Tecniche di registrazione vocale

Il mese scorso abbiamo discusso dei modi per ottenere un'ottima performance da un vocalist, ma questo post è dedicato all'ottenere un grande suono vocale. La registrazione vocale ha più sfumature rispetto alla registrazione di altri strumenti principalmente a causa dei plosivi (i suoni "b" e "p") e sibilanti (i suoni "s"), ma anche perché la voce ha una gamma naturalmente dinamica. Inoltre, ci sono tanti stili vocali come le persone che cantano e tutti hanno bisogno di un microfono che sia complementare alla loro voce in modo da mantenere il centro dell'attenzione sulla traccia. Questo è ciò che rende la selezione del microfono, tra le altre cose, così importante nella registrazione vocale.

Ecco alcuni suggerimenti tratte dal manuale di The Recording Engineer e dall'imminente manuale del produttore musicale per aiutarti a ottenere un grande suono vocale in modo facile e veloce senza nessuno di quei brutti effetti collaterali.

Costanti vocali principali

Ci sono un certo numero di "costanti" che troviamo nella registrazione vocale. Questi sono oggetti o situazioni che dimostrano quasi sempre di essere veri. Tenere a mente quanto segue può farti risparmiare un sacco di problemi nella ricerca di un suono che funzioni per te e per il tuo cantante.

La selezione del microfono, la quantità di EQ e la compressione utilizzati dipendono totalmente dalla voce che stai registrando.
Il miglior microfono in casa non ottiene necessariamente i migliori suoni vocali.
Un cantante con esperienza di registrazione sa quali consonanti sono difficili da registrare e sa come bilanciarle contro le vocali per ottenere un buon risultato finale. Un cantante con questo tipo di esperienza ti farà sembrare un genio.
Con una brava cantante, molte volte otterrai "il suono" automaticamente mettendolo davanti al microfono giusto. D'altra parte, con un cattivo cantante (o anche un bravo cantante che non si adatta bene allo studio), nessuna quantità di microfoni o elaborazione ad alto prezzo potrebbe essere in grado di portarti dove devi andare.
In generale, le voci suonano meglio quando registrate in uno spazio più stretto, ma non troppo stretto. Le sale dal soffitto basso possono anche essere un problema con i cantanti rumorosi poiché tendono a suonare a determinate frequenze medio-basse, che potrebbero essere difficili da eliminare in seguito.
I parabrezza sono in realtà di scarsa utilità quando si registra un cantante con una cattiva tecnica. Ci sono due diversi tipi di persone in questa categoria: le persone che non hanno mai cantato con il rinforzo del suono e le persone che hanno sviluppato cattive abitudini dall'uso di un microfono sul palco.
Il disaccoppiamento del supporto dal pavimento e il microfono dal supporto contribuiranno a eliminare i rumori indesiderati. Posiziona il supporto su un paio di tappetini per il mouse o un tappeto per una soluzione economica ma efficiente.

Basta segnare il pavimento con del nastro adesivo per far sì che il cantante si trovi nella giusta posizione davanti al microfono, ma può facilmente spostare la testa fuori posizione. Un modo semplice per avere un vocalist calibro della distanza è a mano lunghezze. Una mano aperta è di circa otto pollici mentre un pugno è di circa quattro pollici. Dicendo: "Stai lontano una mano", il vocalist può facilmente giudicare la sua distanza e di solito non dimentica (vedi Figura 1).

Figura 1 - Impostazione della distanza vocale a mano.

Eliminando pop, lip smack e alito

A prescindere da quanto possa sembrare un microfono un cantante, una traccia vocale con pop, lip smack e breath blast continueranno a essere considerati "cattivi suoni" da tutti i soggetti coinvolti. Questi sono in realtà abbastanza facili da controllare con il posizionamento del microfono e un po 'di sperimentazione. Ecco da dove cominciare se i rumori indesiderati generati dal cantante si insinuano nella tua traccia vocale.

