Share
Contrappunto è una delle trame più gratificanti e ricche della musica. Il buon contrappunto è bello, interessante e intellettualmente stimolante. I grandi compositori di tutta la storia, da Bach e Mozart, Debussy e Stravinsky, John Williams e Jerry Goldsmith, condividono tutti il tratto comune di una padronanza del contrappunto.
Faremo un corso accelerato attraverso i concetti di contrappunto. Impareremo le basi della consonanza contro la dissonanza, i diversi tipi di movimento tra due voci e le linee guida generali per scrivere un contrappunto efficace.
Il problema con la maggior parte dei libri e dei corsi di contrappunto è che l'unica cosa che sanno come fare è insegnarti a scrivere qualcosa del genere:
Sfortunatamente, molte persone non ascoltano più musica del genere. Certo, è una scrittura brillante e suona alla grande, ma è vecchio stile (e mi riferisco VERAMENTE alla vecchia maniera. Persino le persone alla fine del 1700 la consideravano fuori moda!). Potresti immaginare di provare a segnare una scena d'azione con qualcosa del genere? O se i Black Eyed Peas uscissero con quello come loro ultimo singolo? Per un breve momento potrebbero essere considerati "brillanti", ma non sarebbe durato molto più di una moda passeggera.
Come risultato di insegnare alla gente come scrivere musica dalla metà del 18 ° secolo, la maggior parte delle persone che cercano di dilettarsi in contrappunto rinunciare. Arrivano alla conclusione che i metodi sono obsoleti e fuori dal mondo, che la loro musica non dovrebbe vivere secondo tutte queste "regole" e che studiare l'arte del contrappunto non ha senso.
Beh, sono qui per ribattere che il contrappunto è un'abilità assolutamente cruciale per ogni aspirante compositore / autore di canzoni / creatore di musica da imparare, interiorizzare e incorporare nella propria musica. E non richiederà che tu prenda un paio di semestri in un conservatorio per capire, sia. Bastano poche linee guida di base per iniziare.
Quello che ho trovato è che sebbene le regole e i metodi specifici del contrappunto tradizionale siano un ostacolo alla maggior parte dell'apprendimento degli studenti, se riesci a capire alcuni dei concetti più basilari, sarai sulla buona strada per scrivere il contrappunto nella tua musica che è efficace e significativo.
Contrappunto si riferisce a due o più melodie indipendenti che suonano bene quando suonate allo stesso tempo. Contrappunto è spesso definito Polifonia.
Ecco un esempio di ciò che siamo non chiamare il contrappunto:
Sì, ci sono due linee indipendenti, ma la figura nella mano sinistra è semplicemente un pattern di arpeggio che funge da accompagnamento ed è subordinato alla melodia nella mano destra. Ricorda che in contrappunto c'è un'enfasi sull'indipendenza. Anche se una linea è più interessante e attira più attenzione (che è molto spesso il caso), l'altra linea dovrebbe comunque suonare bene da sola.
In questo tutorial lavoreremo con la musica tonale. Il cromatismo è ben accetto, ma in generale suppongo che la maggior parte di voi leggendo preferisca probabilmente Michael Giacchino e Coldplay a Shoenberg e Varese.
In questo tutorial parleremo principalmente del contrappunto di due parti o di due voci. Sebbene troverai molti esempi di 3, 4 e più voci, 2 contrappunto voce è il più semplice e il più importante da imparare.
Una "voce" non si riferisce letteralmente a una voce umana, ma a una singola linea melodica. Se hai due melodie che accadono nello stesso momento, devi avere voci distinte.
Una voce:
Due voci:
Quattro voci:
Il numero di voci in un pezzo non è uguale al numero di strumenti. Potresti avere 100 giocatori di un'enorme orchestra che suonano la stessa identica melodia e sarebbe considerata una singola voce.
Prima di proseguire, è fondamentale avere una buona conoscenza degli intervalli. Dovresti essere in grado di distinguere tra un quinto perfetto e un quinto diminuito, un terzo minore e un terzo maggiore, ecc. Se il concetto è nuovo per te o hai bisogno di un ripasso, ti suggerisco di fermarti ora per leggere questo tutorial. La maggior parte di ciò che faremo è analizzare gli intervalli tra le due voci, quindi è della massima importanza che tu possa farlo in modo fluido e senza sforzo.
Uno dei concetti principali che tratteremo è quello della consonanza contro la dissonanza.
Da thefreedictionary.com:
In termini semplici e basilari, le consonanze suonano bene e le dissonanze suonano male. Più elegantemente, le dissonanze tendono a sembrare aspre e tese, mentre le consonanze tendono a sembrare piacevoli e riposanti.
Quali intervalli sono consonanti e che sono dissonanti è in gran parte una questione di gusto e contesto, ma il consenso generale nella musica tonale è questo:
Le dissonanze possono essere ulteriormente suddivise:
I composti (intervalli maggiori di un'ottava) sono trattati allo stesso modo dei loro equivalenti più brevi (per esempio i 9 sono trattati come secondi, i decimi come terzi, ecc.)
