Utilizzo di tecniche ambientali per la composizione

"Nella registrazione moderna uno dei problemi più grandi è che ti trovi in un mondo di infinite possibilità, quindi cerco di chiudere le possibilità in anticipo, limitando le scelte, limitando le persone a una piccola area di manovra. i musicisti invariabilmente producono musica più interessante dei lettori di sintetizzatori: puoi passare attraverso le opzioni su una chitarra in circa un minuto, dopodiché devi iniziare a prendere decisioni estetiche e stilistiche.Questo computer può contenere un migliaio di sintetizzatori, ognuno con mille suoni. Cerco di fornire vincoli per le persone ".
- Brian Eno

Immagine Flickr di Eptin

introduzione

Ultimamente ho riflettuto molto sulle limitazioni e le possibilità in relazione alla composizione. Usando computer e pacchetti software come Logic, Cubase, Sonar o Reason, le nostre possibilità musicali sono quasi infinite. Anche così, spesso mi trovo seduto davanti alla mia workstation, facendo clic su centinaia di preset di synth o sampler piuttosto che scrivere musica.

I grandi compositori ambient e minimalisti del nostro tempo comprendono chiaramente le potenziali insidie delle nostre opzioni quasi illimitate. La loro soluzione è tentare di creare con meno - per creare un mondo musicale completo in un dato momento, ma farlo sotto una serie specifica di regole o restrizioni. Tali regole e restrizioni possono variare ampiamente da compositore a compositore, ma fortunatamente per noi, l'utilizzo di una qualsiasi delle loro tecniche può essere utile per quasi ogni stile musicale.

In questo tutorial, esamineremo alcune semplici tecniche che puoi utilizzare quando componi musica, sia essa ambient, minimalista o persino rock o pop. Ogni artista può trarre vantaggio dall'apprendimento di queste tecniche e dall'applicarle per superare il blocco dello scrittore, per sfidare la propria creatività in modi nuovi o semplicemente per perfezionare e mettere in pratica le varie abilità..

Limita le tue scelte

Come notato da Brian Eno nella citazione sopra, limitare le scelte può essere un modo semplice e veloce per forzare una nuova prospettiva sulla composizione. Riducendo le possibilità, è necessario pensare in un'area più piccola. Quando sei confinato in una serie più piccola di possibilità, devi esaminare tutte le scelte inconsce che potresti normalmente fare quando scrivi una determinata traccia.

Immagine Flickr di bredgur

Un modo efficace per imporre limiti è cambiare il software di composizione. Ad esempio, per alcuni dei miei nuovi brani, sto utilizzando GarageBand - non perché ritengo che sia necessariamente lo strumento migliore per il lavoro, ma piuttosto perché mi offre già una serie più limitata di scelte per quanto riguarda la creazione del suono e manipolazione è interessato. Mentre la logica è la mia DAW primaria, la vasta gamma di funzioni e possibilità sonore può a volte essere un imbarazzo per le ricchezze. L'uso di GarageBand richiede che io faccia delle scelte sull'esecuzione, la registrazione, la modifica e l'elaborazione, all'interno di un insieme di possibilità diverso e più piccolo.

Quindi, limitare il nostro software è un mezzo per limitare le nostre scelte. Ecco alcuni altri modi in cui possiamo limitare le nostre scelte che potrebbero infine servire ai nostri obiettivi compositivi.

Limita le scelte software - Usa una DAW più semplice, usa solo MIDI, usa solo l'audio, o componi un'intera melodia usando solo un softsynth.
Limita post-elaborazione - Non utilizzare alcuna forma di compressione, EQ o altre tecniche di masterizzazione per finalizzare la tua canzone. Ottieni il mix che suona alla grande mentre stai componendo e lascia perdere.
Limita contenuto armonico e melodico - Prova a limitare la tua canzone a pochi accordi o alcune semplici frasi melodiche. Ricorda che è ancora necessario mantenere la musica coinvolgente, se non interessante, per l'ascoltatore!
Limitare il contenuto ritmico - Prova a comporre un brano senza misuratore o tempo distinguibile. Oppure prova a comporre in una nuova firma del tempo come 7/8 o 5/4.
Modulo limite - Prova a lavorare con una forma musicale più semplice o più complessa - qualcosa di diverso dal tuo solito formato musicale ABBA, ecc.