Posiziona il microfono puntando sopra le labbra (a circa il livello del naso) in modo che il respiro del cantante sia proprio sotto la capsula (vedi Figura 2).
Muovi il microfono di tre o quattro centimetri sopra la bocca del cantante e puntalo verso la bocca. Questo pulisce anche i rumori della bocca e il suono nasale con cui alcuni cantanti hanno un problema (vedi Figura 3).
Se il popping continua, sposta il microfono di qualche centimetro in più e / o più lontano.
Se il popping continua, ruotare leggermente il microfono fuori asse.
Se il popping continua, cambia il pattern direzionale del microfono in omni.

Figura 2 - Posizionamento del microfono vocale utilizzando un microfono a condensatore a diaframma largo.

Figura 3 - Posizionamento del microfono vocale Mirando verso il basso.

Selezione del microfono

L'ultimo punto su come cambiare il pattern del microfono in omni-direzionale può essere un salvataggi e può anche suonare meglio su un vocalist che su un microfono direzionale. Per anni sono stato assunto da un grande produttore perché gli piacevano i suoni vocali che avevo per lui, ma il segreto era che registravo sempre il vocalist usando un pattern omni. Il che ci porta ad un buon punto da ricordare:

Usa ciò che suona bene, non perché gli altri lo usano o sembra buono.

Troppo spesso, ingegneri e musicisti usano un microfono perché è un "microfono vocale" o leggono che qualcuno lo ha usato sul loro cantante preferito. Prima di tutto, non credere a tutto ciò che leggi perché gli ingegneri sono noti per dare meno informazioni veritiere nel tentativo di proteggere "il loro suono". In secondo luogo, un microfono che funziona bene per un cantante su una traccia potrebbe non funzionare su un'altra , dal momento che la strumentazione, la disposizione e la dinamica della canzone possono essere diverse. Infine, ci sono molti malintesi sui microfoni che sono presumibilmente "perfetti per la voce".

Che ci crediate o no, i microfoni a diaframma largo non sono sempre ideali per la registrazione vocale. Proprio come molte tracce di grandi voci hanno preso vita attraverso un microfono dinamico come uno Shure SM-7 (o anche un SM-58!) O un piccolo condensatore a diaframma come un Neumann KM-84/86 come un classico diaframma largo condensatore. Per citare di nuovo la seconda costante sopra riportata, "Il miglior microfono in casa non ottiene necessariamente i migliori suoni vocali."

Il microfono sospeso

Tutti hanno visto le foto del grande microfono a diaframma vintage appeso a testa in giù davanti al cantante (vedi Figura 4). Molti ingegneri pensano che sia una dichiarazione di moda o una sorta di comodità, ma ci sono davvero molte buone ragioni per posizionare un microfono in questo modo. Qui ci sono solo alcune cose da considerare:

Figura 4 - Microfono a condensatore a tubo sospeso.

Gran parte della ragione per cui si appende un microfono a testa in giù è perché molti dei primi microfoni da studio utilizzavano l'elettronica a valvole. Il calore che sale dal tubo può far cambiare il diaframma nel tempo, il che cambierà il suono del microfono. Posizionando il tubo sopra la capsula si farà salire il calore senza passare sul diaframma.
Un eccellente sottoprodotto di cantare leggermente verso l'alto in un microfono perché è posizionato capovolto è che forza le vie aeree del cantante aperte e incoraggia una voce piena del corpo. Fai un respiro profondo e canta una nota bassa. Inizia con il mento verso il petto e solleva lentamente la testa fino a quando il mento è di circa 15 gradi sopra il livello. Ascolta qualsiasi differenza?
Forse ancora più importante, il microfono può essere posizionato in modo che il cantante abbia meno probabilità di dirigere scoppi d'aria popping nel microfono.
È più facile per il cantante leggere qualsiasi musica o testo poiché è fuori mano.

Posizionamento del microfono vocale

Proprio come con qualsiasi altro strumento, il posizionamento del microfono è la chiave per un grande suono vocale, ancor più della selezione del microfono. Ecco alcuni elementi da considerare quando si posiziona il microfono per la prima volta.

