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Il design dei personaggi è disponibile in molti stili, ma tutti iniziano con lo schizzo approssimativo. Spesso trascurato nelle esercitazioni online, nella tecnica e nei video di processo, sono le basi per creare personaggi di qualità. Quella che segue è una panoramica di schizzi grezzi di alcuni fantastici artisti di design di personaggi, con molti stili e approcci diversi.
Questo post è il terzo giorno della nostra sessione di illustrazione dei personaggi. Sessioni creativeQuesto articolo offre al lettore uno spaccato non solo delle linee stesse sulla carta - né solo dell'illustrazione finita - ma piuttosto uno sguardo al processo di pensiero di questi artisti allo stadio di abbozzo. Ho chiesto a pochi disegnatori di personaggi il cui lavoro ammiro di condividere con noi come i loro personaggi prendono vita. Inizierò con il mio processo e poi continuerò a condividere il lavoro stimolante dei miei colleghi disegnatori di personaggi.
Mi piace lavorare molto liberamente nella fase di abbozzo. In effetti, ho ordinato ai titolari di piombo provenienti dalla Russia cavi di 5,6 mm di grasso in modo da garantire che non possa entrare nei dettagli in questa fase del processo. Questo combacia con lo stile della grafica che utilizzo anche nel mio lavoro di illustrazione.
Come potete vedere dal disegno approssimativo di questo personaggio dei cartoni animati che ho recentemente creato per un cliente, lo schizzo iniziale è molto, molto sciolto. Quello che sto cercando di ottenere qui è energia, flusso e ritmo. Sto cercando di trovare le proporzioni generali su cui lavorare e vedere come le forme stanno lavorando insieme, incluso lo spazio negativo.
Lavorerò su 5-10 di questi per iniziare. Nessuna gomma, solo grafite. Lo faccio in modo specifico per evitare di rielaborare lo schizzo o concentrarsi troppo sui dettagli. Questo viene dopo.
Il prossimo passo è portare lo schizzo libero in Photoshop e perfezionare tutto. Con una tavoletta grafica Wacom Intuos4 e la nuova funzionalità Rotate Canvas in Photoshop CS4, è molto più semplice imitare il processo di disegno su carta, con l'ulteriore vantaggio dei livelli e di tutti gli altri strumenti disponibili.
Una volta completato lo schizzo finale, viene utilizzato molto da vicino come modello durante la creazione dell'illustrazione finale in formato vettoriale.
George Coghill è un illustratore e fumettista specializzato in character design per mascotte e loghi. Il suo lavoro può essere visto a CoghillCartooning e sul suo blog, e puoi seguirlo su Twitter @gcoghill.
Dopo aver studiato il brief del progetto e aver cercato dei riferimenti, ho quindi iniziato a scribellare in Photoshop con il mio WtiC Cintiq. Da quando l'ho comprato, ho dimenticato la carta e la matita e faccio tutto digitalmente perché è più veloce. Posso fare molte trasformazioni e correzioni che non posso con i media tradizionali.
La prima cosa che faccio è cercare la giusta posa che comunica l'attitudine richiesta, perché Otter Ninja cercavo un atteggiamento meschino e spigoloso, ma comunque carino. Faccio il manichino tradizionale e lavoro la posa fino a quando non è chiara, avendo cura delle proporzioni e delle linee d'azione.
Quando sono soddisfatto dello schizzo metto giù la sua opacità, posiziono uno strato sopra e rielabora lo schizzo ancora e ancora, aggiungendo sempre più dettagli finché non ottengo lo schizzo finale.
Quando ottengo lo schizzo finale, lavoro la line art finale in alta risoluzione (circa 7000x7000 pixel) con il mio WtiC Cintiq e Photoshop. Se necessario, uso Illustrator per vettorializzare il lineart e modificare i pesi delle linee.
Sergio Ordóñez è un designer e grafico web freelance spagnolo di 31 anni con sede a Berlino. Controlla le pagine del suo blog, portfolio, Twitter e DeviantArt.
Praticamente tutti i miei progetti iniziano come schizzi a matita. La maggior parte del mio lavoro ruota intorno alla modellazione 3D, ma ho elaborato il character design in un album da disegno Moleskine usando una matita HB o un Aquarelle Faber. Di tanto in tanto disegno con il mio Wacom in Photoshop, ma mi piace la sensazione rilassata di matita su carta.
