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Le prime registrazioni di tutti, sia che si tratti di tre o tredici anni, di solito vanno allo stesso modo. La scadenza si avvicina rapidamente e quasi nulla viene fatto. Ciò che è stato fatto non sembra giusto. I tuoi colleghi musicisti non hanno idea di cosa dovrebbero fare e nessuno nella stanza è veramente sicuro di quale sia il prossimo passo nel processo.
Per la maggior parte dei principianti, lo sviluppo di un flusso di lavoro di registrazione non è una priorità. Ma i professionisti ti diranno che il tempo è denaro ed è per questo che hanno lavorato così duramente per far funzionare il loro lavoro. Quanto più velocemente puoi fare il tuo lavoro, tanto più è efficace la tua tariffa oraria e quanto più velocemente puoi fare il tuo lavoro, meno paghi per assumere studi, attrezzature e personale. Funziona da una prospettiva sia di spesa che di reddito.
Ecco uno sguardo al processo e al flusso di un progetto di registrazione che è stato fatto correttamente, con suggerimenti per ottimizzarlo ulteriormente.
Scrivere è la prima fase di qualsiasi progetto di registrazione, anche se inizia molto prima che la decisione di registrare la canzone sia stata persino presa. Durante la fase di scrittura i testi e la musica vengono creati e perfezionati fino a quando non funzionano bene insieme.
Quando sei nella fase di scrittura è importante pensare alla realtà sia della performance che della registrazione. Se scrivi canzoni che non puoi registrare o esibire in modo realistico con la tua band, non ti stanno molto bene. Quanto sarai orgoglioso del tuo lavoro quando entrerai in studio e ti renderai conto che non hai gli strumenti, i musicisti o gli strumenti adatti per far funzionare la canzone?
Costruire un repertorio è importante e devi essere in grado di eseguire e registrare quel repertorio. Anche nel contesto del processo di registrazione, le prestazioni dal vivo sono importanti da considerare. A meno che tu non sia una band solo in studio, il tuo lavoro deve essere tradotto in tutti i mezzi.
Avere alcune restrizioni per aggirare è favorevole alla creatività, quindi accetta la sfida. L'artista che ha tutti gli strumenti del mondo a sua disposizione è spesso paralizzato dalla scelta, mentre lavorare all'interno di una serie di limiti può rendere le decisioni creative molto più semplici. Per la maggior parte dei musicisti, questo è un tema ricorrente dalla scrittura al mastering, considerando che può essere una delle carriere o hobby più costose in giro.
Una volta che sei in studio, potresti aver bisogno di lavorare con musicisti di sessione che non hanno provato la canzone con te, o potresti voler discutere di una certa sezione o riff nella canzone con il tuo produttore e altri musicisti. I cantanti di supporto avranno bisogno di testi. Non riuscire a preparare in anticipo i materiali giusti si rivelerà più di un impedimento di quanto molti pensino prima! Ecco cosa ti consiglio di portare ad ogni sessione, almeno alcune copie di ciascuna:
Anche se può sembrare sciocco, le prove fanno parte del processo di registrazione. Perché se non puoi suonare la canzone come gruppo in primo luogo, non ha assolutamente senso andare in studio.
Anche se la registrazione multitraccia, la compilazione e la quantizzazione in fase di preparazione possono far sembrare che registrare una canzone sia più facile che suonarla dal vivo, la verità è che la musica registrata è davvero molto volubile e qualsiasi cosa con più di due o tre tracce richiede molto , equilibrio molto delicato nel mix per evitare che le cose cadano a pezzi.
Se non suoni bene suonando insieme, se non riesci a bloccare il solco della sezione ritmica e creare spazio per ogni strumento in cui ogni strumento ne ha bisogno, è un'altra cosa che manderà in crash il delicato equilibrio. La tua registrazione farà schifo prima che sia finita.
Devi provare fino a quando la canzone sembra abbastanza levigata da pensare che potresti impostare alcuni microfoni nella sala prove e ottenere un risultato che potresti essere soddisfatto.
Mentre molti principianti possono essere tentati di scrollarsi di dosso quel consiglio, ecco una considerazione più pratica per te: gli studios costano soldi. Ogni ora che non provi è un'altra ora che pagherai al proprietario dello studio perché ci sono così tanti problemi con la registrazione.
