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La line art è l'uso di linee o forme allungate per creare un'illustrazione o migliorarne l'aspetto. All'interno di questa tecnica ci sono una varietà di stili che si trovano spesso all'interno della comunità di arte vettoriale. In questo articolo, ti mostrerò una varietà di illustrazioni realizzate con il vettore che contengono disegni al tratto e spieghiamo perché questo elemento funziona bene. Leggeremo anche ciò che gli artisti dicono dei pezzi, quali strumenti usano e quali consigli danno a coloro che desiderano avventurarsi nella line art.
Sebbene spesso i pezzi siano un equilibrio tra la linea arte e il colore, per realizzare un efficace pezzo di disegno al tratto a sé stante, spesso devi inserire linee più creative nel pezzo. Questo potrebbe usare una varietà di modi per ombreggiare il pezzo o anche dare più carattere alle linee stesse.
Se vuoi fare un pezzo efficace di line art da solo, poniti la domanda ... questo pezzo sarebbe meglio con il colore? Se risultasse migliore con il colore e l'ombreggiatura, allora il pezzo potrebbe non essere il migliore come pezzo autonomo di lavoro in linea.
Di seguito sono riportati alcuni esempi di linee indipendenti che non si basano sull'introduzione del colore all'interno degli oggetti per migliorare il pezzo:
L'uso dell'ombreggiatura della linea creativa aiuta questo pezzo. Con la sua palette monotona, si basa rigorosamente sulle curve e sulle linee delicate per dare forma all'illustrazione. Usando le linee non solo per creare l'ombra, si toglie un po 'di grigio per mostrare i punti salienti, che possono essere visti nella cravatta e camicia.
La trama delle corna è portata nello stile di ombreggiatura del modello per aiutare a sottolineare il legame tra animale e uomo. Questa texture è stata realizzata meglio con l'uso del colore?
La linea ci dice:
Facevo questi scarabocchi che si trasformavano in persone o altre cose. Applicare quel vecchio "commercio" a qualcosa di nuovo è stato molto divertente. Tutta la line art è stata realizzata con lo strumento penna (in Adobe Illustrator), non con i pennelli, quindi è ovviamente un processo completamente diverso rispetto a scarabocchiare, ma è la stessa sensazione; solo sentirlo e vedere dove ti porta.
Anche se in questo pezzo è presente il colore, sarebbe comunque considerato come line art indipendente. L'obiettivo principale del pezzo è la line art e l'aggiunta di alcuni colori presenti semplicemente aiuta a inquadrare il pezzo e contribuire a conferirgli un aspetto trasandato.
Lo stile della line art qui è un mix di caos mescolato con un po 'di grunge, che è piuttosto azzeccato considerando che è un ritratto di un musicista alternativo. Questo è un ottimo esempio di quando lo stile del line art è stato adattato molto bene al soggetto.
Questo pezzo differisce dal nostro primo esempio nel modo in cui i tratti vengono portati sullo sfondo del pezzo. Le linee non sono solo lì per illustrare la messa a fuoco del pezzo, ma anche per migliorare lo sfondo.
In alcuni dei pezzi di Dika, anche se le linee sono applicate digitalmente, gli piace mescolare un aspetto tradizionale con un look pulito, caotico ma molto digitale. Qualcosa che funziona molto bene per lui.
Spesso lo stile della line art determina il tono di un pezzo. Questo è molto vero nelle comunità di fumetti e cartoni animati che usano curve pulite e linee rette. Queste linee tecniche sono ciò che ci ricorda che non stiamo guardando qualcosa di reale, ma una rappresentazione grafica di un concetto, personaggio o scena. Le linee sono spesso di uguale larghezza lungo ogni tratto e talvolta variano in peso, a seconda di quale elemento viene illustrato.
Le linee in alcuni pezzi di questo stile potrebbero essere così fluide che sembra che l'artista abbia messo il proprio lavoro attraverso diversi effetti distorti nei propri programmi per ottenere forme simmetriche e curve morbide. Potrebbero aver usato "Zig-Zag" o "Round Corners" in Illustrator? Hanno modificato le forme preimpostate? Ciò si aggiunge al tema dei cartoni animati, poiché la vita reale non ha queste linee.
Come per la maggior parte delle line art, lo stile della linea determina lo stato d'animo o il tema del pezzo. Una collezione di linee che sono prevalentemente curve potrebbe dare l'impressione di un tema ottimista. Considerando che, una collezione di linee frastagliate / dritte potrebbe dare l'impressione di un tema emotivo negativo. Questi elementi potrebbero essere più giocati durante la creazione di disegni al tratto per fumetti / cartoni animati.