Dopo aver ricevuto il brief iniziale, trascorro un po 'di tempo semplicemente buttando giù alcune linee in un modo molto sciolto, concentrandomi solo sulla forma e sulla forma e non molto altro. Una volta che ho colpito una bella forma o una silhouette che soddisfa le esigenze del lavoro, inizio a perfezionarlo un po 'e ad elaborare più dettagli, occhi, caratteristiche, accessori, ecc..
Se il design sta iniziando a funzionare, eseguirò alcuni rigidi inversioni di tendenza per ottenere una sensazione del personaggio nello spazio 3D. Se sarà modellato, ho bisogno di pensare in 3D fin dall'inizio. Per un modello di carattere puoi fare un modello da immagini di riferimento importate in finestre, nel qual caso hai bisogno di un'immagine che rappresenti i profili frontale e laterale.
Con la modellazione di scatole è molto più simile a lavorare con l'argilla e si raffina un personaggio da una primitiva di base in una vista prospettica.
Sapere come intendo modellare un progetto determina come preparerò lo schizzo iniziale. Avere un personaggio elaborato in dimensioni 3D a matita consente di risparmiare tempo più tardi lungo la linea.
L'esempio che ho usato qui è un personaggio chiamato Spring Heeled Jack e volevo inchiodare un tipo alto e spettrale con i capelli rossi. Ho fatto circa cinque pagine di forme e due di esse sono diventate la base per Jack (vedi le pagine di Moleskine). Ho confermato alcuni dei suoi contorni e dettagli, poi sono andato avanti e ho delineato tutto il suo corpo in alcune pose diverse. Ho usato un forte contorno di inchiostro sulle mie linee di matita.
Glen Southern è una modella freelance che lavora nel suo studio a Cheshire, nel Regno Unito. Il suo lavoro è utilizzato in televisione, film, giochi e design di giocattoli.
Controllalo online su southerngfx.co.uk, sul suo blog e su Twitter come @southerngfx.
Schizzare in modo approssimativo per me è come aprire i cancelli della mia mente. Alcune delle immagini che estraggo sono appropriate e altre no e va bene. In questo specifico progetto mia figlia è entrata nel mio studio e anche lei è entrata nel flusso delle cose. Mi è piaciuta così tanto la sua idea che l'ho strappata e riproposta. Lo chiamo "Copyright genetico."
Seriamente, di solito uso una normale matita 2B vecchia. 2B o non 2B, questa è la matita. Potrei anche usare la mia matita meccanica, ma raramente visto che in questa fase si tratta di catturare idee e iniziare la formulazione di immagini e non di perfezionarle. Attingo anche qualsiasi cosa al momento dell'ispirazione, sia che si tratti di un pezzo di carta per scrivere, di carta per appunti o di tovaglioli. L'ispirazione mi colpisce a tutte le ore del giorno e raramente posso programmarlo, quindi mi limito a catturarlo quando si tratta di.
Sono anche un horder scarabocchio. Significato anche se schizzo qualcosa che non userò, la salverò, la metto in una cartella in modo da poterla consultare più tardi. Probabilmente lo userò come trampolino per un'altra idea. Energia creativa rinnovabile, se vorrai.
Von Glitscka può essere trovato online su GlitschkaStudios.com e Twitter come @vonster.
Quando avvio un progetto, cerco di ottenere quante più informazioni possibili dal client. Da lì comincio con schizzi grezzi molto piccoli. In questa fase iniziale cerco solo di elaborare le forme e il gesto rapido del personaggio.
Lavorare in piccolo mi aiuta a non rimanere intrappolato nei dettagli (qualcosa che tendo a fare).
Una volta che ho un piccolo schizzo che ritengo funzionerà bene, comincio a lavorare più in grande per stringere il gesto, aggiungere dettagli ed espressioni. Spesso, questa seconda fase si trasforma nello schizzo finale (a seconda di quanto sia complesso il design del personaggio) o ce ne sarà uno in più, più grande e ancora di più stretto disegno.
Una volta che ho uno schizzo finale, lo mando al cliente per l'approvazione e poi è il tempo dei colori! Le mie matite da disegno preferite sono le matite blu Col-Erase di Prismacolor e le matite meccaniche normali o Bic.
Puoi vedere la roba e la roba che Katie ama disegnare sui suoi siti web: katiemcdee.blogspot.com e katiemcdee.com.
