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Quando si parla di orchestrazione MIDI, la sezione delle stringhe è probabilmente la più difficile da emulare. Questo perché, anche se le stringhe sono probabilmente una delle sezioni più omogenee dell'orchestra, ha alcune caratteristiche che sono estremamente difficili da produrre tramite i campioni.
Prima di tutto, le corde sono strumenti ad arco. Ciò significa che i musicisti usano un arco per produrre i toni. L'arco può essere spostato verso l'alto o verso il basso e ciò crea diversi aspetti del suono. In secondo luogo, i giocatori sono sempre leggermente stonati, soprattutto all'inizio della nota, specialmente quando cambiano posizione molto rapidamente e quindi producono un tono di sbandamento. E per ultimo, ma non meno importante, un violinista ad esempio può suonare un singolo tono su diverse stringhe e quindi creare un suono specifico. Se osservi vari tipi di partiture classiche, puoi vedere che il compositore ha scritto intenzionalmente "Sul D" in cima alla sezione solista del violino. Questo può creare un effetto specifico o enfatizzare certe sensazioni.
Come probabilmente avete indovinato, la maggior parte del lavoro sull'orchestrazione MIDI va per melodie a corda. Quindi, in che modo esattamente possiamo catturare quel suono unico? È possibile ottenere quel suono di melodia del violino perfetto come suonerebbe quando suonato dal vivo? A mio parere, i computer non possono ancora sostituire la sensazione reale che le stringhe possono darci. Ci vuole un sacco di tempo e lavoro per far sembrare le cose precise - e anche allora qualcosa non va bene! Voglio aprire una parentesi qui e voglio dirti che non ho le risorse finanziarie per provare le librerie orchestrali più costose là fuori - per esempio LASS ed EWQL Hollywood Strings. Sono sicuro che saranno molto più facili da gestire, quando si tratta di melodie a corda.
Quindi, prima di continuare con il tutorial, vorrei offrirti alcune cose che dovresti considerare, osservare e osservare.
Vai a concerti classici. So che alcuni di voi odieranno quella frase particolare, ma nella musica classica si può osservare come i compositori abbiano usato la sezione di archi, quali tipi di articolazioni hanno usato e come i musicisti li suonano. Prova a rispondere a domande come "Come ottieni l'effetto pizzicato?", "Con quale frequenza i giocatori cambiano le loro direzioni dell'arco?" Ecc.
Ascolta musica classica e analizza. Non puoi notare visivamente quando i giocatori cambiano i loro archi, ma puoi sentire come suonano le corde. Ad esempio, ascolta "La Campanella" di Paganini - prima di tutto ascolta il violino solo e poi le corde. Immagina come esattamente puoi ottenere quel suono legato nelle tue orchestrazioni.
E il mio ultimo consiglio sarebbe quello di acquistare alcuni spartiti orchestrali e di guardare attraverso tutte le articolazioni e le melodie incluse nella partitura. Suggerirei l'orchestrazione di Maurice Ravel di "Pictures of an Exhibition" di Mussorgsky. Guarda da vicino le linee legate, gli accenti e così via. Dopo aver ascoltato un sacco di musica classica, prova a fare alcuni esempi di pezzi classici e confronta sempre il tuo lavoro con l'originale. Puoi prendere la melodia di "Montagues and Capulets" di Sergei Prokofiev da "Romeo e Giulietta" e provare a catturare quell'emozione attraverso dei campioni.
Basta parlare per ora - andiamo alla parte principale del tutorial - creando una bella melodia nelle stringhe che può sembrare realistica. Cercherò di spiegare alcuni suggerimenti e trucchi per raggiungere questo obiettivo.
Questa è la melodia che useremo. Come puoi sentire, ho caricato una singola patch di violino dalla mia EastWest Quantum Leap Symphonic Orchestra (il nome del patch attuale è 18 V QLeg). Ho messo un leggero cambiamento armonico nel piano solo per farti un'idea della musica.
Questa volta creeremo una linea in legato (in un precedente suggerimento rapido ho mostrato alcune idee sull'uso di brevi articolazioni, come staccato o pizzicato).
Ok, abbiamo una melodia che non suona affatto convincente. Se torniamo all'inizio del tutorial, possiamo vedere che ci sono queste specifiche quando si suona uno strumento a corda - direzione dell'arco, posizione e lieve off-tuning all'inizio (di volta in volta, non su ogni nota).
Ci sono anche altre caratteristiche: i toni iniziali avrebbero un attacco lungo, alcuni dei toni medi avrebbero meno vibrato rispetto agli altri. Perciò caricherò altri campioni - uno per un inizio (qualcosa con un attacco lento), qualcosa con un vibrato e qualcosa di lirico (perché la nostra melodia è la specie amorevole). Ricorda che tutto deve provenire dalla patch esatta - questo significa che non devi usare per un tono una patch da 18 violini e per un altro tono - una patch da 11 violini.
