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Un'orchestra MIDI non è una vera orchestra. Ciò potrebbe non sembrare molto utile: sai che il MIDI non sostituisce il potere e l'umanità dei veri musicisti. Ma sembra che, nonostante questa realtà, molte persone sprecano il loro tempo cercando di forzare la loro musica a suonare il più "vera" possibile ossessionando la sfumatura di ogni singola nota e battuta.
Sebbene questi infiniti ritocchi possano alla fine produrre risultati, ci vogliono solo una manciata di semplici tecniche per affrontare i problemi più comuni che rendono il suono MIDI così artificiale. Se utilizzi il principio 80/20 di Pareto potresti affermare che l'80% di quanto è buono il suono della tua musica proviene dal 20% delle tecniche che usi, quindi ha senso solo concentrarci sul 20% che farà davvero la differenza.
Ho scoperto che le due cose più importanti che possono dare vita alla tua musica sono la dinamica e la variazione. Le dinamiche sono il respiro e l'anima della tua musica, mentre le variazioni mantengono l'ascoltatore incuriosito. Un buon uso delle dinamiche farà sì che la sequenza MIDI suoni meno di una macchina. Un corretto bilanciamento delle variazioni manterrà l'ascoltatore attento e interessato alla musica, in modo che non siano così coinvolti nel fatto che il tuo corno inglese suoni sintetizzato o no.
Il modo numero uno per migliorare una sequenza MIDI è ottenere il massimo chilometraggio possibile dalle dinamiche. La dinamica si riferisce al volume di una nota e può essere avvicinata da una nota micro per scala di note o come una panoramica dell'intero brano. Questo include tutto, da un verso silenzioso a un coro forte, a crescendo e decrescendo drammatici, a una varietà sottile di velocità in un singolo passaggio, a accenti e articolazioni.
Il modo più preciso per giocare con le dinamiche nella sequenza è attraverso la velocità delle note.
Il modo più semplice per dimostrare le variazioni di velocità è con suoni brevi e nitidi. In questo esempio, un breve estratto da Magnetic Rag di Scott Joplin, utilizzeremo le stringhe pizzicate. Ecco le prime due frasi senza variazioni nella velocità:
Non è male, ma è un po 'rigido. Potrebbe passare, ma penso che potremmo renderlo più musicale. Usando la velocità possiamo aggiungervi una vita sottile. Inizieremo la prima frase in modo molto silenzioso e lo svilupperemo di intensità, accentuando quell'alto spunto alla fine della frase prima di ridiscendere per ricostruire ancora una volta.
La differenza potrebbe non essere notte e giorno, ma ora c'è un certo elemento di eccitazione che prima non c'era. Gli archi si sentono come se fossero furtivamente all'inizio, prima che gli alti pennacchi facciano una dichiarazione brillante, poi tornano a intrufolarsi ancora una volta. Se applichi questa sottigliezza all'intera composizione, scoprirai che diventerà molto più vivace e interessante.
La percussione è un'altra sezione che beneficia enormemente delle regolazioni della velocità. Gli strumenti di percussione MIDI possono facilmente cadere vittime dell'effetto "mitragliatrice", dove le note ripetute dello stesso campione cominciano a sembrare meccaniche e abrasive piuttosto che musicali. La regolazione della velocità può aiutare a ridurre l'effetto della mitragliatrice, come mostrato in questo semplice esempio di passaggio del rullante:
Sembra molto falso, ma tutto ciò che dobbiamo fare per iniettare un po 'di vita e divertimento nella parte è aggiungere accenti e dinamiche con velocità. Ecco l'audio di una parte di rullante molto più interessante, usando lo stesso schema di prima ma mettendo in risalto la velocità della nota:
Sembra una parte di rullante molto più convincente e sembra più come se una persona reale potesse interpretarla. Lo stesso principio si applica non solo a una linea costante come questo rullante, ma a sottili variazioni su tutte le parti della tua percussione. Se usi lo stesso campione di piatti ogni 8 battute, il minimo che puoi fare per cambiarlo è variare la velocità ogni volta che si blocca.
Un altro modo popolare di usare Velocity per evitare di sembrare una macchina è "umanizzare". Questa è una caratteristica particolarmente utile se non sei un tastierista troppo forte e di solito finisci per dover disegnare o scrivere nelle note delle tue note musicali per nota. In Logic Pro puoi accedere allo strumento di umanizzazione tramite la finestra Piano Roll, sotto il menu Funzioni.
Humanize regolerà casualmente la posizione, la velocità e le lunghezze di qualsiasi nota che hai selezionato in base agli importi scelti (i valori di default sono 10 per tutti i parametri). Seleziona le note che vuoi umanizzare e scegli "Utilizza solo" per applicare la funzione e vedere che tipo di risultato ottieni.
Diamo nuovamente un'occhiata alla nostra sezione pizzicata. Per esagerare con l'effetto, invierò i nostri valori a randomize di 25 anziché di 10. meno efficaci. È difficile da distinguere, ma se ascolti attentamente noterai che la versione umanizzata è un po 'più flessibile e varia. Humanize è un'altra tecnica sottile che aggiunge solo un tocco di vita in più.