Quando inizi a sperimentare tecniche come queste, scoprirai che molte di esse sono scomode e semplicemente non si sentono "giuste" per il tuo stile di composizione. Questa è una buona cosa! Quel disagio significa che stai iniziando a sviluppare muscoli musicali che non hai mai usato prima. Quando siamo stati pigri e non ci siamo esercitati per un po ', scopriamo che i muscoli e le articolazioni tendono a resistere (o protestare) quando alla fine decidiamo di uscire a correre. Solo così, la nostra forma musicale è limitata ai muscoli che usiamo o non usiamo, quindi allenati utilizzando l'intera gamma delle tue capacità. Ti garantisco che sarai sorpreso dai risultati.

Vai organico

Con la facilità e la potenza delle nostre DAW, softsynth e campionatori, molti di noi rimangono bloccati nella terra del sintetico. Un modo potente per dare nuova vita alle nostre composizioni musicali è quello di richiedere che siamo "organici" e utilizzare più (o esclusivamente) suoni organici.

Immagine Flickr di Secret Tenerife

Incorporare suoni organici può significare molte cose diverse, quindi diamo un'occhiata ad alcune possibilità.

Sostituisci tracce di synth con tracce acustiche - Sostituisci uno o più dei tuoi brani esistenti con le interpretazioni acustiche degli stessi. Dove una volta poteva esserci un lead synth monofonico, usa invece un clarinetto o un flauto o una voce. Una volta registrato, usa la post-elaborazione per rimodellarlo e modellarlo per adattarlo alla tua traccia.
Usa suoni trovati - Abbiamo già visto alcuni tutorial (come questo) su come le registrazioni sul campo o i suoni trovati possono aiutarti a creare una tavolozza unica e unica per la tua musica. Passa un po 'di tempo a registrare suoni da casa, dal quartiere o dalla città e cerca di trovare nuovi modi per incorporare questi suoni nella tua musica.
Organico come forma d'onda - Per i geek di campionamento più avanzati là fuori, potresti prendere in considerazione il campionamento di alcuni suoni organici e quindi modificare i suoni in pezzi più piccoli, anche piccoli come un singolo ciclo. Da lì, puoi caricare queste forme d'onda nel campionatore scelto e creare nuovi strumenti.
Vai all in - Quando è stata l'ultima volta che hai semplicemente iniziato a fare rumore su tutto ciò che ti circonda e registrare? Installa un microfono nel centro della stanza, indossa delle cuffie e inizia a registrare. Quindi, inizia a "suonare" la tua stanza. Quando arrivate a una conclusione logica, fermate la registrazione, armate una nuova traccia e ripetete. Puoi iniziare a creare alcuni paesaggi sonori davvero unici in questo modo che possono portare a nuovi set di campioni, nuove tracce ritmiche o con alcuni intelligenti padiglioni o postazioni di post-elaborazione.
Usa un cerotto - Adatta una delle tue tracce interamente elettroniche in una traccia completamente acustica. Invita alcuni dei tuoi amici di talento musicale, compra loro il pranzo e la birra e passa la giornata a registrare e arrangiare la tua musica su nient'altro che strumenti acustici. Questo può essere un processo incredibilmente divertente e liberatoria per il musicista che normalmente lavora da solo, in una piccola stanza, con solo elettronica ... Come me.

Gioca con il contrasto

A volte, i musicisti possono essere intimiditi dal proprio potere espressivo. Caso in questione: quando è stata l'ultima volta che hai fatto una canzone DAVVERO forte, esplosiva, dura o grata? In alternativa, se sei in uno speed-metal o in un artista hardcore di qualche tipo, quando è stata l'ultima volta che hai fatto una canzone veramente dolce, rilassata?

Immagine Flickr di aussiegall

Potresti dire a te stesso: "Creo il tipo di musica che creo e non mi interessa creare qualcosa di diverso". Ancora una volta - considera questo come una forma di 'pratica', molto simile a giocare a scale o imparare nuovi ritmi - e un mezzo per flettere i muscoli musicali. impara a suonare con il contrasto, all'interno di una canzone e con le canzoni nel complesso.

Con tecniche come questa, è importante non farsi prendere dall'estetica - non preoccuparti troppo di come suona il prodotto finale o se a qualcuno piacerà. Questa è una pratica - quindi prendila come tale. Gioca con contrasti estremi in termini di volume, consistenza e timbro. Scrivi una canzone in cui ogni traccia utilizza una forma di distorsione pesante. In alternativa, componi una traccia in cui ogni suono ha un attacco e un attacco morbido. Quindi prova a giustapporre questi due elementi all'interno della stessa canzone.

