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I grafici possono essere un gruppo confusionario, a volte sembra che stiano parlando un linguaggio completamente diverso. Se sei alla fine di "parlare in agenzia", potresti sentirti un po 'sopraffatto, ma spesso il significato dietro frasi complicate è facile da gestire una volta che sai come tradurre.
Questa sarà una guida indispensabile per decodificare il gergo del designer per chiunque sia relativamente nuovo nel mondo del design o abbia solo bisogno di un aggiornamento. Continua a leggere per saperne di più sul linguaggio unico e spesso sconcertante dei designer ...
No, questo non ha nulla a che fare con i servizi igienici. "Flushing" si riferisce effettivamente all'allineamento del testo su un layout.
Esistono diversi modi in cui il testo può essere allineato sulla pagina, l'essere più comune Allineare a sinistra (l'opzione predefinita per il software di progettazione in lingua inglese), Allinea a destra, e Allinea al centro. Puoi anche Giustificare tutte le linee (che allunga le linee di testo sull'intera cornice di testo per creare un solido blocco di testo, una tattica comune utilizzata nei layout dei giornali per inserire il più testo possibile nelle colonne) o Giustificare con l'ultima linea allineata a sinistra o a destra. Se stai lavorando con spread di due pagine, ad esempio per un libro o un layout di una rivista, hai anche la possibilità di allineare il testo In direzione o Lontano dalla Spina.
Nel Adobe InDesign, vai a Finestra> Tipo e tabelle> Paragrafo per visualizzare l'intera gamma di opzioni di allineamento.
Flushing text in un modo o nell'altro ha il potere di trasformare l'aspetto del tuo layout. Alcune delle opzioni di allineamento più insolite sono un ottimo modo per infrangere la norma, aggiungendo più personalità a grossi pezzi di testo. Puoi anche fare in modo che un layout appaia più bilanciato mescolando l'allineamento di diversi blocchi di testo: un angolo allineato a sinistra, l'angolo opposto allineato a destra, ad esempio. Ciò impedisce al layout di apparire troppo pesante su un lato.
Il tuo design non ha smesso di respirare, ma potrebbe essere difficile a causa della quantità di "cose" nella pagina.
Questo è il codice per un'altra pepita di designer che parla-'spazio bianco'.
Lo spazio bianco non ha nemmeno bisogno di essere bianco (sì, confuso) - si riferisce solo ad un'area 'vuota' sul tuo layout. Questo può effettivamente essere riempito con il colore o con un'immagine di sfondo, ma non dovrebbe avere elementi di distrazione, come testo o grafica forte.
Modello di rivista di moda minimalHai mai guardato un'incredibile rivista diffusa o un bel design di poster e ti sei chiesto perché è così bello? Parte del motivo è probabilmente dovuto al fatto che il progettista ha permesso che parti del design appaiano in bianco. Ciò consente allo spettatore di rilassarsi perché non è sovraccaricato di contenuti visivi da tutte le aree del design, che a sua volta consente loro di concentrarsi sull'attrattiva degli elementi più occupati.
Anche se non è l'elemento più evidente nell'arsenale di un designer professionista, lo spazio bianco è una delle tecniche più efficaci per far apparire i layout all'istante e talvolta impercettibilmente più attraenti.
Quindi assicurati di dare ai tuoi disegni una pillola per il freddo meritata e concedi loro un po 'di respiro.
Vuoi allenarti per portare più spazio bianco ai tuoi progetti? Dai un'occhiata a questo semplice tutorial su come declutterare un design di un volantino:
C'era una volta, tutto ciò che si voleva fare era fare in modo che i disegni di stampa bidimensionali sembrassero tutt'altro. Invece, 3D, gli effetti di design più grandi della vita erano all'ordine del giorno.
Ma quello era un decennio fa, e ora la grande parola d'ordine nella grafica è il design 'piatto'. Ciò è legato all'aumento della popolarità per gli stili di design vintage, che utilizzano la grafica e il tipo di collage per imitare gli stili di stampa litografica. Anche il design digitale ha portato il design piatto in nuovi posti: icone, pulsanti e illustrazioni in stile piatto offrono a siti Web e app un aspetto minimal e semplice che li rende estremamente intuitivi da usare.
Come si può ottenere l'aspetto piatto desiderato nei propri progetti? Evita le sfumature, le ombre, le trame metalliche e qualsiasi altra cosa che faccia sembrare un design troppo "reale".