Sul serio. Provare.
Il metodo più comune di praticare una canzone è di farla suonare ripetutamente dall'inizio alla fine. Questo è un modo di lavorare particolarmente inefficiente, perché stai spendendo tanto tempo nelle parti della canzone con cui la band sta bene come quelle parti con cui la band sta lottando.
Concentrati su diversi segmenti della canzone, o anche trascorri venti minuti su una sezione di quattro battute della canzone, se è difficile per tutti stare al passo l'uno con l'altro. Non andare avanti finché la band non ha imparato a suonare perfettamente i segmenti problematici.
È importante praticare la canzone nel suo insieme senza fermarsi, ma passerai il tuo tempo in modo molto più saggio se salvi le pratiche straight-through finché tutti sono soddisfatti delle sezioni dei componenti da soli.
Quindi, la canzone è stata scritta. La band può giocare con gli occhi chiusi, appesi a testa in giù in mutande. Ora hanno deciso che è ora di registrarlo.
"Cosa stiamo aspettando? Registriamo! "Direte tutti nella vostra eccitazione. Mi dispiace di mettere un freno alla tua festa, ma non così velocemente. Per prima cosa devi fare un piano.
Cosa farai e in quale ordine? Quanti strumenti saranno coinvolti? Quante parti avranno ciascuno strumento e, quindi, quante tracce per ogni strumento saranno necessarie? Quanto durerà l'intero processo? Quando dobbiamo prenotare lo studio e il produttore? L'ingegnere di mastering? Il sempre piccolo maestro ottavino?
Senza un piano, sono rimasti due giorni di studio prima che il mix sia pronto per il mastering e l'unico ottavino ancora vivo su questo lato dell'equatore è prenotato per tre mesi di fila. Spiacenti.
Un piano dovrebbe sempre essere in forma scritta. Non intendo necessariamente carta e penna - può essere un documento informatico o una scultura su roccia - ma i piani che sono archiviati nella testa di un essere umano sono piani che vengono dimenticati non appena termina la fase di pianificazione.
Il tuo piano deve essere solo complesso o semplice come il progetto a portata di mano. Se hai bisogno di una struttura per iniziare, ti suggerirei qualcosa di simile a questo:
I piani possono essere molto più complicati, quindi aggiungilo a quello che desideri. I piani possono anche essere abbastanza semplici - se vuoi registrare una canzone folk di tre minuti attraverso un rack standard di attrezzatura da studio, con solo te stesso a voce e chitarra, e magari una o due o tredue percussioni, non avrai bisogno dello stesso tipo di struttura.
Per molti musicisti, la fase demo è una delle prime fasi di un progetto e ciò significa che non sono completamente preparati e pronti a entrare nel lavoro. I primi giorni vengono spesi in giro per lo studio decidendo cosa fare e pensando ai vari cambiamenti che potrebbero essere apportati alla canzone "just for fun". Anche se è tutto molto creativo, probabilmente non è il momento migliore per giocare solo perché non hai preparato un solido piano di attacco, indipendentemente dal fatto che tu paghi o meno per lo studio.
Con questo flusso di lavoro, hai già ottenuto tutta la sperimentazione e l'incertezza del tuo sistema. Sai cosa devi fare, quindi non senti la necessità di giocare come risultato di non sapere quale sarà il prossimo passo.
La fase demo è la parte del progetto in cui ogni musicista registra un take approssimativo che è abbastanza buono da formare una struttura che il resto del progetto è costruito intorno. Una volta che la demo è terminata e passi al monitoraggio, tutto ciò che devi fare è scambiare le tracce demo per le tracce finali. La demo non è una traccia finale lucida, ma è importante ottenere certi fattori. La produzione non è una di queste, ma il tempismo è sicuro.
Non mi interessa davvero quale sia la tua opinione personale riguardo alle click track: alcuni elitisti evitano il loro uso per qualche motivo inumano o altro, ma quando registri una demo, assicurati che tutti i record vengano registrati in una traccia di click.