Sposta la voce nella grande parte dello studio. Tutte le voci e gli strumenti suonano meglio quando c'è uno spazio per lo sviluppo del suono. Puoi ridurre i riflessi indesiderati dalla stanza posizionando dei deflettori attorno al cantante.
Posiziona il microfono con la capsula quasi con il naso dei cantanti. Si ottiene solo una piccola espulsione dal respiro che causa schiocchi. Se il popping continua, ruotare leggermente il microfono fuori asse. La distanza varierà ampiamente a seconda del cantante, del tipo di suono che si sta tentando di ottenere e della capacità di gestione SPL del microfono. In alcuni casi tra i quattro ei dodici pollici dovrebbe funzionare nella maggior parte dei casi, ma usare il posizionamento delle mani per mantenere il cantante alla stessa distanza (vedere la Figura 1). Per un sussurro, avvicinati ancora di più di quattro pollici e usa le dita per determinare la distanza che il vocalist ricorda.
Usa il microfono come esca e metti il microfono di registrazione su un paio di metri dietro di esso se un vocalist ha difficoltà a stare nel posto giusto o vuole mangiare il microfono. Anche se il suono potrebbe essere un po 'più distante, sarà anche molto più coerente.
Molti cantanti sono solo più a loro agio con un microfono a mano come usano sul palco. Non aver paura di dare loro un SM58 se rende le loro prestazioni più comode e facili. Registrazioni vocali più grandi di quelle che realizzi sono state fatte su un microfono a mano.

Voce di sfondo

Le voci di sottofondo sono diverse dalla registrazione delle voci soliste poiché solitamente sono composte da più di un cantante, pertanto la tecnica di registrazione è leggermente diversa. A causa di tutte le possibili variazioni nei cantanti di sottofondo (numero di cantanti, maschi o femmine, maschi e femmine, ecc.), L'approccio alla registrazione deve venire da una mentalità leggermente diversa.

Costanti vocali di sottofondo

Proprio come la registrazione di voci soliste, ci sono un certo numero di costanti che di solito valgono quando si registra una voce in background, come ad esempio:

Il migliore o il più singolare è un cantante, più è difficile per loro cantare una voce di sottofondo che si fonde bene con altri cantanti perché la voce è così riconoscibile.
Se il cantante solista sta cantando tutte le parti di sottofondo o fa parte dell'ensemble vocale di sottofondo, utilizzando lo stesso microfono su cui sono state registrate le voci soliste causerà un accumulo di eventuali picchi nella voce dei cantanti, microfono o stanza. Prova ad usare un microfono diverso per gli sfondi per evitare questo.
Se i cantanti hanno difficoltà a mimetizzarsi o cantare intonati, rimuovendo un lato delle cuffie, o almeno rimettendole leggermente sull'orecchio, a volte li aiuta a regolarsi poiché possono sentire la miscela vocale acusticamente.
Le migliori miscele di background derivano solitamente dall'avere più cantanti posizionati attorno a un singolo microfono o coppia stereo.
I condensatori cardioidi a diaframma largo vengono utilizzati perché combinano un effetto di prossimità e un leggero misuratore midrange insieme a un leggero sollevamento nelle gamme di frequenza superiore. Questo accentua la porzione "aerea" del suono (o al contrario, preleva la parte "non-aria") che aiuta le voci di sottofondo a sedere meglio nel mix.
Tuttavia, il microfono non deve essere sempre un grande condensatore a diaframma. A volte la naturale compressione del volume e dei transienti offerta da un microfono dinamico manterrà la voce molto più sotto controllo di un condensatore.
Prova a fare qualcosa di diverso su ogni traccia. Un microfono, un preamplificatore microfonico, una stanza, un cantante o una distanza diversa dal microfono contribuiranno a rendere il suono più grande.