Qui abbiamo un esempio in cui i colori del pezzo non dettano direttamente il tono, ma è più lo stile della linea. È evidente dallo stile della linea (non solo l'illustrazione reale) che quello che stiamo guardando è un cartone animato. Anche se è una tavolozza limitata e può sembrare semplice alla prima apparizione, si guardano le linee pulite usate per illustrare il televisore, i mouse e il telecomando.
Quali elementi vedresti come fatti da "mano" e quali da effetti nel programma degli artisti?
Inoltre, a un attento esame, è possibile vedere che per i dettagli più fini del pezzo i pesi del tratto della grafica sono leggermente più sottili di quelli del telaio del pezzo. Questa è una tecnica eccezionale e spesso usata. Considerare, sembrerebbe fuori luogo se i piccoli pulsanti del telecomando fossero stati creati con lo stesso peso della corsa, come dire il contorno del televisore.
Alcuni potrebbero pensare che un pezzo di arte di linea fumetto / fumetto richiederebbe un lavoro di linea minimo e questo pezzo è un ottimo esempio di come l'uso di linee complesse, può aggiungere all'aspetto e al tono generale. Ancora come in precedenza, possiamo vedere la varietà di pesi dei tratti nei diversi elementi; tuttavia è ancora più evidente sul viso. Sono usati in un modo per confonderci leggermente e farci pensare di più al pezzo. Considera che quando pensi a una strega stereotipata, potresti immaginare una donna vecchia e distrutta; le linee qui danno struttura ai contorni del viso, piuttosto che alle rughe. Questa tecnica viene quindi replicata nei contorni della faccia dei gatti per dare più equilibrio.
Cris ci dice:
Quando lavoro con linee nei miei vettori, cerco di seguire alcune regole per ottenere i migliori risultati. La prima regola è rendere le linee il più agevoli possibile. Lo faccio usando meno punti di ancoraggio possibile quando disegno le curve. Per esempio, disegno un cerchio usando solo 4 punti di ancoraggio ed è sufficiente, per le forme a semicerchio, io uso 2 punti. Un altro consiglio utile è quello di giocare con diversi spessori per le linee. Con questo posso ottenere un'ombreggiatura sottile dove le linee più spesse funzionano come ombre.
È bene rispettare anche la forma originale degli oggetti, posizionando le linee nel posto giusto, cercando di rendere più chiare le dimensioni dell'oggetto.
Anche usando solo le linee, è possibile creare trame posizionando le linee tutte insieme in uno spazio stretto o semplicemente incrociandole. Ben fatto e posto trame sono la chiave per il realismo. Quando ho bisogno di lavorare con una grande quantità di linee parallele, uso molto lo strumento di fusione.
Quando si mescolano disegni al tratto e soggetti meno appariscenti, può essere difficile trovare l'equilibrio perfetto. Vuoi che il pezzo convinca lo spettatore che ciò che stanno guardando è un'illustrazione? Vuoi che il tuo spettatore veda prima l'immagine complessiva, poi la grafica al tratto, o la linea artistica sarà la prima cosa che vedranno?
Quando immaginiamo la line art, la vediamo come linee nere forse audaci e, naturalmente, la realtà non ha quelle linee. Come si integrano quindi queste linee in un'illustrazione di un soggetto in modo che non si scontri, ma più si complimenta con il pezzo?
Questo pezzo rappresenta un così grande equilibrio del vero soggetto di una persona, anche se basato su un'immagine come riferimento, tuttavia i colori audaci e gli intricati dettagli dei tatuaggi ci dicono che stiamo guardando un'illustrazione. Non è pensato per essere reale. È pensato per essere un'illustrazione. Altrimenti non sta cercando di convincere lo spettatore. Si basa più su come il pezzo è colorato, attraverso gradienti e curve per informare lo spettatore che è di una persona reale.
Mário ci dice:
Il mio processo è semplice ma richiede tempo. Comincio disegnando a mano con le matite su un album da disegno, usando la foto come riferimento. Disegno prima la struttura principale e il contorno e quando le proporzioni sono quasi corrette, inizio a dargli l'aspetto di theSIGNer. Io uso solo la linea, senza ombre o riempimenti nella fase di disegno. Quando il palcoscenico è finito, inizio a inchiostrare il disegno con le penne a inchiostro India. Successivamente scansionare l'immagine, aprirla su Adobe Photoshop e sovrapporla alla foto per correggere errori di anatomia e proporzione. Questo è anche quando uso Adobe Illustrator. Ho scoperto lo strumento "Live Trace" per caso e ne ho esplorato le funzioni e le capacità. Volevo avere una linea ferma e pulita su tutto il disegno e "traccia dal vivo" mi aiuta a fare esattamente questo. Uso sempre i contorni neri, conferendogli quel look da fumetto.