È difficile abituarsi ai click track per i principianti, quindi dai a ciascuno strumentista - in particolare il batterista - un po 'di tempo per abituarsi a giocare con uno. Una volta che ci si abitua, sii spietato. Buttare le tracce che non si allineano perfettamente.
La ragione è che il cattivo tempismo nella fase demo, dal momento che la demo servirà come framework di tracciamento, può rovinare un intero progetto e settimane di lavoro. Un piccolo ritocco del ritmo può essere facilmente risolto mentre stai registrando la demo. A metà del processo di tracciamento stesso, è un grosso problema perché devi rifare un intero progetto che è stato costruito su quell'errore. Quanto meno sei vigile e più a lungo lasci il problema nel tuo progetto, più grande sarà il problema.
È anche importante essere pignoli. Non esiste un "non troppo grande di un accordo" perché qualcosa che sembra un errore minore sembrerà un grosso errore quando ogni altro strumento ha seguito il suo esempio.
Versione breve: se ogni traccia della tua demo non è in perfetto orario, la demo non può servire da spina dorsale del tuo pezzo finale.
Pitch non è tanto un problema come il tempismo è quando si tratta di una demo, anche se dovresti assicurarti che gli strumenti siano sintonizzati bene prima di registrarli e fare del tuo meglio per ottenere il miglior risultato qui.
Tuttavia, uno strumento leggermente fuori campo può eliminare le prestazioni vocali nella fase demo e / o di tracciamento. Poiché la performance vocale è al centro dell'attenzione del pubblico, è necessario farlo bene.
Ogni volta che finisci di tenere traccia di uno strumento particolare durante la fase di dimostrazione, lascia che il cantante solista canti e si assicuri che non ci sia nulla da buttare fuori dal campo. Il problema in sé non può essere causato da strumenti fuori tono - potrebbe essere qualsiasi cosa, incluso un problema di temporizzazione - ma qualunque cosa debba essere trattata mentre sei ancora nella fase demo più flessibile e malleabile.
Nella fase di tracciamento del progetto, stai utilizzando la demo come linea guida mentre sostituisci ogni traccia con la presa appropriata.
Disegna i diagrammi delle apparecchiature per il montaggio in rack, cattura gli screenshot dei plug-in, fai tutto ciò che devi fare per avere una copia delle tue impostazioni su file. Questo vale anche per il posizionamento del microfono: scattare una foto o disegnarne una, assicurati solo di sapere come rimettere i microfoni nel modo in cui erano.
E questo significa per il centimetro, quindi esci dal righello. La differenza di un centimetro non sembra nulla per noi, ma da una prospettiva sana può essere enorme.
Devi essere pedante riguardo alla tenuta dei registri in modo che se hai bisogno di ri-tracciare una sezione o puoi solo metà del tracciamento per un particolare strumento in un giorno, puoi riprendere da dove hai interrotto. Senza un suono identico, in genere è necessario iniziare il tracciamento da zero. Potrebbe funzionare come un effetto qua o là, ma il fatto che spesso il tono degli strumenti cambi a metà della canzone sta per buttare via l'ascoltatore.
Quindi non sei sicuro se l'U87 o Classic II sia un microfono migliore per una parte, e non puoi decidere. Registra entrambi e scegli più tardi! È meglio avere opzioni piuttosto che rimanere bloccati con un risultato di cui non si è soddisfatti. Il detto popolare nell'industria musicale è non puoi lucidare uno stronzo. Generalmente si riferisce alle prestazioni, ma fidati di me quando dico che i valori di produzione di una traccia possono rendere una performance eccellente come la proverbiale merda indisciplinata.
Tuttavia, qualcosa che potresti non essere in grado di cambiare idea più avanti è il posizionamento del microfono (potresti avere ben settantatré SM57, ma pochissimi lettori potrebbero avere più di un U87 se ne hanno addirittura uno). Trascorri del tempo sul posizionamento. Fallo bene.
Se si utilizzano effetti esterni come EQ e compressione, fare molta attenzione e comporre le impostazioni nel modo più sottile possibile. Usa solo la maggior parte dell'effetto di cui hai bisogno. Gli effetti fuoribordo generalmente suonano meglio dei plug-in se hai una buona attrezzatura o sei in uno studio professionale, ma non puoi tornare indietro e cambiare le cose più tardi. Se sei un principiante o un ingegnere intermedio, ti troverai spesso bloccato con una traccia che non puoi utilizzare dopo aver realizzato che è rovinato una o due settimane dopo. Succede spesso anche a ingegneri esperti.