In contrappunto ci sono tre tipi di movimento:
Movimento parallelo: entrambe le voci si muovono nella stessa direzione. Dal rito della primavera:
Moto contraria: entrambe le voci si muovono nella direzione opposta. Dal preludio di Wagner a Die Meistersinger von Nürnberg:
Movimento obliquo: una voce si muove mentre l'altra rimane costante. Dal rondò di Beethoven in do minore:
Vale la pena ricordare che i metodi tradizionali generalmente spezzano lo studio del contrappunto in 5 "specie". Ogni specie si riferisce a quante note in una voce stanno giocando contro quante note nell'altra voce. Per esempio:
Ora che sono passato e ho spiegato tutto questo: non ho intenzione di attraversare una specie alla volta. Un sistema metodico di costruire una complessità sopra l'altra ha perfettamente senso, ma questo è un corso accelerato e abbiamo note da scrivere! Invece le linee guida che ho delineato dovrebbero essere considerate per tutti i tipi di contrappunto, indipendentemente dal numero di note che hai rispetto a quante altre note. I puristi tra di voi potrebbero non piacere, ma non stiamo scrivendo il nostro pezzo di tesi per un maestro nella composizione. Stiamo solo cercando di avvicinarci abbastanza al jazz.
Ora che abbiamo i concetti base di consonanza contro dissonanza e i 3 tipi di movimento, possiamo iniziare a delineare alcune linee guida per un buon contrappunto. Li chiamo "linee guida" perché non ci sono ovviamente regole in un'arte creativa come la musica. Ma se vuoi imparare come rendere efficace il tuo contrappunto, ti consigliamo vivamente di aderire alle linee guida finché non puoi scegliere consapevolmente e deliberatamente di andare contro di loro.
Lo scopo principale del contrappunto è quello di avere due melodie separate ma uguali che suonano simultaneamente. Separati significa che si elevano e valle in luoghi diversi e che si muovono in tempi diversi. Uguale significa che sono entrambe linee interessanti a sé stante, che se dovessero essere suonati da soli ci sarebbe un sufficiente senso di contorno melodico e interesse.
Queste due righe provengono dal Preludio di Debussy al Pomeriggio di un Fauno:
Ascolta solo la voce in alto:
E ora solo la voce inferiore:
Si noti che anche se funzionano bene insieme, sono anche interessanti di per sé. Notare anche il contrasto del movimento. Quando i violini hanno il sedicesimo, i venti hanno il quarto e l'ottavo. Quando i violini riposano i venti diventano più attivi.
In precedenza abbiamo visto che ci sono tre tipi di movimento tra le voci: Contrario, Parallelo e Obliquo. Il forte contrappunto usa un equilibrio di tutti e tre i tipi.
In generale, il movimento contrario è il più preferito, in quanto crea la massima indipendenza.
Il movimento obliquo è molto efficace quando si alterna tra le voci, ma dovrebbe essere usato con parsimonia se si mantiene la stessa altezza costante in una singola voce. Finirai per presentare una sola voce e far sembrare la seconda voce meno importante e interessante.
Ecco un uso efficace del movimento obliquo alternato di Beethoven:
Come vedremo più in basso, il movimento parallelo dovrebbe generalmente essere riservato per il 3 ° e il 6 °. Il movimento parallelo crea un grande contrasto da movimenti troppo contrari e obliqui, ma devi stare attento ad evitare di averne troppa o perdi l'indipendenza tra le voci.
Notate come in questo esempio delle Fêtes di Debussy che sebbene ci siano 5 voci separate, poiché si muovono tutte in parallelo in modo coerente, danno l'impressione di una singola unità:
Per creare una vera indipendenza tra le voci, al contrario di un singolo blocco funzionante, dobbiamo mescolare l'uso del movimento. Queste linee di clarinetto e fagotto di Firebird di Stravinsky condividono motivi simili ma chiaramente hanno un'indipendenza di direzione:
La nostra prossima considerazione sarà un equilibrio di consonanza e dissonanza. Troppa consonanza può essere soffice e noiosa:
Troppa dissonanza può essere brutta e difficile da comprendere:
Decidere quale sia esattamente questo "equilibrio" sarà completamente all'altezza delle intenzioni e dei gusti del compositore.
Prendiamo due esempi diversi per stile e confrontiamo il loro equilibrio tra consonanza e dissonanza. Il primo proviene dall'album per giovani di Schumann:
Il secondo esempio è del Mikrokosmos di Bartok:
La cosa interessante di queste due frasi molto stilisticamente diverse è che in realtà hanno un rapporto ragionevolmente simile di dissonanza in consonanza (7:25 in Schumann, 8:21 in Bartok). Il Bartok, tuttavia, ha decisamente più dissonanza (il 20% in Schumann rispetto al 28% in Bartok). Entrambi gli esempi tendono a fare affidamento su intervalli prevalentemente consonanti, usando le dissonanze come extra "spice". Si noti anche come le dissonanze siano distanziate l'una dall'altra.