La nostra sezione pizzicato diritta:
La sezione pizzicata umanizzata:
La modulazione è uno strumento utile per automatizzare l'espressività di uno strumento MIDI. È particolarmente utile per strumenti con note lunghe, che consentono di controllare la forma della nota e il modo in cui parla. La modulazione è un parametro predefinito su molti strumenti software oggi, spesso utilizzato per controllare il volume, il filtraggio o il crossfade da un campione all'altro.
Per accedere alla modulazione in Logic Pro: aprire una finestra Piano Roll, fare clic sul pulsante Hyper Draw in basso a sinistra e quindi fare clic sul piccolo triangolo per scegliere il tipo di controller. Seleziona la modulazione e siamo a posto.
Diamo un'occhiata ad un uso di base ma comune della modulazione. Usando una patch per stringhe lunghe, ecco alcuni accordi suonati senza regolazione della modulazione:
Per la dimostrazione più semplice prenderemo la modulazione da 0 a 127 sulle prime due battute, e poi torneremo da 127 a 0 sulle ultime due battute. L'effetto è un crescendo fino al Sol maggiore e decrescendo indietro. Su questa particolare strumentazione (Sonic Implants Full Strings) la modulazione è impostata per la dissolvenza incrociata dei campioni, quindi mentre stiamo iniziando da un campione pianissimo, la modulazione ci farà sbiadire fino a un fortissimo esempio.
È più espressivo, ma ancora un po 'strano. Giochiamo con la modulazione ancora di più per renderla più interessante.
Questa volta abbiamo usato le curve per rendere le modifiche molto più drammatiche ed eccitanti. Le corde ora si sentono come se stessero salendo nell'accordo di G major e poi si staccano improvvisamente, prima di affievolirsi gradualmente.
Forse il modo più ovvio per controllare la dinamica è automatizzando il volume. Sebbene la modulazione sia efficace per controllare il suono di uno strumento, il volume è più utile come controllo generale del volume. Io tendo ad usare il volume non solo per bilanciare uno strumento con altri in un mix, ma anche per controllare più turni globali come una dissolvenza in entrata o in uscita. Utilizzato in combinazione con la modulazione, può essere uno strumento molto espressivo.
Usando il nostro passaggio per le stringhe lunghe come esempio, automatizzerò il volume per ottenere un'ampiezza ancora più dinamica.
Poiché la modulazione sta controllando la maggior parte di ciò che voglio dal suono, sto usando il volume più come un tratto ampio per dargli quel tocco in più. Un altro strumento simile è il controller di espressione, tuttavia io tendo a non usarlo. Dopo aver eseguito molti strumenti che non sono impostati per funzionare con Expression, ho trovato più semplice affidarsi al volume come strumento che funzionerà su qualsiasi strumento.
Come ho discusso prima parlando di velocità, la falsità del MIDI è più evidente quando le note si ripetono. Sebbene la velocità sia un modo per risolvere questo problema, puoi aiutare a mantenere le cose interessanti variando tutti i tipi di altri elementi come la tonalità o il colore.
Considera questo esempio di una stringa ostinato. Giocando sempre la stessa nota sullo stesso campione, è brutto quanto può. Qui abbiamo l'effetto "mitragliatrice" di sentirci come se fossimo sotto costante attacco da parte di una macchina bloccata.
Questo è il MIDI peggiore! Possiamo iniziare subito ad affrontare questo problema variando la velocità per far sentire ogni nota almeno un tocco diverso. Avrò le corde crescendo e decrescendo per un effetto ascendente e discendente.
Ora facciamo un ulteriore passo avanti e variando il tono. Qui ho la linea alternata tra una D e la A sotto di essa, che non solo ci libera dalla temuta mitragliatrice, ma dà anche alla linea più di un senso di movimento.
Ora cambierò ulteriormente il tono aggiungendo una linea D E F E che si arrampica e scende nella parte superiore. Questo rende la parte delle corde molto più interessante da ascoltare, ma non è ancora troppo fastidiosa o appariscente per qualsiasi altra cosa si possa desiderare di mettere su di essa. Notare anche l'effetto di variare il tono così spesso: meno si sente ripetere una nota MIDI, meno l'orecchio è in grado di associare la ripetizione come identica a quella precedente.
Infine aggiungiamo un colore aggiuntivo. Manterremo le note e i ritmi esattamente allo stesso modo, ma sovrapponendo un colore contrastante manterrà il nostro orecchio distratto e darà un ulteriore senso di ricchezza. Userò un vibrafono come secondo colore, poiché l'attacco morbido e opaco è piuttosto unico per le corde acute e luminose. Il risultato è un suono più complesso, che aiuta a distrarre la nostra attenzione da quelle che altrimenti sarebbero delle stringhe MIDI molto esposte.
Un altro modo per mantenere una figura ripetuta interessante e varia è alternare alcuni aspetti specifici di essa, come cambiare il registro o lo strumento su cui è suonato. Diamo un'occhiata a un altro esempio di figura ostinata che si ripete.
