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In questo tutorial esamineremo le regole di base per creare composizioni still life. Le tecniche qui descritte ti aiuteranno a creare opere d'arte nello stile dell'arte primitiva. Non è necessario creare uno schizzo all'inizio del tuo lavoro. Lavoreremo per riprodurre questo stile con l'aiuto degli strumenti di Adobe Illustrator. Iniziamo!
Innanzitutto, parliamo della composizione della natura morta. La natura morta è esattamente il genere, in cui la composizione è di primaria importanza. Relativamente parlando, la composizione della natura morta è una combinazione armoniosa e interazione di oggetti. Attraverso la composizione puoi costantemente mostrare all'osservatore tutto ciò che desideri, creare l'umore, trasmettere un'idea e persino raccontare una storia. La composizione di natura morta può essere suddivisa in diversi tipi: geometrico, spaziale e cromatico. Rivediamo questi tipi in dettaglio:
È nella natura umana associare ogni forma a qualcosa di peculiare ad essa. Gli angoli, ad esempio, sono associati inconsciamente ai puntatori. Osservando a lungo un quadrato o un rettangolo appare una sensazione di stabilità. Un cerchio crea un senso di comfort e calma. Ricorda che le linee orizzontali (una persona sdraiata) sono più calme di quelle verticali (una persona in piedi). Per quanto riguarda le diagonali, le linee ascendenti - che portano dall'angolo in basso a sinistra a quello in alto a destra - sembrano più tese di quelle che cadono: continuiamo a leggere da sinistra a destra, e la nostra vista deve "salire" sull'immagine per raggiungere il superiore. Ma è qui che si nasconde un certo senso di vittoria. Le linee discendenti che arrivano dall'angolo in alto a sinistra a quello in basso a destra, al contrario, sono tradizionalmente associate al rilassamento, alla tristezza o persino alla depressione. Tutti questi trucchi possono essere e dovrebbero essere usati nei loro scopi - per trasferire concetti, idee di lavoro.
Se un oggetto deve essere distinguibile in una natura morta, gettandolo nella parte principale, è possibile applicare la composizione spaziale. Ad esempio, posiziona l'oggetto principale in primo piano, davanti agli altri. Oppure utilizzare una tavolozza di colori in modo che l'elemento principale fosse di un colore più luminoso. I filtri di sfocatura possono essere applicati agli oggetti minori.
Ogni colore, oltre alla sua colorazione originale, ha il suo significato. I colori caldi (arancione, giallo, rosso, terracotta) ci ricordano l'estate, il sole, il calore. Inoltre, dal corso di pittura si sa che tali oggetti appaiono visivamente più vicini. Che in realtà non si può dire dei colori freddi: blu, verde, rosa, viola. Questi colori recedono l'oggetto dallo spettatore e sono solitamente associati all'inverno, al freddo e all'acqua. È importante non dimenticare il contrasto, a volte può essere perfettamente interpretato, ma la combinazione di colori spesso considerata frettolosamente mette da parte o distorce il significato dell'intera composizione. Ricorda inoltre che qualsiasi oggetto ha la capacità di riflettere o assorbire le tonalità dei prossimi oggetti in piedi, e anche due oggetti di colori identici su uno sfondo possono apparire diversi proprio a causa della differenza nelle loro trame. La composizione costruita su vibrazioni appena visibili di luci ed ombre senza enfatizzare i punti di attenzione dello spettatore sembra invariabile, monotona e inespressiva. Contrasti netti creano tensione, dinamica. La saturazione del colore ha un impatto sullo spettatore: composizioni di tenui colori pastello creeranno un senso di pace e nostalgia, mentre i colori luminosi e appariscenti, al contrario, sono adatti per attirare l'attenzione, per mostrare espressione, assertività. Questo è il motivo per cui i colori vivaci sono spesso usati nella pubblicità, mentre il design artistico tende a colori tenui e tranquilli. Ci sono ancora alcuni aspetti importanti da prendere in considerazione durante la composizione: regola dei terzi, ritmo e connessioni interne.
Il ritmo, una ripetizione di linee identiche o simili, è uno strumento di composizione molto potente per manipolare l'aspetto dello spettatore. Il "percorso" di oggetti alternativi può portare via troppo lontano. Ma non esagerare: il ritmo può anche uccidere l'intera composizione, lasciandola senza dinamiche e rendendola monotona.
Quando crei una natura morta è necessario che esista una relazione tra gli oggetti. Gli oggetti possono essere collegati in forma (uovo e cipolla), colore (pomodoro e peperoncino) e significato (mela e coltello). Ricorda cosa vuoi trasmettere allo spettatore e usa tutte le tecniche di composizione disponibili per i tuoi scopi. Passiamo alla creazione della tua natura morta
Avvia Adobe Illustrator e crea un nuovo documento. Creiamo una composizione di quattro oggetti: bottiglia di vino, calice, tappo e frutta. Successivamente sceglieremo i colori della composizione e decideremo quale frutta usare nella natura morta. Per prima cosa ritragga questi oggetti con l'aiuto di Adobe Illustrator. Prendi lo strumento Penna (P) e crea un percorso aperto di metà della bottiglia. La guida verticale ti aiuterà a posizionare correttamente i punti interni estremi del percorso.