Questo ninja è stato creato per la campagna e-mail di un cliente. Fa una guarigione del suono non-sucky. Come nel lavoro di guarigione del suono non-particolarmente-nocciola-e-hippie. Ama usare cioccolato e ninja come dispositivi per spiegare il suo lavoro, da qui il ninja e il cookie di registrazione.
Di solito mando un bozzetto del cliente prima di immergermi nell'arte finale, ma dipende anche da chi sto lavorando. A volte le persone possono essere confuse e spaventate dai problemi, quindi inviare l'arte "finale" da modificare è meglio per alcuni. Ci vuole un sacco di conoscere un cliente per prendere quella decisione, ed entrambi possono funzionare bene se usati con la persona appropriata.
In questo caso, tutti gli schizzi che ho fatto erano solo per il mio bene, quindi ho lavorato molto più duramente di quanto avrei fatto se li avessi mostrati al cliente. Dal momento che stavo lavorando durante il viaggio, ho usato il mio iPhone per scattare una foto dello schizzo. Questo progetto ha usato la scansione ghetto e il disegno più rozzo di sempre. Le parti più importanti per me per scendere sulla carta erano l'energia e il posizionamento di base degli oggetti. Volevo anche creare questo personaggio in uno spazio quadrato per dare al mio cliente più opzioni per collocarlo all'interno delle sue e-mail e del suo sito web, quindi ho dovuto capirlo nello schizzo.
Il mio processo in Illustrator è semplice. Metto lo schizzo su un livello, riduco l'opacità e lo blocco. Su un nuovo livello, inizio a creare forme semplici per delineare la figura. Poi comincio a modificare le forme (senza riempire ancora) per scolpire il personaggio. Nei passaggi finali, userò pennellate per creare accenti e cose che richiedono un tocco particolare, come la cintura, le sopracciglia e i polsini. Ciò richiede più di una tecnica pittorica, che è soprattutto dove il mio pen tablet è utile. Quindi inizio a scherzare con i colori, che in questo caso puoi vedere sono minimi.
Scopri di più su come David crea arte per i clienti sul suo sito su sparkyfirepants.com.
Generalmente mi alleno quando avvio il processo di progettazione dei personaggi. A questo punto, mi sto concentrando sulla forma, sulle proporzioni e sulla ricerca di una silhouette complessiva che legga bene, qualcosa che catturi l'essenza del personaggio. Il modulo dovrebbe aggiungere informazioni visive che catturino la personalità o la natura del personaggio.
Il Minotauro, come raffigurato nella storia, è stato rinchiuso nel labirinto fin dalla tenera età. Era di sangue reale, metà uomo e metà toro. Ha festeggiato le vittime inconsapevoli che sono state inviate al labirinto. Ho cercato di aumentare il suo sguardo minaccioso disegnando il personaggio con linee acute e spigolose. Il mio design dei personaggi è largamente influenzato dall'animazione. I dettagli sono minimi a favore della semplicità.
Sperimento spesso con forme diverse sia per la testa che per il corpo. Per la testa, oltre alla forma generale, mi piace vedere gli effetti di spostare la linea dell'occhio orizzontale su o giù, o variare lo spazio tra gli occhi. Queste tecniche, se utilizzate singolarmente o collettivamente, possono creare un personaggio drammaticamente diverso. L'obiettivo generale per me è trovare un design che catturi la personalità del personaggio. Il processo di esplorazione è la parte che mi piace di più!
Lascio tutti i dettagli per la fase di inchiostrazione, che vengono eseguiti digitalmente utilizzando un tablet Wacom Intuos4 e Corel Painter X. I colori vengono applicati utilizzando Photoshop. Ultimamente, il mio flusso di lavoro è al 100% digitale, utilizzando un tablet, Painter X e Photoshop CS4.
Krishna M. Sadasivam è un'illustratrice e fumettista digitale freelance con base a Tampa, in Florida. Il suo lavoro può essere trovato su SivamStudios.
Quando per la prima volta mi viene in mente un'idea di un personaggio, di solito sono molto eccitato e l'immagine, il personaggio in azione, posa con ogni sorta di cose iper-pazze. Mi sembrano molto vivi, anche se in realtà so ben poco di come effettivamente guardano.
Quando mi viene chiesto di creare un personaggio per qualcun altro, di solito butto giù alcune forme ruvide, o un volto, e alla fine sono sopraffatto dalla stessa sensazione di eccitazione che provo nei confronti delle mie idee sui personaggi. Sembrano di nuovo molto vivi e li vedo e li sento muoversi e parlare.