Ho caricato queste patch:
Ho diviso alcuni toni in diverse patch. Ascolta ora questa demo e ascolta la differenza tra la nostra sezione del violino.
Ora arriva una delle cose più difficili e fastidiose: la modifica delle note. Dobbiamo assicurarci che 1) i nostri violini non suonino piatti e nemmeno, 2) tutte le transizioni di tono siano fluenti e sottili, e 3) la melodia diventi una frase musicale intera.
Nella mia DAW ho la possibilità di raggruppare canali diversi e modificarli insieme; se non puoi usare uno strumento del genere, ci vorrà del tempo, ma stai tranquillo: non sarà inutile.
Inizierò con i cambiamenti di velocità. Voglio la maggior parte della transizione tra i toni per essere liscia. Inoltre, mi piacerebbe creare un sentimento legato alla musica, quindi farei delle piccole sovrapposizioni di note a mano. Si noti che non userò lo script "legato" incorporato, che può essere trovato in EWQL SO.
Le curve di volume e di espressione possono aiutarti a ottenere quel suono fluente di una sezione di archi. È possibile modificare il volume in modo tale che il campione smetta di essere piatto e opaco e avrà un certo carattere.
La differenza tra volume ed espressione è che i limiti di espressione dipendono dal controller del volume. Ciò significa che il controller di espressione può essere molto preciso, specialmente quando si tratta di leggere variazioni dinamiche. Per illustrare questa affermazione con i numeri, puoi ricordare questo: se il nostro volume è al massimo (127), l'espressione può variare da 1 a 127. E se il volume è intorno a 73, l'espressione varia ancora da 1 a 127. Ciò significa che con l'espressione puoi aggiungere cambiamenti molto sottili all'interno del tuo intervallo di volume.
Esaminiamo i problemi nell'ultima demo: 1) le nostre note finali sono molto uniformi e 2) sicuramente il 18 patch di violino Qleg suona in modo impressionante nel modo in cui l'ho fatto. Proverò a modificare alcune curve e vedremo cosa succederà dopo.
Per prima cosa ho modificato la patch Qleg, perché ha presentato la maggior parte dei problemi nella nostra melodia. Una cosa interessante è che ho pubblicizzato alcune delle note di espressione con la patch Qleg e ho girato rapidamente le note attraverso la curva del volume.
L'editing di pitch può essere sia la ciliegina sulla torta della tua musica, sia il completo disastro di tutto ciò che abbiamo fatto finora. Prima di tutto, ricorda che nel nostro caso "18v Qleg" significa che 18 suonatori di violino hanno suonato toni legati in uno studio di alto livello. Questo sicuramente significa che avremo delle differenze di accordatura molto sottili.
Ma a parte questo, possiamo usare alcuni leggeri cambiamenti di curva del tono nella nostra melodia - specialmente quando "salta" su G e Ab, perché se immaginiamo i musicisti, loro muoverebbero la mano sulle corde e quindi creerebbero una "melodia" sottile effetto". Lo faremo in entrambi i modi - usando pitch e portamento (portamento significa che il musicista sta facendo una rapida scivolata da un tono all'altro).
Il nuovo motore di East West, PLAY, ha il proprio script di Portamento che può essere attivato tramite il controller CC # 65.
Uno dei migliori libri che ho letto sull'argomento è "The Guide to MIDI Orchestration" di Paul Gilreath.
Suggerisce che un orchestratore MIDI contemporaneo dovrebbe avere almeno due librerie di stringhe e dovrebbe duplicare melodie da entrambi i tipi di campioni. Per le persone come me, che non possono permettersi di avere due librerie in quel momento, c'è sempre una soluzione: raddoppiare la melodia con i legni e persino altri strumenti a corda. Nel nostro caso, lo farò tutti e due.
Per prima cosa, carica una bella patch per flauto. Sarebbe meglio se il flauto avesse un leggero vibrato. Mettilo nello stesso intervallo con i violini e abbassa drasticamente il volume. Il flauto non è un assolo, dà solo più dimensione del suono.
E infine, useremo l'aiuto di un altro strumento a corda. Ho scelto il violoncello, ma in realtà non c'è differenza qui. Ho fatto alcune note basse del violoncello, ma la cosa importante è che in realtà metto anche la melodia sul violoncello, ponendola (di nuovo) nella stessa gamma dei violini. Quindi abbasserò il volume fino a che non sarà udibile. In realtà in quel momento puoi sentire il violoncello - l'ascoltatore non lo sentirà suonare in quella gamma, ma percepirà una certa ricchezza nel suono.
Spero che questo ti aiuta. Non vedo l'ora di leggere i tuoi commenti. Puoi ascoltare il risultato finale del nostro tutorial in questa demo:
In bocca al lupo!
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