Modello di biglietto da visita Design piattoConsidera la possibilità di sostituire le foto con illustrazioni e di mantenere la grafica semplice, minimale e persino un po 'infantile. Dai uno sguardo al design delle stampe degli anni '50 e '60 per la massima ispirazione del design piatto.
Effettuare alcuni piccoli swap nei tuoi progetti ti aiuterà a ottenere l'aspetto piatto in un istante, sostituendo invece le trame metalliche o lucide con una trama cartacea o gessosa; favorire tonalità di colore neutre e opache su colori sgargianti; scegli gli effetti di goffratura sulle ombre esterne per imitare un look tipografico di tendenza.
Se non sai ancora cos'è un 'infografica', non disperare. Potrebbe diventare un termine più diffuso, ma è ancora un ramo altamente specifico della progettazione grafica.
Lo stile grafico ora molto popolare, che significa "informazione grafica", è un modo più visivo di presentare dati, come statistiche, risultati di sondaggi o risultati scientifici. Un passo avanti rispetto al grafico o al grafico medio, un'infografica potrebbe utilizzare illustrazioni, mappe, tipografia o persino elementi interattivi per presentare i dati in modo creativo. Le infografiche tendono a colmare il divario tra la progettazione grafica e l'illustrazione, riunendo tecniche e contenuti di ogni campo.
Se preferisci non passare giorni schiaffeggiando illustrazioni disegnate su misura, sei fortunato: una quantità crescente di contenuti azionari è orientata verso il mercato dell'infografica, il che significa che puoi trovare icone e illustrazioni pronte per l'uso su misura per progetti basati sui dati . Scopri l'enorme selezione di elementi vettoriali infografica sul mercato Envato.
Puoi scoprire come è possibile creare i propri elementi di infografica direttamente in Adobe InDesign con questo tutorial:
Questi potrebbero sembrare terrificanti, ma entrambi questi termini abbreviati si riferiscono solo alla risoluzione dei disegni raster (non vettoriali, vedi nota sotto *). Si desidera puntare ad alta risoluzione nei progetti di stampa, per garantire che il risultato finale non appaia sfocato o pixelato.
DPI è 'Punti per pollice' e questo è importante sapere in particolare per il design di stampa. Una stampante genererà il design stampato tramite una serie di punti. Se ci sono meno punti per pollice (un DPI basso), il risultato sarà più pixelato. Più punti per pollice (un DPI alto) crea un risultato più denso e di alta qualità. Il DPI minimo standard per un design di stampa di alta qualità è 300 DPI.
PPI è molto simile, ma si riferisce a "Pixel per pollice". Noterai che Adobe Photoshop funziona con PPI: se realizzi un'immagine raster più grande in Photoshop, riduci automaticamente l'IPP, riducendo in tal modo la qualità dell'immagine e aumentando la visibilità della pixelizzazione.
Quando un designer dice di volere conoscere il DPI o il PPI di un'immagine, probabilmente sta suggerendo che l'immagine è attualmente a una risoluzione troppo bassa per essere stampata con un elevato standard di qualità. Mantenere il DPI sopra 300 e assicurarti di essere a conoscenza delle dimensioni finali stampate dell'elemento ti aiuterà a tenere sotto controllo la risoluzione e la qualità generale della grafica nel tuo design.
* DPI e PPI si applicano solo alle immagini raster, che sono costituite da una serie di punti colorati. Quando ridimensionate un'immagine raster, i punti colorati possono apparire più grandi e distanti l'uno dall'altro, creando l'effetto pixelated temuto. Se lavori con progetti su larga scala o vuoi semplicemente assicurarti che la tua grafica sia di ottima qualità, è meglio lavorare con la grafica vettoriale, che è scalabile.
Raccogli i problemi tecnici che dovrai considerare durante la preparazione della stampa con questa utile guida:
Qui vi presento una delle maggiori differenze tra ciò che un cliente dirà e ciò che un designer dirà.
'Font' è la versione digitale di un carattere tipografico: scarichi e installi i caratteri e li applichi sui tuoi documenti sullo schermo. Quando arrivi a stampare la tua opera d'arte, il "font" diventa a 'Carattere'-l'incarnazione stampata del file di font. Sentirai i clienti che in genere chiedono la modifica di un "font", ma la maggior parte dei progettisti probabilmente dirà "carattere tipografico".
Pier Sans TypefaceAnche se sono cose diverse, sia il cliente che il designer suggeriscono la stessa cosa. Entrambi vogliono che l'aspetto dello stile di tipo sia diverso. I caratteri tipografici hanno personalità e caratteristiche distinte, se il progettista non pensa che un serif stia funzionando, potrebbe essere perché sembra troppo tradizionale o formale. Passare a un sans serif potrebbe rendere un design più moderno e minimale.