Il mio approccio allo sketch preliminare è iniziato con forme grafiche casuali che si spera possano dimostrare personalmente o qualche azione che vedo fare al personaggio nella mia mente. In un primo momento provo a farlo funzionare in modo molto rapido e libero, cercando di catturare l'energia del personaggio e l'entusiasmo che ho per disegnarli.
Queste forme finiscono per essere un sacco di cerchi e dritto alla curva forme per produrre un tipo di design UPA grafico molto piatto. A volte questi disegni grezzi sono i migliori disegni che creo e spendo molto tempo cercando di duplicarli in una versione ripulita insieme ad altri dettagli come vestiti, ecc..
Frank è un illustratore / artista freelance che vive nell'area di Los Angeles. Puoi visitare il suo sito o trovarlo su Twitter.
Il mio processo di pensiero varia molto da un progetto all'altro. In molte occasioni, un'idea di personaggio mi verrà in mente e ho bisogno di delineare il più rapidamente possibile. È così che è nata la montagna di ciclopi mastodontici che funge da punto focale per un pezzo che ho chiamato "Santuario".
Ho creato il pezzo appositamente per uno spettacolo in galleria a cui ho partecipato a luglio 2009. Fondamentalmente, sapevo che volevo creare un personaggio che fosse una struttura vivente di qualche tipo, qualcosa di grande, dall'aspetto gentile, e volevo assolutamente un il tronco dell'elefante ha funzionato. Se ricordo bene, ho finito per disegnare le corna piegate nel disegno originale per aggiungere un po 'di nitidezza angolare e mascolinità (le forme erano un po' flaccide e sicure per i miei gusti) e per bilanciare la cima sottile con la base più ampia della montagna.
Un sacco di volte, concetti bizzarri e combinazioni di elementi possono dare alcuni personaggi dall'aspetto sinistro e demente, ma volevo davvero che questo ragazzo avesse una benevolenza verso di lui. Penso che le dimensioni e l'apertura dell'occhio contribuiscano a trasmetterlo. Inoltre, la mancanza di spalle (è una montagna, dopo tutto!) Aiuta un bel po '. La natura gentile della bestia è ulteriormente accentuata nel pezzo finale, dove di proposito ho dato a tutti gli altri animali, ad eccezione del coniglio, una specie di sguardo selvaggiamente ambivalente. Il contrasto aggiunge un po 'più di saggezza e sensibilità all'aspetto della montagna del mastodonte, penso.
Per la maggior parte, quando abbozzo, è solo per tirare fuori le idee. Uso i miei schizzi come riferimenti per il mio lavoro finale (che perfeziono e creo digitalmente utilizzando Adobe Illustrator), non modelli tracciabili. Di solito metto il mio album da disegno sulla scrivania del mio computer e ridisegno il grezzo originale, apportando regolazioni e modifiche, aggiungendo colore, ombreggiatura, ecc..
Di conseguenza, i miei schizzi tendono ad essere molto ruvidi e sciatti (questo è uno dei miei più belli, che ci crediate o no!). Al contrario, tendo a mantenere il mio disegno vettoriale il più pulito e preciso possibile, anche quando appaiono liberi e liberi. Quindi la maggior parte del mio processo di pensiero e concettualizzazione vera e propria arriva dopo che lo schizzo iniziale è nato.
Con sede a Los Angeles, Chris Leavens lavora principalmente come illustratore di creature bizzarre e scene stravaganti. Maggiori informazioni e immagini possono essere trovate sul suo sito portfolio, su Flickr o tramite Twitter.
Prendo in considerazione diverse cose prima di iniziare a lavorare su un personaggio. Per chi è questa arte? Qual è la fascia d'età e dove dovrebbe piacere? Come e dove verrà utilizzato? Tutte queste domande mi aiuteranno a determinare il tipo di arte che ho bisogno di produrre.
Comincio ad abbozzare i miei schizzi dopo che ho le basi. Ogni progetto è diverso, ma per la maggior parte il processo è lo stesso. Lavoro su tutti i miei abbozzi con una matita meccanica rossa. È qui che cerco i miei errori e provo cose diverse.Prossimo Irefine con un supporto da 2mm. Nota: il motivo per cui utilizzo il rosso è semplicemente perché è il colore più semplice da trovare.