Come ho detto riguardo al posizionamento del microfono, trascorri del tempo con gli effetti fuoribordo (o altrimenti distruttivi). Fallo bene E anche allora, rendili sottili; se non sei abbastanza compresso, puoi aggiustare le cose con un plug-in. Se hai compresso troppo, sei fregato.
Il routing spesso non ha una sua fase e potrebbe non averne bisogno per molti lettori. Se il tuo genere è folk minimalista che utilizzerà solo da due a cinque tracce per sessione, puoi tranquillamente saltare questo. La maggior parte della produzione di electronica probabilmente non ha bisogno di fare grandi storie su questo. Tuttavia, se stai registrando cumuli di strumenti del mondo reale e hai produzioni grandi e ingombranti che si trovano in Pro Tools o Logic o cosa-hai-te, il routing è una forma d'arte a sé stante.
Ci sono due parti nella mia fase di routing:
Se non sei sicuro di come impostare un sub-mix di aux di gruppo o un effetto send / return, ci sono alcuni tutorial su Audiotuts + che spiegano ogni.
Se hai una canzone con 30 o 100 tracce nel progetto, è troppo per la tua mente da gestire in termini di mescolanza relativa. Rompi tutto in pochi gruppi (meno di dieci, preferibilmente meno di cinque) come voce, batteria e chitarre.
Quindi reindirizzare ciascuna di queste tracce in modo che vadano su un canale ausiliario stereo anziché direttamente sul master stereo. Ottieni un mix relativo tra tutte le tracce che vengono instradate verso l'ausiliario e dedica un po 'di tempo a renderlo perfetto. Se il sub-mix è a posto, potresti non dover più toccare i singoli livelli di traccia; basta spostare uno dei tuoi fader aux group per regolare il mix.
Mescolare solo 20 tracce e fino a poche centinaia è un processo doloroso. Se riesci a fare così tanti usando tra tre e dieci sub-mix, stai ridendo.
Ci sono effetti comunemente usati che sono usati in quasi tutte le produzioni: riverbero e delay sono i più comuni, e il coro fa la sua comparsa nella maggior parte dei progetti. Dovresti configurare i sistemi send / return in modo che ogni traccia invii una certa quantità del suo segnale a un singolo processore che si rivolge a tutte le tracce del progetto. Questo ha due vantaggi.
È molto facile rovinare una canzone con l'abuso di effetti. Mentre può ancora accadere con l'uso di sistemi send / return, è molto più facile da controllare. Diverse impostazioni di riverbero su diversi strumenti a volte funzionano, ma spesso confondono la mente dell'ascoltatore. L'uso di effetti con le stesse impostazioni, attraverso gli stessi processori, aiuta a legare insieme il mix e creare un suono più coeso.
Prima di arrivare al mix, devi assicurarti che tutto il tuo audio sia a posto, allineato, sfasato e generalmente pronto per essere mixato senza richiedere grossi cambiamenti o presentare problemi strutturali. Devi essere in grado di concentrarti sui livelli e gli effetti usati nella fase successiva senza distrazioni.
Aiuta ad avere una lista di controllo di editing preparata che puoi usare ogni volta che registri qualcosa di nuovo. Potresti usare qualcosa di simile, sebbene non sia affatto completo:
La modifica delle regioni comporta il taglio di vari take e il miglior tracciamento possibile. Il 95% del tempo di editing viene solitamente speso qui, e questo è dovuto al drum kit. Dovrai passare attraverso ogni traccia di batteria e assicurarti che i transienti si allineino al ritmo. Questo può richiedere ore per fare bene. Devi anche eseguire uno zoom piuttosto ravvicinato, che rallenta le cose - questo ti impedisce di spezzare le cose in linea in modo troppo meccanico come accadrebbe con un normale livello di zoom. A un livello di zoom normale, qualsiasi suono che si muove si sposterà ulteriormente verso lo snap alla griglia, creando una performance tecnicamente perfetta ma emotivamente nulla..
