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Nelle conversazioni con compositori di studenti sento regolarmente la preoccupazione che la loro musica non sia così lucida e viva come la musica professionale che stanno ascoltando. Sembra che abbiano buoni temi, interessanti progressioni di accordi e solide orchestrazioni, ma mancano ancora alcune magie extra.
Ciò ha portato all'idea di un "livello di sottigliezza".
Proprio come quella piccola decorazione extra che uno chef gourmet aggiunge a un pasto per renderlo più presentabile e accattivante, lo strato di sottigliezza è un passaggio finale sulla tua musica che aggiunge la spezia in più per metterlo oltre il limite.
Lo strato di sottigliezza può dare alla tua musica più vita, più interesse e un tocco più organico, e in questo tutorial impareremo come.
Lo strato di sottigliezza non è una scusa per buttare tutto e il lavello della cucina in pista. Proprio come non avresti versato un intero shaker pieno di sale nella tua zuppa, l'intera idea dietro la parola sottile è che è un tocco gentile.
Uno dei motivi per cui lo chiamiamo livello è perché aiuta a pensare a una sola linea in più di cose che accade. In questo mondo di campioni illimitati e ampia RAM, può essere facile continuare ad aggiungere sempre più junk alla tua traccia.
Se hai la tendenza a esagerare, immagina di avere un ragazzo nella tua DAW responsabile della riproduzione del livello di sottigliezza. Può passare istantaneamente da qualsiasi strumento a qualsiasi altro, ma può suonare solo uno strumento alla volta. In questo modo ti impedisci di avere diciassette "strati di sottigliezza" che cercano di aggiungere una quantità di spezie in una sola volta!
Il mio esempio di ascolto preferito in assoluto per dimostrare lo strato di sottigliezza è la traccia "Up is Down" dal punteggio di Hans Zimmer a Pirate of the Caribbean: Alla fine del mondo. Potresti passare un'ora ad ascoltare i primi trenta secondi da sola e ancora non riesci a cogliere ogni piccola cosa che accresce una trama molto ricca e complessa.
Prendi un paio di cuffie decenti, avvia il volume e ascolta attentamente:
Ecco alcune delle cose da notare nella sezione di apertura:
Ora che abbiamo un'idea di cosa sia lo strato, che tipo di cose sono appropriate da inserire?
L'idea è che il tuo piatto principale sia già completo, la "carne e le patate" della tua melodia, armonia, groove e così via.
Quello che vogliamo usare il livello di sottigliezza per è elementi extra. Trame, riempimenti e colori che non sono necessariamente essenziali per l'integrità della musica, ma aggiungono vita e interesse alla presentazione generale.
Ecco una semplice traccia dolce che useremo per il nostro esempio. È già costituito da un synth, archi e percussioni chitarristici, e per molti aspetti potremmo chiamarlo "fatto" e spedirlo via.
Ma con solo un po 'più di tempo e attenzione, possiamo aggiungere il contorno e le spezie che porteranno un nuovo livello di lucidatura e qualità.
Un riempimento ci porta in un ritmo prominente. Quasi sempre è all'inizio di una nuova frase, ma a volte i riempimenti possono portare a una nuova barra nel mezzo di una frase o qualsiasi altro battito che vuoi sottolineare.
Le persone spesso pensano che il batterista sia responsabile dei riempimenti, ma possono anche essere dati a strumenti melodici e armonici.
Alla nostra traccia di esempio aggiungerò sia riempimenti melodici che percussivi.
Usando lo shaker posso aumentare il ritmo dall'8a nota alla 16a per riempire ogni altra barra:
Successivamente aggiungerò un riempimento melodico al piano ogni quattro battute (eccetto l'ultima volta, quando il finale è allungato di due battute più lunghe per un'estensione):
Abbastanza semplice vero? Nulla di innovativo in questo, ma già la pista ha preso vita in modi nuovi e si sente più organico.
Un altro aspetto forte dello strato di sottigliezza consiste nell'utilizzare colori freschi e interessanti.
Lo farò in tre modi sulla nostra traccia di esempio:
Iniziamo raddoppiando la melodia. Userò due colori: un bell synth e un double del synth "guitar". Per rendere più interessante il synth raddoppiato, lo farò passare attraverso un plug-in tremolo in modo che vada da sinistra a destra.
Tuttavia, non suonerò la melodia solo su se stesso. Solo i downbeat e alcune misure selezionate verranno raddoppiati e sempre su un'ottava o più per essere certi che le note siano distinte dall'originale.
Ecco la doppia traccia da sola:
E con la melodia:
Successivamente creeremo una texture di sfondo per migliorare l'armonia.
Qui raddoppierò la parte del violino su un synth che ha un po 'della propria forma dinamica separata dalle corde. In particolare mi piace come si gonfia più forte sull'ultima nota quando i violini stanno suonando un decrescendo. Quindi, anche se le due parti si sono unite per lo più, alla fine sono distintamente due suoni unici.
Ecco il synth da solo:
E ora il synth e gli archi insieme:
Quindi modificheremo gli strumenti per i nostri riempimenti.
Per il riempimento melodico, alternerò lo strumento con l'arpa e il piano, invece del solo pianoforte per tutto il tempo.
Aggiungerò un delicato suono triangolare per migliorare la parte di percussione. Sulla metà del sedicesimo riempirmi la doppia con il triangolo, e poi nella sezione B del pezzo lo userò per un ritmo ancora più pieno. Si noti che in realtà si nasconde in background e si intende solo aggiungere la parte più piccola alla texture più grande.
Una parte dell'intero punto di questa cura e attenzione è di far sentire la musica più viva e organica, al contrario di quella elaborata e meccanica.
Un ottimo modo per mantenere le cose fresche per evitare la monotonia di taglia e incolla. Di solito i modelli degli ostinati e i modelli di batteria cadranno vittima di diventare niente più che dei loop. Questo è il nostro momento di passare e aggiungere piccole inflessioni di varietà e irregolarità per far sembrare la musica più umana e meno acciaio inossidabile.
Per la nostra semplice traccia di esempio, il loop principale da indirizzare è lo shaker con il suo incessante modello di ottava nota. Passando attraverso lo shaker misura su misura e aggiungendo rapidamente piccoli tocchi di sedicesima nota, diversamente in ogni misura, la parte risulta meno meccanica e più eseguita.
Nell'immagine sto usando la nota F3 per suonare le piccole note extra.
Ecco la traccia finale con tutti i nostri piccoli miglioramenti:
Sarò il primo ad ammettere che la differenza tra la traccia con e senza le aggiunte sottili non è notte e giorno. Fin dall'inizio sapevo che stavo iniziando con una traccia che era già quasi completa.
Utilizzando l'idea dello strato di sottigliezza, tuttavia, mi ha dato la possibilità di andare oltre la pista momento per momento e iniettarlo con una spinta in più della vita
Lo strato di sottigliezza è sempre necessario, o anche appropriato? Io non la penso così A volte potresti volere una dichiarazione molto semplice e pura.
Il più delle volte, tuttavia, sono i piccoli momenti di ulteriore sforzo che aggiungono ricchezza e professionalità al tuo lavoro.
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