Una volta che il disegno sembra buono, lo tracciamo usando una matita in grafite 2 o 3b. Il passo finale è scansionare l'illustrazione e portarla in Photoshop, dove uso i cursori di tonalità e saturazione per rimuovere tutte le linee di matita rossa. Questo processo mi fa risparmiare moltissimo tempo e mi permette di presentare una buona matita pulita al mio cliente per l'approvazione prima di passare alla fase finale.
Mi chiamo Bob Ostrom. Ho il miglior lavoro al mondo. Sono un artista. Negli ultimi 21 anni ho fatto tutti i tipi di cose interessanti ... loghi, giochi, giocattoli, disegni a forma di scatola di cereali e persino videogiochi, ma la mia cosa preferita su cui lavorare sono i libri per bambini. Potresti aver visto alcuni dei miei libri online, in biblioteca o nel tuo negozio di libri preferito. Dai un'occhiata al mio sito o seguimi su Twitter @bobostromstudio.
Come in qualsiasi altro progetto, comincio con la raccolta di immagini di riferimento utilizzando uno degli strumenti più potenti e utili della mia collezione, che è Google. Il giorno prima dell'avvento di internet l'alternativa era di setacciare biblioteche e librerie in una ricerca costosa, dispendiosa in termini di tempo e spesso inutile. Internet mi consente di farlo con infinitamente più velocità e produttività.
Dopo aver raccolto le mie referenze, comincio a mettere le mie idee e gli schizzi iniziali su carta, di solito usando solo carta da copia economica che uso anche per la mia stampante. Sebbene possieda una tavoletta grafica Wacom, trovo che questo metodo mi si addica meglio dato che è portatile e trovo che singoli fogli di carta sono più facili da organizzare le mie idee, dal momento che posso tarea da una pagina che mi piace e che sono riluttante a fare quando usando un blocco per schizzi.
Uso una matita meccanica da 0,5 mm per disegnare usando i puntali HB. Quelli che mi hanno servito e sono stati i migliori sono le matite Pentel P205. Uno dei quali è stato con me dal collage e funziona ancora perfettamente oggi nonostante sia stato usato e abusato dai miei due giovani figli per le loro opere d'arte. Cerco di comprare piombo di qualità decente poiché le alternative economiche spesso danno risultati scarsi.
Nelle prime fasi dello sketch, ho il mio brief mentale per la sensazione del personaggio, come il modo grafico o illustrativo che voglio che sia e quali qualità mi piacerebbe avere. Tutti i miei schizzi iniziano con forme semplici per costruire la forma e la composizione e questo è il palcoscenico in cui cerco di ottenere la sensazione del personaggio. In questo disegno sto cercando di mostrare il lato lunatico e rabbioso di Monkey, ma anche di catturare un elemento di riflessione nei suoi pensieri. Tipo di battaglia post, tumulto interiore.
Una volta che ho realizzato qualcosa che mi piacerà, passo ad usare un layout pad. La mia preferenza sono i pad di layout Goldline A4. Questi sono fatti da carta semitrasparente (50 gsm) che è liscia da disegnare e relativamente economica. Prendono anche inchiostro e pennarelli molto bene e sono perfetti per la grafica.
Metto lo schizzo grezzo sotto il foglio di carta del layout, e questo è il punto in cui raffiniamo lo schizzo e includo più dettagli. può spesso creare diversi elementi visivi, apportare revisioni mentre procedo, finché non sono soddisfatto dei risultati. È anche il momento in cui comincio a pensare a come lo convertirò in vettori. Tuttavia, qui nulla è scolpito e le cose possono spesso cambiare durante il processo vettoriale e di solito lo fanno.
Il lavoro di illustrazione di Scott Jackson può essere visto su iamscotty.com.
Questo è uno schizzo e l'arte finale di Futureboy, un personaggio che ho creato intorno al 1997. La versione originale di lui era un po 'maldestra e complicata, così l'anno scorso ho deciso di aggiornarlo e semplificarlo. C'è stato un tempo in cui avrei disegnato schizzi incredibilmente dettagliati. Ora che disegno la maggior parte della mia arte in digitale invece che su carta, i miei schizzi stanno diventando più grezzi. Sono più come promemoria per disegnare qualcosa più tardi, come una nota "Non dimenticare di comprare latte".
Per me, uno schizzo approssimativo mi consente di essere più creativo e spontaneo quando eseguo il disegno finale.
Il lavoro di Bob Canada può essere trovato su Flickr e sul suo blog di illustrazioni.
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