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È facile pensare che ottenere un buon mix sia solo una questione di spingere verso l'alto alcuni fader, ottenere un equilibrio ragionevole, aggiungere alcuni effetti e il tuo risultato. Certo, potrebbe funzionare per un mix approssimativo, ma c'è molto di più che va a fare un grande mix che va ben oltre il problema fondamentale dell'equilibrio. Queste sono le cose che di solito richiedono esperienza o un mentore da realizzare. Anche se è molto più facile guardare e ascoltare mentre un grande mixer fa la sua cosa, lascia che indichino un numero di beni immateriali che sono di vitale importanza per un grande mix. La consapevolezza è sempre il primo passo nell'apprendimento, quindi ecco alcune cose da considerare prima di iniziare a spostare i fader intorno.
È davvero facile rimanere invischiati nella parte audio dell'ingegnere, ma a meno che tu non consideri seriamente come viene messa insieme la musica stessa (supponendo che sia ciò che stai ingegnando, ovviamente), probabilmente il tuo prodotto finale non suonerà grande non importa quanto sei bravo a bilanciare le piste.
Sono sicuro che chiunque abbia una piccola esperienza ha scoperto che l'arrangiamento è solitamente il problema numero 1 non audio in un mix. In questi giorni di tracce illimitate, è fin troppo facile accumulare sempre più elementi musicali insieme a doppi e tripli e pile di tutto ciò che si può pensare. Puoi tranquillamente finire con un centinaio di tracce da attraversare, e questo ti dà un compito impossibile di farlo sembrare qualcosa di più di un batuffolo di denso audio appiccicoso. Un buon produttore di solito apporta un po 'di senso all'arrangiamento, abbassa le cose fino a dove è ragionevole, ma a volte il produttore è colui che richiede tutto, ma il lavandino della cucina deve essere aggiunto. E se il cantautore non ha un senso innato di arrangiamento (molti lo fanno, per fortuna), hai un casino sulle tue mani.
Questo è il motivo per cui è importante che il tecnico di mixaggio sia a conoscenza di alcuni principi base dell'arrangiamento musicale, perché gran parte dell'essere un tecnico di missaggio è sapere quando mettere in sordina le cose e sapere quali elementi hanno la precedenza su una certa parte della melodia.
Il buon equilibrio inizia in realtà con una buona sistemazione, quindi è importante capire la disposizione perché molta della miscelazione è in realtà sottrattiva per natura. Ciò significa che l'arrangiamento, e quindi l'equilibrio, viene modificato dal semplice atto di silenziare o abbassare il livello di uno strumento la cui parte non si adatta bene a un altro. Se gli strumenti si combinano bene insieme e non combattono tra loro, allora la tua vita di mixer è diventata immensamente più facile. Ma cosa significa esattamente "combattersi l'un l'altro"?
Combattere significa che due elementi mix richiedono attenzione allo stesso tempo. Potrebbe essere che i ritmi si scontrino o che le gamme di frequenza dello strumento siano uguali o che i suoni generali siano troppo simili. Indipendentemente da ciò, l'orecchio non sa cosa ascoltare perché ognuno richiede attenzione, quindi si confonde. Quando l'orecchio si confonde, si affatica anche, e quando si affatica, perde interesse all-insieme. Hai appena sconfitto l'intenzione del mix, in primo luogo, che è per attirare l'attenzione, non perderla.
Quindi come fai a girare due strumenti "combattendo" l'un l'altro? Innanzitutto è un arrangiamento ben scritto che mantiene gli strumenti lontani gli uni dagli altri fin dall'inizio. I migliori scrittori, arrangiatori e produttori hanno una sensazione innata per ciò che funzionerà in base alla disposizione e il risultato è un arrangiamento che risiede automaticamente senza molto aiuto. L'esperienza aiuterà anche uno scrittore o un arrangiatore a conoscere abbastanza rapidamente ciò che funziona insieme e cosa no.
Ma non è raro lavorare con un artista o una band che non è sicuro della disposizione (molto comune), o è nel sperimentare ogni suono che riescono a trovare, o semplicemente permette a uno strumento di suonare per tutta la canzone invece che solo sezione prevista, creando così numerosi conflitti. È qui che il mixer ha la possibilità di riorganizzare la traccia mantenendo ciò che funziona e disattivando o abbassando lo strumento o gli strumenti in conflitto. Non solo il mixer può influenzare la disposizione in questo modo, ma anche la dinamica e lo sviluppo generale della canzone.