Seleziona il percorso e vai su Oggetto> Trasforma> Rifletti, con le impostazioni mostrate nell'immagine sottostante.
Prendi lo strumento Seleziona (V) e tenendo premuto il tasto Maiusc sposta la copia orizzontalmente.
Ora chiudi il percorso della bottiglia. Prendere lo strumento Lazo (Q) e selezionare i punti finali inferiori di entrambi i percorsi. Ora vai su Oggetto> Percorso> Media (Alt + Comando + J). Questa operazione porta al fatto che le stesse nuove coordinate medie sono assegnate a entrambi i punti di ancoraggio.
Unisci insieme questi punti Oggetto> Percorso> Partecipa (comando + J).
Ora conferisce alla forma un aspetto perfetto, spostando orizzontalmente le maniglie del punto di ancoraggio.
Allo stesso modo collegare i punti più alti del percorso.
Utilizzando la tecnica sopra descritta creare la parte superiore del calice.
Ora prendi lo strumento Ellisse (L) e crea la base del calice.
Posizionare la base e il calice sullo stesso asse verticale. Per fare ciò, selezionare entrambi gli oggetti usando lo strumento Selezione (V) e fare clic sulla casella Allinea orizzontale dal riquadro Allinea.
Ancora selezionato, fare clic sul pulsante Aggiungi dalla casella Pathfinder e fare clic su Espandi.
Effettua una transizione graduale tra la base e il gambo del vetro. Prendi lo strumento Penna (P) e aggiungi quattro punti di ancoraggio (1-4), come mostrato nell'immagine sottostante (il percorso del vetro deve essere selezionato). Rimuovere i punti interni 5 e 6, usando lo strumento Penna (P).
Usando le conoscenze acquisite e lo strumento Penna (P) creare un tappo di bottiglia.
Adesso decidi i colori della composizione. Associo una bottiglia di vino con l'estate e il calore, quindi ho deciso di scegliere una gamma di colori caldi. Ho scelto un'arancia come frutto. Sarà creato usando lo strumento Ellisse (L). Riempi con il colore arancione. Certamente potresti avere le tue associazioni. Puoi sperimentare in questo passaggio. Riempi la forma di un bicchiere con il blu pallido, la bottiglia - con il verde, il tappo - con il marrone chiaro. Prendi lo strumento Penna (P) e crea una forma di vino in un bicchiere e riempila di colore rosso.
Assegna un nome allo strato su cui abbiamo lavorato in Still Life. Crea un nuovo livello BG sotto questo livello; questo è dove verrà creato lo sfondo. Prendi lo Strumento Rettangolo (L) e crea un rettangolo delle stesse dimensioni del nostro documento e riempilo con un gradiente lineare da verde chiaro a marrone chiaro.
In questa fase scegliamo solo i colori, lavoreremo con loro in dettaglio più avanti.
La composizione di ogni natura morta ha una sua struttura. Il senso di stabilità, equilibrio, pace nasce dalle composizioni create sulla base di forme diverse, ma usando la simmetria. La dislocazione asimmetrica e diagonale degli oggetti trasmette movimento, ansia, mancanza di equilibrio di pezzi di composizione. Ho scelto la classica struttura triangolare per la mia composizione.
Decidi dove verrà posizionata una fonte di luce. Ho deciso che sarebbe stato in alto nella parte superiore dello spettatore. Quindi, le luci sugli oggetti saranno sulla destra e le ombre sulla sinistra.
Ho deciso di creare nature morte nel genere dell'arte primitiva, quindi le forme degli oggetti e delle ombre sono in qualche modo esagerate. Coprire le tecniche di creazione di ombre e luci. Prendi lo strumento Penna (P) e crea la forma di un'ombra sull'arancio, coordinando la sua posizione con la fonte di luce.
Copia la forma di un'arancia (Command + C) e Paste in Front (Command + F).
Seleziona la copia dell'arancia e la forma dell'ombra. Per fare ciò, prendi lo strumento Selezione (V) e tenendo premuto il tasto Maiusc fai clic sulla forma di un'arancia e sulla forma dell'ombra, oppure esegui la stessa procedura nella tavolozza dei livelli.
Ora fai clic su Intersect from Pathfinder.
Ora fai clic sul pulsante Espandi dalla casella Pathfinder.