Posizionamento

Inizia con un grande condensatore a diaframma in omni a pochi passi dai cantanti.
La tecnica standard di produzione del jingle: impila le sovraincisioni con tre vocalist su una coppia di microfoni in una configurazione X-Y o usa un microfono stereo. Invitali a cantare ogni parte all'unisono, quindi cambia posizione attorno al microfono e raddoppia. Fai lo stesso per tutte le parti.
Per le voci di sottofondo molto spesse (a la Def Leopard), tagliare quattro tracce della radice, due tracce dell'armonia, quindi una o due "tracce sussurro" di ciascuna parte. Comprime pesantemente le tracce di whisper. Aggiungeranno "l'aria" di 100 sovraincisioni.
Molte delle tecniche utilizzate per registrare un coro funzionano anche per le voci di sottofondo (come la coppia Blumlein).

voiceovers

È facile dimenticare che c'è di più nella registrazione audio che nella musica. Le voci fuori campo per televisione e film, spot pubblicitari e audiolibri (per citarne alcuni) richiedono un altro approccio poiché la natura della registrazione è diversa.

Le costanti

La cosa peggiore che può capitare in un voice-over è un pop, e quindi deve essere evitato a tutti i costi.
I requisiti di spazio per il lavoro VO sono in qualche modo meno impegnativi rispetto a uno spazio di registrazione musicale. La stanza dovrebbe essere acusticamente morta (non troppo morta però), ma la cosa più importante è che deve essere davvero silenzioso. Nulla rovinerà un punto o una storia più veloce della riverberazione di una piccola stanza sul VO o di un rumore proveniente dal mondo esterno.
Anche tra le voci professionali, ci sono alcune le cui voci suoneranno bene su quasi tutto, mentre altre hanno bisogno di un microfono specifico per ottenere il suono giusto. Se stai registrando la persona media, le variazioni aumentano a causa del livello di abilità del locatore.
La selezione del microfono, la quantità di EQ e la compressione utilizzati dipendono totalmente dalla voce che stai registrando.

Posizionamento

Ecco il modo classico di registrare i VO: posiziona il microfono da quattro a otto pollici dal talento (un pugno o una mano estesa) e dall'asse fuori asse di circa 45 gradi per evitare di scoppiare. Comprimi da 9 a 12 dB a rapporto 4: 1 con attacco e rilascio il più velocemente possibile (vedi Figura 5)

Figura 5 - Voice Over con un RE-20.

Altri trucchi vocali

Esistono diverse tecniche di overdubbing vocale comunemente utilizzate di cui ogni ingegnere e produttore dovrebbe essere a conoscenza. Sebbene le tecniche seguenti si riferiscano alla voce, possono essere utilizzate praticamente per qualsiasi strumento.

Raddoppio vocale

Il raddoppio di una voce solista è stato utilizzato fino a quando ci sono stati registratori multitraccia. I Beatles sono andati indietro quando stavano usando solo un nastro magnetico a 4 tracce e in realtà non avevano una traccia da vendere, il che ti dice quanto sia potente uno strumento che può essere.

Raddoppiare una voce (far cantare la stessa frase o la stessa frase due volte e riprodurre entrambe le parti) funziona per due motivi; rende più forte un suono vocale e maschera le incongruenze di accordatura nella parte.

Mentre la tecnica del raddoppio può funzionare per un gran numero di cantanti, a volte non suona bene se entrambe le tracce vocali vengono riprodotte allo stesso livello. Prova ad aggiungere la seconda voce a 6-10 dB meno della traccia che ritieni più forte. Ciò aggiungerà un po 'di supporto ad una voce altrimenti debole senza sembrare raddoppiata.

Impilamento vocale

Una derivazione da raddoppiare è l'accatastamento vocale, una tecnica normalmente usata su armonie vocali. Come il raddoppio, l'impilamento può rendere più forte l'armonia di una parte vocale, attenuando le incongruenze di accordatura.

Un esempio di impilamento vocale sarebbe un gruppo vocale composto da tre parti che cantano una parte di armonia in tre parti. Una volta completato il primo passaggio, raddoppieranno le parti esatte cantandole esattamente allo stesso modo, quindi triplicheranno o più, tutto nel tentativo di ottenere un suono più pieno. Un piccolo trucchetto che fa sembrare uno stack più grande è quello di far sì che i cantanti facciano un passo indietro dal microfono con ogni passaggio vocale mentre l'ingegnere aumenta il guadagno del microfono per compensare la distanza (in altre parole, il misuratore di livello legge lo stesso per entrambi ). L'atmosfera aumentata della stanza aumenterà naturalmente il suono senza dover ricorrere a mezzi artificiali.