Ciò che rende questo pezzo ancora più sorprendente è il fatto che è iniziato come un pezzo tradizionale e poi è stato portato in vettoriale. L'elemento vettoriale di esso viene utilizzato per migliorare il tema e non essere il mezzo di scelta predefinito.
L'ombreggiatura di questo pezzo suggerisce che l'obiettivo iniziale per lo spettatore di vederlo non tanto di un'illustrazione. È un'ombreggiatura più dettagliata per mostrare le ombre e le alte luci della pelle. I dettagli nei capelli invece di dire un'impressione piatta di capelli. Tuttavia, durante un'ulteriore ispezione, vedrai le linee che definiscono parti della pelle e caratteristiche, come le labbra. Hai visto prima il concetto generale o le righe? Le linee sono usate per quasi esagerare le pieghe e dove dovrebbero essere le ombre audaci.
Jimmy ci dice: "Ho bisogno che sia come una mezza illustrazione: se non faccio la line art, sembrerà un vettore realistico e perderebbe il senso dell'illustrazione".
I tratti utilizzati sembrano essere applicati da un pennello affusolato in singoli tratti. Questi tratti sono specchiati nei capelli che mettono insieme il mix della linea artistica e l'ombreggiatura più dettagliata. Funziona bene perché sebbene sia difficile realizzare la realtà in linea, questo fattore comune negli elementi del pezzo fa sì che le linee facciano parte del pezzo.
Questo è uno stile comune e uno che può essere raggiunto in vari modi. Spesso la line art di un pezzo è data dalla stessa modalità di fusione sopra l'illustrazione per creare un aspetto più unito al pezzo. A volte una piccola selezione di strati che coprono la tela complessiva viene applicata sul pezzo e quindi impostata su un colore complementare per aiutare a fondere insieme il colore e le linee. Questo aiuta a creare un aspetto di linea arte muta, ovviamente queste tecniche non sono gli unici modi per ottenere questo aspetto.
Sappiamo che stiamo guardando un'illustrazione poiché il tema che vediamo impone che non è la realtà, lo stile di ombreggiatura è irregolare ma elegante, quindi la line art non è l'elemento qui che ci dice che stiamo guardando un'illustrazione in quanto sarebbe in un fumetto a tema / fumetto. La line art non sta portando il pezzo. La line art qui potrebbe richiedere un po 'di tempo per essere indicata, ma è molto presente in ogni elemento del vettore.
Forse è il concetto forte o la tavolozza audace che ci impedisce di vedere qui la linea colorata muta. Non sono le tue stereotipate linee nere o persino scure. Viene usato come parte complementare del pezzo.
Nastasia ci dice:
La line art è il passo che determina l'immagine finale per me. Disegno la mia grafica con lo strumento matita impostato su una larghezza ridotta; Non uso mai le linee nere pure perché personalmente lo trovo troppo duro per gli occhi.
Ho usato i livelli di trasparenza e cambiato la larghezza delle linee nell'area testurizzata. Impostando il tuo livello che contiene la tua grafica al tratto per moltiplicare i tuoi colori, le linee ei colori si fondono in modo molto più gradevole.
In questo metodo, la line art è più prominente nelle aree più chiare; tuttavia è quasi nascosto nelle aree più scure. Questo rende un equilibrio interessante e bello da vedere quando si vede il pezzo da vicino.
Jessica ha generato molti artisti che hanno tratto ispirazione dal suo stile di line art. Utilizzando un riferimento fotografico e quindi creando la grafica al top. Quindi rimuovendo l'immagine originale e applicando il colore. Infine aggiungendo strati di una modalità di fusione gratuita in cima per creare una tavolozza generale in sordina per completare le linee disattivate.
A differenza del primo pezzo, la line art in questo pezzo è molto presente. È audace e viene utilizzato efficacemente nei capelli, ad esempio. È usato per la texturing sui peli del viso. Linee così delicate utilizzate in maniera energica.
Se sei un fan di questi tratti di stile, puoi scaricare un set di pennelli per Adobe Illustrator da lei creato.
Ci sono una varietà di stili nella line art, alcuni più evidenti di altri. Prova a pensare all'impressione generale che vuoi dare al tuo spettatore e a quale parte della grafica viene riprodotta. È presente per migliorare il pezzo o è lì come l'elemento centrale del pezzo?
Quando cerchi tutorial su uno stile, prova a non guardare prima di tutto al programma che stai utilizzando. Spesso puoi scoprire come fare queste tecniche da tutorial per altri programmi o anche in un campo tradizionale. Quindi prova ad applicarli all'applicazione vettoriale di tua scelta.
Consulta le seguenti esercitazioni su Vectortuts + e deviantART per ulteriori informazioni su specifiche tecniche di grafica vettoriale:
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