In questo esempio abbiamo già una figura piuttosto complessa, con stringhe, vibrazioni e un rullante. Usiamo la modulazione e il volume per dare alle corde e alle trappole un senso di rigonfiamento e velocità per controllare la dinamica delle vibrazioni. Nel complesso abbiamo già un modello di due misure abbastanza espressivo qui. Il problema è che, per la terza volta, sentiamo che stiamo già iniziando ad annoiarci. Con alcune modifiche molto minori possiamo renderlo molto più interessante e musicale.
Farò solo due modifiche. Ogni altro bar farò suonare le corde tre ottave più in alto e tirerò fuori il laccio. Non sembra molto, ma ascolta quanto è più interessante questo:
Non ci sono davvero nuove note o idee qui, solo una variazione su ciò che già esiste. Ma siamo riusciti a renderlo più interessante e abbiamo trasformato con successo otto secondi di musica in sedici. Compositori di film: ricorda questa tecnica la prossima volta che hai bisogno di vampirare efficacemente su una scena!
Solo per portare a casa il punto ancora di più, farò un piccolo cambiamento per le prossime quattro battute. Porterò tutto su un terzo minore. Questa è l'unica differenza, ma ora abbiamo raddoppiato la lunghezza della nostra musica!
Una singola idea musicale ha un potenziale infinito di variazione (vengono in mente le quattro note di apertura della quinta di Beethoven). Con solo uno o due cambiamenti le tue idee possono evolversi e diventare molto più interessanti.
Devo ammettere che parlare di usare i musicisti dal vivo in un articolo sul MIDI è un po 'un poliziotto, anche se è qualcosa che vale assolutamente la pena considerare. Questo è uno di quei suggerimenti che è spesso più facile a dirsi che a farsi, ma anche il minimo tocco di uno strumento dal vivo può aggiungere animazioni alla sequenza. Il modo più semplice per farlo da solo è con le percussioni. Ho sempre un tamburello e uno shaker a portata di mano, e se c'è una sezione in una traccia su cui sto lavorando con un groove o un ritmo molto in avanti, aggiungerò uno strato sottile sotto tutto con uno di questi strumenti. Il fatto che la mia performance non possa mai essere perfetta, con una leggera differenza in tutto con il volume e il timing, è esattamente ciò che aggiunge quel tocco umano più sentito che sentito.
Molto probabilmente la maggior parte di voi suona già la chitarra o il basso, e se non lo fate allora è giunto il momento di prendere seriamente in considerazione l'apprendimento delle basi e di diventare almeno abbastanza abili da suonare parti semplici. La chitarra MIDI è una delle cose più brutte là fuori, e la possibilità di suonare le tue parti può rendere l'esperienza di scrivere la tua traccia più divertente ma aggiunge anche vita. Il basso MIDI spesso non è così cattivo o evidente, ma se hai la possibilità di suonare le tue parti è di nuovo quegli errori umani sottili e inevitabili che possono fare una grande differenza nel modo in cui la tua musica suona fresca.
Più difficile da realizzare, ma con altrettanto grande beneficio, è trovare musicisti e cantanti da esibirsi sulle tue tracce. Anche un assolo di flauto dal vivo con sfondo MIDI può suonare alla grande, con l'espressivo strumento dal vivo che attira la maggior parte dell'attenzione dell'ascoltatore. Inoltre, estremamente utile per aggiungere calore a una traccia MIDI fredda è quello di addolcire le tue corde di synth con i suonatori di corde dal vivo. Uno o due take di un violino live miscelati con una sezione di stringhe MIDI possono rendere l'intero brano più tangibile e reale.
Il MIDI non è un sostituto per i musicisti dal vivo e fare tutto il possibile per incorporare il maggior numero possibile di giocatori reali farà una grande differenza nella vita complessiva del tuo pezzo.
La cosa definitiva e discutibilmente più importante che puoi fare è assicurarti di non perdere la prospettiva. Dopo aver ascoltato la stessa sequenza per ore e ore, le tue orecchie esauste e la tua mente potrebbero probabilmente convincerti che tutto sembrava buono. Lasciate riposare le orecchie e allontanatevi per un po 'dalla vostra canzone in modo che quando tornate indietro, avrete un nuovo ascolto e un'impressione più realistica di ciò che il vostro pezzo sembra davvero.
È molto facile convincerti che qualcosa suona bene perché ti senti coinvolto in quello che è "supposto". Nella tua testa immagina che le corde siano piene e rigogliose e la tua immaginazione possa iniziare rapidamente a compensare ciò che manca nella musica vera. Assicurati di essere abbastanza distaccato per essere sempre consapevole di quale sia la tua sequenza MIDI in realtà suona come Può aiutare ad ascoltare alcune delle tue registrazioni preferite in uno stile simile, con il tuo pezzo.
Se applichi queste idee di base alle tue sequenze, puoi iniziare a far sì che le tue composizioni suonino come muzak sintetizzato a musica vibrante ed espressiva.
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