immagine un po 'vaporosa ea volte (anche se non in questo caso) anche un po' troppo realistica. L'aggiunta di alcune ombre dure e definite conferisce un aspetto cartoistico che mi piace molto.
Di nuovo, lavoro attraverso i diversi livelli più o meno allo stesso modo, aggiungendo sfumature e sfumature.
Per il coniglio di fumo, ho usato una versione leggermente modificata della tecnica degli oggetti sfumati piumati sopra descritta. Fondamentalmente, ho creato uno stile grafico (riempimento blu chiaro, sfumatura impostata per moltiplicare, sfumatura - come mostrato di seguito nel pannello Aspetto), quindi aggiunto al pannello Stili, selezionato lo stile e utilizzato il nuovo pennello Blob di Illustrator CS4 da applicare esso. Il pennello Blob aggiunge un tocco naturale all'ombreggiatura e incorporando uno stile piumato crea un approccio completamente nuovo e più naturale all'ombreggiatura in Illustrator.
Le case non meritano molto tempo perché sono forme vettoriali piuttosto semplici. Li attiro per guardare in 3D, quindi l'ombreggiatura è praticamente in atto molto presto. Oltre ad aggiungere sfumature e sfumature di piccoli dettagli (sotto la grondaia e intorno alla parte superiore del camino), c'è un altro elemento che ho aggiunto: le strisce. Le strisce potrebbero sembrare poco importanti, ma penso che aggiungano davvero lo stile e la sensazione generale del pezzo. Le loro forme e colori irregolari aumentano il dinamismo e aiutano a giustificare la prospettiva volutamente sbagliata.
Tecniche come queste sono state rese popolari fino alla metà del 20 ° secolo, quando gli illustratori si ispirarono all'infinito dal movimento dell'arte moderna. Artisti di Google come Jim Flora e Mary Blair per vedere cosa intendo. Sono una fonte inesauribile di ispirazione.
Il mostro ciclopico è senza dubbio il personaggio più complesso da ombreggiare, soprattutto in considerazione della sua situazione di braccio. È ora di integrare completamente le sue braccia con il resto di lui. Prima di farlo, affino le sue mani aggiungendo punti con lo strumento penna e manipolando quei punti.
E aggiungi i dettagli e le finestre sul pezzo di casa che tiene in mano.
Copio e incollo le braccia in un nuovo livello chiamato "extra arms". Li userò in un po ', ma per ora li nasconderò. Seleziono le braccia sul livello "Big Monster", le invio sul retro (tasto Command + Shift + Left Bracket), e uso il pannello Pathfinder per unirle al resto del corpo.
Quindi aggiungo una leggera sfumatura al corpo.
Successivamente, mostro di nuovo il livello "extra arms". Usando lo strumento gomma, I taglio le mani lontano dalle braccia che fanno sembrare guanti.
E seleziono e cancello le braccia.
Applico un gradiente a ciascuna mano per aiutare entrambi a separarli e a fonderli con il resto del corpo. Sto usando Illustrator CS4, quindi ho scelto di unire le mani creando un lato del gradiente completamente trasparente (Opacità 0%).
Infine, blocco lo strato "extra braccia" e aggiungo oggetti sfumati piumati ai ciclopi nel modo sopra descritto. Pulisco anche i dettagli o le incongruenze che noto.
Ecco l'immagine dopo l'aggiunta dell'ombreggiatura e delle sfumature.
Di solito mentre sto lavorando, modifico i colori e aggiungo anche elementi che ritengo possano migliorare l'immagine. In questo caso, ho pensato che le montagne avessero bisogno di una profondità extra e volevo approfondire alcuni toni, specialmente quelli del coniglio fumoso.
Abbiamo un po 'di ombreggiatura, ma non sono state proiettate ombre? È ora di aggiustarlo.
Proprio sopra il livello "strade", aggiungo un nuovo livello chiamato "ombre". Disegna in forme d'ombra vaghe in tre diversi colori brillanti, facili da distinguere. Il motivo per cui utilizzo tre colori diversi per le mie ombre è semplice: creerò tre diversi stili grafici e li applicherò con Seleziona> Stesso riempimento.
Si può notare che ho creato un po 'di arte al di fuori dei limiti dell'Art Board. Lo faccio quasi sempre quando creo opere d'arte destinate a spettacoli di pareti o gallerie. Ciò consente flessibilità durante la stampa, soprattutto se è necessario ridimensionare o lasciare qualche sovrapposizione. Ad esempio, ho dovuto stampare immagini su tela prima e avevo bisogno di un po 'di sanguinamento extra in modo che l'immagine potesse avvolgere le barre della barra senza compromettere la composizione originale. Se hai bisogno di ripulire i bordi per un cliente, ci sono molti modi per farlo, ma quando creo arte per amore dell'arte, i bordi non curati non faranno male a nulla.