Ora controlla il metodo di corrispondenza del colore delle ombre, così come la corrispondenza dei colori delle aree chiare di un oggetto. Seleziona la forma di un'arancia, nota che l'icona di riempimento nella casella degli strumenti è il colore dell'arancione. Fare doppio clic su questa icona per aprire la finestra di dialogo Selettore colore.
Ora spostandoci verso il campo Seleziona possiamo ottenere il colore dell'ombra, mentre ci spostiamo a sinistra - il colore delle aree chiare. A seconda del modello di colore in cui stiamo lavorando, scegli e scrivi il valore numerico dei colori.
Ora seleziona la forma dell'ombra e assegna i parametri appropriati al colore nella tavolozza Colore.
Usando la stessa tecnica, crea la forma delle aree chiare sull'arancio.
Preferisco il modello CMYK, perché è intuitivamente comprensibile e consente di personalizzare facilmente il colore spostando i cursori nella palette Colore. È anche il modello di colore che devi usare per le immagini di stampa.
Usando questa tecnica, crea la forma di ombre, penombre e luci sugli altri oggetti. Quando crei un'ombra è più comodo lavorare con la forma senza colore di riempimento ma con il colore dell'ombra del tratto. Una volta ottenuta la forma desiderata dell'ombra, è sufficiente modificare il tratto nel riempimento facendo clic su Scambia riempimento e Traccia nella casella degli strumenti.
L'ordine corretto degli oggetti può essere ottenuto spostando i sottolivelli nella palette dei livelli.
Le immagini sottostanti mostrano come creare i sottotoni su tutti questi oggetti.
Trasforma la forma del tappo.
Prendi lo strumento Ellisse (L) e crea la parte superiore del tappo.
Ora crea un'ombra sul tappo, applicando il metodo sopra descritto.
Ora vai allo strato BG e scendi sullo sfondo. Abbiamo usato un colore di riempimento sfumato dello sfondo solo per determinare la gamma di colori della nostra illustrazione. Riempi lo sfondo con un solido colore giallo chiaro.
Prendi lo strumento Pencil (N) e crea la forma dello sfondo e del primo piano con il colore di riempimento verde chiaro e marrone chiaro.
Prendi lo strumento Penna (P) e crea una forma di ombra, coordinando la sua posizione con la fonte di luce. Scegli il colore marrone chiaro (più scuro del colore di primo piano) per riempire l'ombra.
Aggiungi la texture alla nostra opera d'arte. Usa il programma Photoshop per questo. Avvia il programma e crea un nuovo documento 600 per 600 pixel.
Ora vai su Filtro> Render> Fibers, con le impostazioni come mostrato nell'immagine qui sotto.
Vai a Immagine> Regolazioni> Soglia
Salva il filtro, per farlo vai su File> Salva con nome e salva il file come PSD.
Vai al programma Adobe Illustrator. Crea un nuovo livello filtro sotto il livello BG. Vai su File> Inserisci e inserisci il file creato nel passaggio precedente in questo livello. Il filtro in questo livello verrà utilizzato come modello.
Ora aggiungi la trama al nostro background. Copia e incolla il filtro nel livello BG.
Seleziona il filtro e gli oggetti che devono essere strutturati nella tavolozza dei livelli. Ora applica la maschera di trasparenza.
Usando questa tecnica, aggiungi texture agli altri oggetti di natura morta. Per ottenere il contrasto nella trama tra gli oggetti e lo sfondo, ho ruotato il filtro di 90 gradi. Ti consiglio di aggiungere texture agli oggetti separatamente, piuttosto che tutto in una volta, in modo da non rimanere bloccati nell'ordine dei sottostrati.
Crea un nuovo livello struttura sopra tutti i livelli. In questo strato creeremo il tratto degli oggetti della natura morta. Crea una selezione di pennelli con diversi spessori e forme per i tratti. Di solito questi pennelli sono creati dalla distorsione dell'ellisse.
Trascina i pennelli creati nella palette Pennelli e scegli il Pennello artistico. Iniziare a creare il tratto, usando lo strumento Penna (P) e applicando i pennelli creati. Il tratto nell'area ombreggiata degli oggetti dovrebbe essere più audace rispetto alla luce. Ricorda che lo spessore del tratto può essere modificato facilmente nella palette Traccia, anche dopo l'applicazione del pennello.
Ci sono molti designer a cui non piace applicare effetti bitmap nelle loro opere. Vorrei consigliare a questi "puri vettori" aderenti di tracciare il filtro PSD. Quindi applicare la maschera di trasparenza. E per coloro che non applicano anche la trasparenza nelle loro opere, consiglio di utilizzare la casella Sottrai da Pathfinder dopo la tracciatura. Ma tieni presente che questo aumenterà sostanzialmente le dimensioni del file e rallenterà le prestazioni del tuo computer. Buona fortuna a tutti, abbiamo il miglior lavoro del mondo!
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