Proprio come hai bisogno di equilibrio in tutte le altre aree, un equilibrio di tipi di intervallo aiuta a mantenere le tue linee interessanti.
Ascolta questo esempio della 4a Sinfonia di Mahler e osserva il mix completo di tipi di intervallo (è anche un brillante esempio di ritmi indipendenti):
Questa è una delle regole più difficili da seguire per i principianti, perché a prima vista non sembra avere molto senso. La regola è che quando due voci si muovono nella stessa direzione, non dovrebbero spostarsi in un intervallo di 5a o di un'ottava.
Il ragionamento dietro questa regola è che l'ottava e il quinto sono intervalli primari. Avere due voci uniche si muovono in moto parallelo all'ottava o quinto dà l'impressione che siano in realtà la stessa melodia. Quindi se le tue due voci si muovono in parallelo alla 5a o all'ottava, stai essenzialmente violando l'intera idea del contrappunto che consiste nell'avere due voci indipendenti e separate.
Il problema che incontrano gli studenti è che le quinte e le ottave parallele sono molto difficili da ascoltare con un orecchio non allenato. Il mio unico consiglio è di seguire questa regola sulla fede, perché man mano che le tue orecchie e le tue abilità di contrappunto si sviluppano, alla fine imparerai a sentire le quinte e le ottave parallele e sembreranno davvero sbagliate per te.
Sono sicuro che troverai questa regola "rotta" in molti esempi. Una delle principali eccezioni a questa regola è che le quinte e le ottave parallele alla fine di una frase (cioè in una cadenza) sono considerate accettabili, probabilmente perché la punteggiatura della cadenza rende l'effetto molto meno fastidioso.
In generale, un intervallo dissonante dovrebbe risolversi in un intervallo di consonanti. Ciò significa che se stai usando una dissonanza per un po 'di spezie e creando tensione, sarà davvero efficace se poi rilasci quella tensione. Altrimenti probabilmente suonerai come se avessi suonato una nota sbagliata!
Il modo più semplice per risolvere una dissonanza è di mantenere costante un passo e spostare l'altro passo in un intervallo di consonanti. Diamo un'occhiata all'esempio di Beethoven che abbiamo usato in precedenza per mostrare il movimento obliquo:
Notate come ogni dissonanza viene prima introdotta come una consonanza, quindi una nuova nota rende l'intervallo dissonante, e infine si risolve in una consonanza. Se ascolti la scrittura di archi di Harry Gregson-Williams sentirai questa tecnica essere usata dappertutto.
Il contrappunto in due parti è eccezionale e tutto, ma la maggior parte della musica reale utilizza più di due voci. Se stai sfruttando più parti, la cosa più importante a cui prestare attenzione è il contrappunto tra le voci esterne. Le voci in alto e in basso sono quelle che verranno ascoltate di più, quindi è lì che dovrebbe concentrarsi quando si scrivono buone battute. Il resto delle voci può quindi essere usato per "riempire gli spazi" dell'armonia.
Ascolta questo esempio della 4a Sinfonia di Brahms:
Ora ascolta solo le voci in alto e in basso:
Abbiamo ancora essenzialmente lo stesso effetto musicale. I primi violini con la voce superiore, i violoncelli e i bassi sulla voce inferiore creano un contrappunto interessante ed efficace. I secondi violini e viole servono poi a completare gli accordi, con meno enfasi necessaria per renderli linee indipendenti e interessanti.
Sentirsi sopraffatto? Sarebbe comprensibile, ho appena lanciato un sacco di informazioni! Ritorna indietro pezzo per pezzo, prenditi il tuo tempo e gioca con ogni concetto. Scrivi i tuoi esempi e assicurati di ascoltarli. Cerca il contrappunto in alcuni dei tuoi brani musicali preferiti e separalo intervallo per intervallo per vedere cosa lo fa funzionare.
Spero che tu tratti questo corso intensivo in contrappunto come introduzione all'arte. Per molti di voi bastano questi concetti di base per aggiungere un po 'più di raffinatezza alla tua musica. Per gli altri che vogliono portare il loro apprendimento al livello successivo, vorrei suggerire che ora è il momento di aprire uno dei più tradizionali libri di testo sull'argomento e iniziare uno studio serio.
Il libro più raccomandato è "The Study of Counterpoint" di Johann Joseph Fux. La gente ama questo libro perché è stato intorno per sempre e si dice che anche Mozart abbia appreso contrappunto da esso. Il problema è che sta arrivando vicino a 300 anni. Sul serio! Mentre i principi sono tutti lì, può essere una lotta da leggere fino in fondo.
Consiglierei qualcosa di scritto in un tono più contemporaneo, come "Contrappunto" di Kent Wheeler Kennan o "Contrappunto in composizione" di Felix Salzer. I libri di testo possono essere costosi, ma dovresti riuscire a trovare una copia usata su Amazon o Ebay.
Contrappunto può essere uno studio permanente, ma è senza dubbio una ricerca gratificante.
Accentsconagua