Una volta che tutte le regioni sono state posizionate, è necessario creare dissolvenze minuscole su ogni regione per evitare rumori di scoppio in tutto il luogo e assicurarsi che ogni giunzione tra le riprese sia sbiadita.
Una volta che sei soddisfatto, molte persone considerano una buona pratica consolidare le regioni, quindi lavorare con loro da qui in avanti è più facile.
Infine, mentre qualsiasi cosa abbia a che fare con il cambiamento dei livelli è generalmente considerata parte della fase di mixaggio, può essere una buona idea usare l'automazione per uniformare il volume di tracce estremamente variabili prima di arrivare al mix. Mescolare la prima metà del verso solo per scoprire che la seconda parte del verso ha caratteristiche dinamiche totalmente diverse non è divertente e può richiedere molto lavoro da risolvere (la soluzione facile è quella di colpire un compressore molto stretto su tutto, ma se vuoi succhiare la vita dal suono vai avanti!).
La miscelazione è un processo così semplice in teoria e tuttavia può diventare così complicato e stressante nella realtà. L'idea è di rendere ogni suono controllabile ed esteticamente piacevole con effetti e processori e ottenere i livelli corretti. Il mio processo è simile a questo:
Il missaggio è davvero un bel lavoro, quindi senza una sorta di piano - anche uno di base come quello che ho appena delineato - non saprai da dove cominciare, o quando hai finito. So che finisco per fare molto più di quello che ho elencato, spesso in un ordine diverso da quello che ho elencato. Ma se non sai da dove cominciare o come avvicinarti al lavoro, la tua sessione di mixaggio richiederà molto più tempo e sarai confuso da problemi relativi a qualsiasi cosa, dalla struttura del guadagno al tentativo di ricordare cosa hai elaborato e cosa voi non avete.
Questa è una parte abbastanza trascurata del processo di post-produzione. Una volta ottenuto il mix finale, si desidera creare alcune versioni differenti e rimbalzarle su disco. Ogni versione presenterà un lieve cambiamento che rappresenta un piccolo cambiamento di messa a fuoco sugli strumenti nella canzone. Uno con una voce solista più forte di 1dB, uno con una voce solista più tranquilla da 1dB, uno con voce più pronunciata, forse uno con una batteria più silenziosa, e la lista continua. Di solito le modifiche non saranno più di 1 o 2 dB.
Lo fai perché il mastering cambia il suono del mix e questo ti dà la possibilità di ascoltare velocemente varie versioni master senza tornare indietro, cambiare qualcosa, rimbalzarlo, masterizzarlo e poi confrontarlo. Pensa ai cambiamenti più probabili che vorresti fare e preparali tutti e rimbalzati in modo che possano essere controllati in un colpo solo.
Se non stai facendo il mastering, che è probabilmente l'idea migliore (a meno che tu non sia un ingegnere di mastering con uno studio di mastering), dovresti comunque fornire al mastering engineer queste opzioni. Spesso ti chiamano e chiedono per loro se non li fornisci all'inizio. Grazie a Audiotuts + Plus, il collaboratore Bobby Owsinski per questo suggerimento.
Non pretendo di sapere molto sul mastering - il mio flusso di lavoro è quello di preparare le mie versioni multiple e trasmetterle a qualcuno che fa finta di sapere. Il miglior consiglio che posso darti è di inviare la tua musica al mastering engineer. Quando ho bisogno di farlo da solo, non è affatto un metodo particolarmente scientifico; Faccio rimbalzare le canzoni e le considero importanti per una sessione di masterizzazione di album, applicare i soliti processori e cercare di allineare i volumi di ogni traccia nel miglior modo possibile.
Detto questo, è importante che il mastering faccia parte del tuo piano, perché dovrai trovare un mastering, prenotare un po 'del suo tempo e ricordarti di mandare il tuo lavoro a lui.
Se insisti a padroneggiare te stesso, assicurati di controllare il sito Web Audiotuts +, poiché contiene alcuni utili tutorial sull'argomento. Se non hai mai intenzione di utilizzare un ingegnere di mastering, fai un favore a te stesso e ottieni una formazione più avanzata sull'argomento.
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