Se ti viene presentata una sfida per i caratteri tipografici, prova ad estrarre ciò che esattamente non funziona, quali sono le caratteristiche che l'attuale carattere tipografico porta al design? Puoi regolare l'intero mood del design passando a qualcosa di leggermente diverso?
'Tipografia' potrebbe beneincludere il carattere tipografico, ma è anche molto più ampio di quello. La tipografia si riferisce al modo in cui il tipo è disposto e formattato nella pagina.
Se il problema del designer è con la tipografia sul design, questo potrebbe riferirsi a tutta una serie di cose che si uniscono per rendere il modo in cui il testo è disposto, come l'interlinea (lo spazio tra le righe di testo), il caso (superiore o inferiore -case characters), tracking (lo spazio tra tutti i caratteri) o drop caps (in cui vengono ingranditi i primi o i primi caratteri di un paragrafo).
Dato che la tipografia è così ampia, dovrai individuare esattamente cosa è esattamente la disposizione del testo che non è del tutto giusta - sembra troppo affollata, troppo distanziata, troppo grande, troppo piccola?
Nell'arsenale di ogni designer c'è una vasta gamma di stili di tipo classico e moderno, pronti per essere utilizzati su tutti i tipi di layout. Costruisci la tua collezione con la fantastica gamma di caratteri su Envato Market.
Carattere di Ed's Market ScriptNon essere all'oscuro della tipografia con questa guida definitiva dalla A alla Z a tutte le cose:
Non c'è bisogno che tu finga frettolosamente un passaporto, in stile Jason Bourne, come un '"identità" in design-parlare si riferisce solo a identità aziendale.
Immagine: © Barbican Centre / NorthLe aziende più grandi hanno un'identità di marca, come molti altri prodotti, ma cosa significa? Un'identità di marca è costituita da marcatori visivi che sono unici per quel business o prodotto, come un logo, una mascotte o uno slogan. Le identità più sviluppate potrebbero avere la loro tavolozza di colori, caratteri tipografici (vedi 6, sopra) e elementi grafici come illustrazioni e / o fotografie che sono stati adattati al marchio.
Quando un designer vuole creare un'identità, potrebbe significare un'identità in piena regola con tutti i campanelli e fischietti, oppure potrebbe significare solo un design del logo, quest'ultimo è abbastanza comune negli scenari di lancio dell'agenzia quando il tempo stringe. Assicurati di sapere cosa è necessario prima di creare un'intera identità complessa da zero.
Se un cliente o un progettista desidera vedere una "gamma di identità", ciò potrebbe significare che vogliono vedere alcuni, forse da tre a cinque, disegni di loghi che possono includere o meno il nome della società impostata in un "carattere di marca" suggerito ' pure. Il logo più forte può quindi essere rifinito e i colori e lo stile si estendono verso l'esterno per creare le altre parti dell'identità.
Creare identità di marca forti non è un'impresa da poco, ma puoi iniziare su una base sicura seguendo il processo per creare i nostri Envato Tuts+ 'Team Awesome' marca:
Essere sorpreso se un cliente prende su questo (rispetto a loro se lo fanno!), Ma un designer non ti sottrarrà a dirti se la griglia sul tuo layout sembra un po 'fuori.
Le griglie sono gli eroi non celebrati di layout progettati con successo; sono il mattone di base per qualsiasi progetto. Qualsiasi layout può essere diviso in una serie di sezioni quadrate o rettangolari per creare una griglia, che costituisce le colonne e le righe invisibili che separano gli elementi del progetto. È possibile inserire una griglia nella maggior parte dei programmi di progettazione (ad esempio, in Adobe InDesign, vai a Visualizza> Griglie e guide> Mostra griglia documenti), che si posiziona dietro il contenuto del documento o della tavola da disegno.
Il ridimensionamento delle sezioni della griglia per creare aree sempre più piccole contribuirà a creare un equilibrio sul layout e impedire che appaia troppo modulare. Ad esempio, posizionando un'immagine su quattro sezioni quadrate della griglia e un'altra foto in una sola sezione quadrata risulterà migliore rispetto alla creazione di due immagini di uguali dimensioni.