Penso che tu conosca il mio approccio al colore ormai: variazioni sui colori già presenti nell'immagine. In questo caso, userò una sorta di colore rosso argilla, una variazione più scura dei colori usati per il terreno. Come ho detto prima, creerò stili grafici per ciascuna regione di colore. Fondamentalmente, ogni stile avrà un colore di riempimento con la modalità Blend impostata su Moltiplica, l'opacità abbassata un po 'e la sfumatura applicata. Suona familiare? È lo stesso modo in cui ho creato l'ombreggiatura. Ho sempre un'anteprima degli stili prima di applicarli in massa a un gruppo di oggetti con codifica a colori. Come mostra l'immagine sotto, le ombre nella parte posteriore sono versioni smorzate di quelle nella parte anteriore, contribuendo a stabilire l'illusione della profondità.
Ora è il momento dell'ultima aggiunta importante: la trama. Creo sempre le mie trame in Illustrator, principalmente usando i pennelli. Per simulare una "trama" di pelliccia, userò un pennello triangolare personalizzato come quello usato per decorare gli alberi di pino nel passaggio 5, le stesse impostazioni del pennello e tutto il resto. Dopo aver creato il pennello, passo alla maschera di ritaglio di un personaggio e applico il nuovo pennello al personaggio, utilizzando colori brillanti e distinguibili per designare la direzione capelli stanno indicando.
Seleziono uno dei segni del pennello e Seleziona> Stesso tratto. Si noti il contenuto del pannello Aspetto mostrato di seguito.
Quindi espanderò l'aspetto e separerò completamente gli oggetti. Il pannello Aspetto dovrebbe mostrarli come Percorso, non come Gruppo.
A questo punto, seleziono un singolo capelli e usalo per impostare uno stile grafico per il resto dei peli che si muovono nella stessa direzione. Applico un gradiente bicolore ad esso, entrambi i colori hanno la stessa tonalità arancio-chiaro (sorpresa, una variazione dell'arancio originale usato per il corpo), ma ho impostato uno degli stop del gradiente con un'opacità dello 0%. Questo aiuta i peli a mescolarsi. Applico il gradiente all'oggetto, coprendo solo la porzione di capelli che voglio miscela nel corpo. Quindi aggiungo il nuovo aspetto al pannello Stili grafica.
Quindi seleziono uno degli oggetti viola, Seleziona> Stesso riempimento e applica lo stile appena creato.
Ripeto questa tecnica per gli altri colori, usando lo stesso gradiente, ma alterando la direzione in base alla direzione dei singoli capelli.
Dopo che tutti i capelli sono stati abbinati (har, har), noto che la pelliccia sul lato sinistro del mostro è troppo simile a quella del mostro. Voglio alleggerirlo, ma prima, devo selezionare tutti quei peli. Per fare questo, clicco su uno dei capelli e Seleziona> Stesso riempimento. Questo, naturalmente, seleziona tutti i peli, quindi passo allo Strumento Lazo (Q), tieni premuto il tasto Alt e disegno un laccio intorno a tutti i peli che non voglio cambiare. Questo li sottrae dalla selezione.
Quindi modifico i colori del gradiente per gli oggetti ancora selezionati, optando per un colore arancione più chiaro.
Come prima, ripeto questi passaggi per gli altri oggetti che hanno bisogno di pelliccia (i due conigli).
L'ultimo pezzo di texture che aggiungerò sarà il cielo e il terreno. Li macchierò con un pennello a dispersione. Comincio disegnando un cerchio nero dalla forma irregolare e riducendolo ad una dimensione veramente piccola, circa 2pt per 2pt.
Trascino la forma nel pannello Pennello e scelgo Pennello di dispersione. Sto usando un pad Wacom, quindi mi piace impostare le opzioni del pennello per reagire alla pressione della penna. Nota i piccoli triangoli sui cursori nell'immagine qui sotto. I triangoli grigi determinano cosa succede quando la penna ha poca o nessuna pressione applicata. Il valore corrispondente appare nella casella a sinistra. Il triangolo nero indica cosa succede a piena pressione e il valore corrispondente si trova nella casella a destra.
Così ho impostato la dimensione di ogni punto per crescere quando la penna è stata premuta e ho impostato la spaziatura tra ogni punto per ridurla man mano che la pressione si intensifica, facendo crescere i punti e quando la pressione viene applicata. Il bello della creazione di pennelli come questo è che puoi sempre tornare indietro e modificare il pennello in un secondo momento (basta fare doppio clic nel pannello Pennello) se i risultati non sono que
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