Per capire come l'arrangiamento influenzi l'equilibrio, dobbiamo prima capire la meccanica di una disposizione ben scritta.
Gli arrangiamenti più ben concepiti sono limitati nel numero di elementi che si verificano nello stesso momento. Un elemento può essere un singolo strumento come una chitarra solista o una voce, oppure può essere un gruppo di strumenti come il basso e la batteria, una linea di chitarra raddoppiata, un gruppo di cori, ecc.. Generalmente, un gruppo di strumenti che suonano esattamente lo stesso ritmo è considerato un elemento. Esempi: una chitarra solista raddoppiata o una voce doppia è un singolo elemento, così come una voce solista con due armonie aggiuntive che cantano la stessa melodia. Se il basso suona molto forte con il calcio e il rullante, anche questo può essere un singolo elemento. Due chitarre principali che suonano parti diverse sono due elementi, tuttavia. Anche una chitarra solista e una chitarra ritmica sono due elementi separati. Quindi cos'è un elemento allora?
Ci sono 5 elementi in ogni disposizione.
Il problema più grande con la maggior parte degli arrangiamenti che non funzionano è che hanno troppi elementi che si verificano allo stesso tempo. Non puoi avere 4 elementi di percussione, 5 elementi di chitarra, 3 elementi di tastiera, una sezione ritmica e voce solista e di sfondo e non essere fisicamente stanco dall'ascoltare perché c'è troppo da fare!
La mente desidera inconsciamente la semplicità e ricompensa un semplice accordo con attenzione, che è ciò che vogliamo che accada, naturalmente. Ma cosa significa semplicità?
Non dovresti mai avere più di 4 elementi che si verificano nello stesso momento. Puoi farcela con 5 ogni tanto, ma 4 è di solito il massimo. "Ma di solito ci sono più di 4 strumenti che suonano nella maggior parte delle cose che ascolto in questi giorni", dici? Sì, ma di solito suonano le stesse parti. Ad esempio, se hai una parte di chitarra raddoppiata con una terza traccia che suona la stessa parte di un'ottava sopra, sono 3 strumenti che suonano solo 1 parte, quindi conta come solo 1 elemento. Se una chitarra raddoppia una linea di basso, questo è solo 1 elemento. Se hai una voce solista che è raddoppiata con un'altra vocale di un'ottava sopra, è ancora solo 1 elemento. Un'orchestra sinfonica può avere 120 strumenti, ma quando la si suddivide, suonano solo un numero limitato di elementi. Alla fine, tutto si riduce a 4 dei 5 elementi sopra menzionati.
Ecco alcuni esempi di come gli elementi di arrangiamento funzionano in varie canzoni. Se sembrano familiari, è perché ho usato alcuni di questi esempi nel Manuale di Mixing Engineer, ma sono una buona recensione anche se li hai letti prima.
Nello standard radio di Bob Seger Movimenti notturni, gli strumenti che suonano sono basso e batteria, chitarra acustica, pianoforte, organo Hammond, voce solista e voce di sottofondo. È così che si scatenano.
Di solito una chitarra acustica cade nella categoria Rhythm mentre la strumming sta spingendo la band e creando eccitazione. Nel "Movimenti notturni", Tuttavia, la chitarra acustica viene spostata di livello nel mix in modo che si fonda nella sezione ritmica, diventando effettivamente parte dell'elemento Foundation. È così che il mixer può influenzare il mix di equilibrio quando è consapevole della disposizione.
Alanis Morissette Grazie contiene diversi buoni esempi di ritmo e pad. Ciò che è diverso è che ci sono due serie di ciascuna; uno per l'introduzione e il coro e un set diverso per i versi.
Ovviamente in questo brano c'è ancora molto altro in pista, ma ogni traccia aggiuntiva sostituisce o raddoppia gli elementi di cui sopra. Il numero di elementi rimane costante.
Gnarls Barkley's Crazy è una canzone molto spogliata con pochissimi strati, ma i quattro elementi principali sono sempre lì.