Scopri i suggerimenti per la creazione di griglie nella grafica e altri due suggerimenti per rendere i tuoi disegni immediatamente più professionali, con questo breve tutorial:
Questo è abbastanza per colpire la paura nel cuore di ogni giovane stilista. Hai passato ore o persino giorni a studiare progetti sul tuo computer, solo per arrivare alla fine del processo e senti che devi trovare qualcosa chiamato "file nativo". Che diavolo è?
Un file nativo è un termine industriale per la copia digitale originale della tua opera d'arte. Quindi, ad esempio, se hai lavorato a un'illustrazione vettoriale in Adobe Illustrator o Inkscape, potresti aver fornito una versione JPEG o PNG dell'illustrazione finale. Se il cliente o l'agenzia vogliono anche il 'file nativo', vogliono il file di disegno originale, forse in AI, o più comunemente, EPS formato. Ciò significa che il file può essere modificato dal client o da altri designer, consentendo loro di cambiare colore o regolare la grafica, ad esempio.
Se hai lavorato su un Adobe InDesign file, forse per un progetto di pubblicazione come un libro o un opuscolo, l'invio di un file nativo è un processo un po 'più complicato. In questo caso, devi prima "impacchettare" il file (File> Pacchetto)-questo raccoglierà tutti i file dei font usati nel documento e tutte le immagini collegate al documento, e li colloca in una nuova cartella, insieme a una copia del file InDesign. Devi anche ricordarti di fornire un IDML copia del file InDesign (File> Salva come> scegliere InDesign CS4 o successivo [IDML]) se il destinatario previsto ha una versione diversa del software InDesign sul tuo (ad esempio, se stai utilizzando CC e stanno utilizzando CS6).
A seconda di chi stai inviando i tuoi file grafici, dovresti fare attenzione. Se un'agenzia ti ha incaricato di aiutarti con una presentazione o un altro progetto, potrebbe chiederti di firmare un documento che presuppone che deterrà il copyright del tuo progetto. In questo caso, è accettabile e pratica comune fornire al client i file di grafica nativi.
Se non agisci come fornitore di servizi freelance, ma come artista, è nel tuo interesse mantenere il copyright esclusivo per i tuoi progetti. Si dovrebbe essere consapevoli di questo quando si inviano file grafici a gallerie o negozi, spesso una versione JPEG ad alta risoluzione del proprio design è adatta allo scopo e aiuta a impedire ad altri di modificare o copiare il proprio lavoro.
Se lavori per un'agenzia o in-house, c'è una parola che devi abituare a "commerciale".
'Commerciale' è una di quelle parole che ha il potere di succhiare la forza vitale da un appassionato designer o artista. Questo perché "commerciale" ha il significato opposto a "artistico" o "creativo". Il design commerciale ha un solo obiettivo e un solo obiettivo: vendere. Annunci, copertine di riviste o volantini con un taglio più commerciale hanno maggiori probabilità di essere convertiti in vendite rispetto a progetti più creativi, "fuori là".
Modello di volantino di venditaPer i progettisti, a volte questo può essere frustrante, in quanto il design commerciale non è il più creativo dei punti vendita. Se qualcuno vuole qualcosa di più commerciale, vuole che appaia più appetibile, più culturalmente alla moda e meno offensivo o sfidante per l'opinione pubblica.
Se il tuo cliente o collega desidera che il tuo design appaia più commerciale, potresti dover essere pronto a ridimensionare un po 'o modificare elementi del tuo design per farlo apparire più alla moda o attraente per un mercato di massa.
Ma non disperare: la pubblicità e la creatività possono essere bilanciate, e questo può portare non solo a vendite favorevoli, ma anche a progetti iconici e creativi.
Le copertine dei libri sono un perfetto esempio di questo compromesso. In particolare per edizioni vintage o romanzi letterari, i designer di libri sono spesso incoraggiati ad essere il più creativo possibile. L'editore potrebbe quindi suggerire modi di commercializzare ulteriormente il design, adattando il colore o la tipografia, ad esempio, per aiutare la copertura ad attrarre diversi dati demografici e mercati.
Scopri come personalizzare una copertina classica per un mercato moderno con questo tutorial:
Il gergo del designer potrebbe sembrare intimidatorio, ma con alcune abilità di traduzione più nitide non avrai problemi a decodificare il vero significato. Quindi, quando il tuo cliente o il tuo capo agenzia ti chiede una delle seguenti cose quando presenterai i tuoi disegni, saprai esattamente di cosa stanno parlando:
Hai altre pepite di gergo stilista per le quali vorresti condividere la traduzione? Mi piacerebbe sentirli nei commenti qui sotto!
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