Uno dei miei esempi preferiti di questa tecnica è usato con grande effetto da Peter Gabriel nella sua canzone "Darkness" dall'album "Up". Si noti quanto sia drammatico lo spostamento da intro a verse: arpeggio morbido e disattivato, seguito da una chitarra distorta e aspra. Questa tecnica si ripete nel contrasto dal verso al coro e al bridge.

Immobilità e movimento

Gli alberi, anche se generalmente non sono considerati una cosa "mobile", sono raramente immobili. C'è un contrasto intrinseco tra la solidità incombente di un tronco d'albero e il sottile ondeggiamento di rami, rami e foglie.

Immagine Flickr di Lincolnian (Brian)

Come compositori, uno dei nostri più potenti alleati nell'influenzare le emozioni nei nostri ascoltatori è il potere della dinamica. A livello di superficie, la dinamica può semplicemente riferirsi al volume apparente o alla morbidezza di un particolare elemento musicale. Più in generale, tuttavia, le dinamiche si riferiscono alla staticità o movimento inerente a un dato pezzo. Ciò comprende non solo i cambiamenti di volume, ma anche il tempo, l'attacco, il sustain e le modifiche di un dato elemento nel tempo.

Ci sono un gran numero di modi in cui possiamo giocare con il movimento e la calma in una canzone, ma qui ci sono alcuni suggerimenti:

Automazione - Sperimenta l'automazione dei parametri panning, volume, EQ e degli effetti per lunghi periodi di tempo.
Crea statico - Sperimenta la creazione di tracce statiche - tracce che si ripetono, invariate per lunghi periodi di tempo. Questi contrastano bene con le altre tracce che potrebbero cambiare intorno a loro.
Sii come gli alberi - Ok, non potrei pensare a un modo migliore per descriverlo, ma l'idea qui è che hai una base "relativamente semplice e sottile" per la tua canzone. Quindi, crei un numero di tracce di "rami, rami e foglie" che si muovono e svolazzano attorno a quella traccia base.

Un eccellente esempio di questa tecnica può essere trovato in "Fossile e felce" di Steve Roach.

Sfida le aspettative

Alcuni stili di musica prosperano con l'impostazione e il rispetto delle aspettative musicali. Ad esempio, la musica House e Trance sono particolarmente efficaci nei club e nei rave perché trasmettono telegraficamenti musicali e guasti all'ascoltatore. In questo modo, l'ascoltatore ha una certa aspettativa e viene ricompensato quando avverrà quella aspettativa, creando una sorta di "esperienza condivisa" mentre le loro danze si abbinano alla musica.

Immagine di Flickr di K. Kendall

A volte, tuttavia, è altrettanto potente interrompere le aspettative nella nostra musica perché può far sì che l'ascoltatore si sieda e prenda atto. Ecco alcuni modi in cui puoi sfidare le aspettative nella tua musica.

Cambia forma - Come indicato sopra, prova a posizionare versi, cori o ponti in cui non ti aspetti necessariamente.
Cambia accordi - Usa un'attenta disposizione degli accordi per interrompere le normali cadenze per creare tensione e rilascio. Ecco un ottimo tutorial sulle cadenze.
Sostituire gli strumenti - Se hai una particolare linea melodica o armonica, considera di sostituire la strumentazione per quella linea in una parte della tua canzone. Ad esempio, se la tua chitarra ha una parte di armonia o ritmo durante il primo verso, passa quella parte a un piano durante il secondo verso.
Non dargli quello che vogliono (almeno non ancora) - Se stai creando musica elettronica e accumuli di lavoro e guasti, prendi in considerazione di allungarli al doppio della loro lunghezza normale. In alternativa, una volta che hai attraversato un guasto, non passare attraverso un accumulo - vai subito al mix completo, ecc..

Conclusione

Queste tecniche dovrebbero essere, prima di tutto, considerate "esercizi". Pensa a loro come un sollevamento pesi o una ginnastica per la tua musica. I risultati finali di queste pratiche potrebbero non essere sempre la migliore scelta musicale per le tue composizioni finali. Tuttavia, avere una comprensione di queste tecniche e usarle in modo selettivo per limitare le infinite possibilità che hai di fronte come compositore, può aiutarti solo nella tua ricerca di scrivere ottima musica.

Spero che questo tutorial sia stato utile e che tu possa prendere alcune di queste idee e usarle nel tuo lavoro. Se lo fai, mi piacerebbe sapere come hanno funzionato per te - per favore fatemelo sapere nei commenti!

Musica e audio