Questa canzone è insolita in quanto il basso con la linea di chitarra raddoppiata spinge effettivamente la canzone in avanti e diventa effettivamente il ritmo. Abbastanza insolito, ma efficace!
Rascal Flatts 'What Hurts The Most' è un esempio della "nuova" musica country, che ricorda da vicino la musica pop a strati, tranne che con l'aggiunta di strumenti country tradizionali (chitarra d'acciaio, banjo, violino).
Questa canzone è insolita perché non ha una linea di firma, o elemento di riempimento, nell'introduzione e nell'outro e un riempimento vero in un solo punto per ciascuno. Anche il basso è mixato molto forte e occupa molto spazio nel mix.
Questa canzone è diversa perché non c'è un vero Pad nel senso tradizionale, ma la chitarra in acciaio che suona in sottofondo fa bene la parte e mostra che è possibile che gli strumenti non tradizionali suonino quel ruolo.
Ci sono un paio di regole facili da ricordare che renderanno sempre gestibile anche la sistemazione più densa.
Come detto prima, non ci dovrebbero essere più di quattro elementi che suonano allo stesso tempo. A volte tre elementi possono funzionare molto bene. Molto raramente funzioneranno cinque elementi simultanei. Questo è il tuo obiettivo principale come mixer. Fai in modo che il produttore e l'artista siano consapevoli di quanto migliore sarà il mix con meno elementi anziché più.
Ora se qualcuno (come l'artista) è sposato con una parte, non c'è mica accattonaggio, supplica o spettacolo e si dice che cambierà idea, quindi una cosa che puoi fare è controllare il bilanciamento degli strumenti incriminati. Se 2 o più elementi stanno combattendo, non possono vivere allo stesso livello, quindi preparati a diventare un personaggio di supporto. A volte un elemento tirato indietro nel mix può fondersi in un altro elemento e renderlo effettivamente più interessante, ma solo se viene osservato il seguente punto.
Questa regola è così importante che deve essere sottolineata. La disposizione si adatterà meglio se tutti gli strumenti si trovano nella propria gamma di frequenze. Ad esempio, se un sintetizzatore e una chitarra ritmica suonano gli elementi del contatore nella stessa ottava, di solito si scontreranno. La soluzione dovrebbe cambiare il suono di uno degli strumenti in modo da riempire gamme di frequenza diverse, far suonare una ottava diversa o farle suonare in momenti diversi ma non insieme.
Quando due strumenti con essenzialmente la stessa banda di frequenza suonano allo stesso volume allo stesso tempo, il risultato è una lotta per l'attenzione. Pensare in questo modo; di solito non senti una voce solista e un assolo di chitarra contemporaneamente, vero? Questo perché l'orecchio umano non è in grado di decidere quale ascoltare e di conseguenza diventa confuso e affaticato.
Le chitarre spesso si battono per cercare di essere ascoltati. Questo di solito accade quando hai un chitarrista che impila parti usando la stessa chitarra ed amplificatore, o in una situazione live quando hai due chitarristi con lo stesso tipo di chitarra ed amplificatore (due Les Paul e due Marshall che usano le stesse impostazioni di pickup sarebbe lo scenario da incubo, per esempio).
In studio, la prima cosa che devi fare è convincere il chitarrista che è davvero a suo vantaggio provare a suonare alcune di queste parti meravigliose con una chitarra o un amplificatore o un cabinet dell'altoparlante diverso o anche tutto quanto sopra. Ciò renderà qualsiasi parte o stack appena più interessante senza dover nemmeno toccare una manopola EQ. È più facile a dirsi che a farsi, perché a volte un chitarrista si sposerà con il suo (o suo) suono o chitarra e si rifiuterà di cambiare (come una razza, noi chitarristi siamo così). Ora è il momento di raggiungere l'EQ. A proposito, cambiare pedali non conta in questa situazione dato che di solito aumentano il guadagno e potrebbe non cambiare molto il bilanciamento della frequenza dello strumento. Un pedale di modulazione può funzionare se cambia lo spettro tonale dello strumento.