Un altro trucco sarebbe quello di far cambiare le parti con ogni passaggio. In altre parole, il cantante nella parte più alta dell'armonia in 3 parti passerebbe al livello più basso, quello nella parte centrale si sposterà al più alto e la parte bassa si sposterà nella parte centrale. Ovviamente, questo presuppone che i cantanti siano professionisti e capaci di cambiare le parti vocali senza troppi problemi e che le loro voci siano effettivamente in grado di eseguire le nuove parti.

Compitazione vocale

Una delle migliori tecniche per ottenere una grande voce è compilare una traccia vocale master con bit e pezzi da un numero di passaggi precedenti. Questo è noto come "comping" ed è diventato un metodo standard per ottenere una buona dose di quasi tutte le parti.

Comping è anche un metodo preferito da un gran numero di cantanti poiché rende il loro lavoro abbastanza facile. Dopo il riscaldamento, fai cantare la parte almeno tre volte (più sono e meglio), quindi mandali a casa. Sta ora a te fare una master track insieme.

Suggerimenti per Comping

Mentre puoi compattare una traccia da solo due passaggi, più passa meglio è, fino a un certo punto. Troppi passaggi diventa confuso e richiede troppo tempo per essere risolto. Il numero ideale di passaggi sembra essere cinque o sei, anche se molti produttori faranno cantare la canzone fino a quando non otterrà quasi il prefetto prima di passare a passaggi aggiuntivi per il comping. Indipendentemente dal numero di passaggi e dalla qualità delle prestazioni, se prendi buoni appunti durante ogni pass, troverai che la tua comp può essere finita in pochissimo tempo.

Non commettere errori a riguardo, prendere appunti è la chiave di questo processo ed è meglio farlo mentre si registra ogni passaggio vocale piuttosto che durante la riproduzione in seguito. Mentre è possibile comp singole parole o anche sillabe, comping by phrase è il più semplice. Ecco come farlo.

Prendi una copia dei testi. Assicurati che la canzone sia divisa in frasi chiare.
Come canta il cantante, eseguirai i seguenti segni dopo ogni frase:
↑ nitido, ↓ piatto, G per sempre, VG per molto buono, X per cattivo,? per "Non posso decidere"
Posizionerai un 1 per il "primo passaggio" o userai il nome della traccia e realizzerai i tuoi segni su quella linea. Fai lo stesso per ogni passaggio.
Dopo ogni frase che canta il cantante, posiziona un segno sotto (vedi figura 7) per indicare la tua valutazione.

Figura 6 - A Comp Sheet.

Alla fine dell'ultimo passaggio del cantante, avrai una buona idea di quali frasi sono i custodi. Avrai anche un'idea di quali frasi non hanno una presa accettabile, e puoi chiedere al cantante di darti quella linea finché non hai ciò di cui hai bisogno.
Dopo tutti i passaggi, vedi se riesci a mettere insieme una voce di tutte le frasi VG. Se una frase con un segno VG non suona bene come inizialmente pensavi, vai alla voce G contrassegnata e vedi se uno è accettabile. Se non riesci a trovarne uno che funzioni contrassegnato, VG o G, passa attraverso gli altri passaggi per vedere un passaggio "?". Se ancora non riesci a trovare un take accettabile, ripassa di nuovo i passaggi e ascolta i passaggi che hai contrassegnato con una X per vedere se cambi idea su una delle frasi che consideri inaccettabili prima.
Se hai ancora una frase che non è buona come ti serve, compatta per parole o sillaba o usa la sintonizzazione automatica per ottenere ciò di cui hai bisogno.

Comping in questi giorni è una procedura di sessione standard che viene utilizzata non solo per le voci, ma per le tracce di tutti i tipi, quindi vale la pena farla bene. La tecnica ti darà grandi risultati e ti farà risparmiare molto tempo, così come tutti gli altri suggerimenti menzionati in precedenza.

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