In termini di band che suonano dal vivo in un concerto o in studio con i chitarristi che utilizzano gli stessi strumenti e amplificatori del modello, è ora che sia il momento di insegnare loro perché i controlli di tono sono stati messi su amplificatori. Come regola generale, la maggior parte dei musicisti non ha idea di come utilizzare qualsiasi cosa che regola le bande di frequenza del proprio strumento. Ci sono 3 motivi generali per usare l'equalizzatore dell'amplificatore:
1. Molti strumenti (come il basso e la chitarra) hanno punti morti sullo strumento dove alcune note possono cadere di livello. Un po 'di equalizzazione può aiutare a chiarire le cose se è possibile azzerare la banda di frequenza delle note che stanno cadendo.
2. È necessario compensare una carenza di frequenza ad ampio raggio. Questo potrebbe significare una situazione in cui uno Strat potrebbe non avere abbastanza fondo quando viene riprodotto attraverso un Marshall Jubilee in modo da aggiungere un po 'di basso con i controlli di tono per compensare. D'altra parte, una Les Paul attraverso lo stesso amplificatore potrebbe essere troppo pesante in basso in modo da sottrarre un po 'di fondo. E poi quella stessa Strat potrebbe avere solo una gamma media che è come un rompighiaccio attraverso i timpani su certe note, quindi ti ritraggono un po 'di medio raggio e tiri fuori la ripresa dalle orecchie.
3. E infine, nei nostri due scenari Les Paul - due Marshall in cui 2 giocatori usano gli stessi strumenti e amplificatori del modello. Per adattarsi bene in base alla frequenza, un giocatore dovrebbe regolare il suo tono per avere un po 'più in basso e forse scavare il midrange inferiore mentre l'altro giocatore andrebbe in cerca di più top-end con un picco midrange proprio dove l'altro lo ha raccolto su. Eccolo lì: miscela istantanea.
Certamente le cose non sono mai così facili nella vita reale. La maggior parte dei chitarristi non arriva mai ai nirvana con il loro suono, e non si discosteranno mai da nulla con cui sono a loro agio. Ma se riescono a sentire il successo della tecnica in studio, in genere sono un po 'più aperti alla sperimentazione in seguito. Naturalmente puoi sempre dire loro che xxx (inserisci il loro artista preferito) fa così, perché probabilmente lo fa.
Ogni canzone ha qualcosa che è il punto di interesse principale o qualcosa di così avvincente che non puoi toglierti le orecchie (se non lo fa, rimetti la canzone sul tavolo da disegno.) Non è completa).
Sebbene avere il controllo su come i cinque elementi precedenti possono sembrare sufficienti per molti tipi di lavori audio, e potrebbe essere giusto per ottenere un mix decente, la musica più popolare richiede un mix che può portare la canzone ad un altro livello. Anche se è sempre più facile con grandi brani, arrangiamenti solidi e riproduzione spettacolare, un grande mix può prendere semplicemente tracce OK e trasformarle in materiale di successo così avvincente che le persone non ne hanno mai abbastanza. È stato fatto su alcune delle tue canzoni preferite di tutti i tempi.
Quindi, come possiamo arrivare a quel punto?
Più che essere tecnicamente corretto, un mix deve essere interessante quanto un buon film. Deve costruire fino al culmine pur avendo punti di tensione e di rilascio per mantenere l'ascoltatore coinvolto inconsciamente. Proprio come un film sembra più grande della vita, un grande mix deve suonare più grande della vita reale. La passione e l'emozione devono essere ad un livello in cui l'ascoltatore viene risucchiato e costretto ad ascoltare.
E il modo di farlo? Trova qualsiasi elemento è il più importante per la canzone. In alcuni casi (come la musica dance e rap), l'elemento più importante è il groove. Eppure in altri generi (come Country), è la voce. It Rock and Pop potrebbe essere una linea di firma o un gancio.
Anche se l'elemento più importante è spesso la voce solista, non deve necessariamente esserlo. Potrebbe essere un riff come da The Stone's Soddisfazione e Avviami o l'introduzione ai Coldplay orologi o il ritmo dei versi di The Arctic Monkey's Scommetto che stai bene sul dancefloor. È sempre una parte così avvincente che ti costringe ad ascoltare la canzone.
Qualunque sia la parte più importante, il mixer deve identificarlo e enfatizzarlo nel mix in modo che il mix sia elevato oltre l'ordinario.
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