Alcuni compositori godono ancora dello straordinario privilegio di lavorare con un'orchestra dal vivo per registrare il proprio lavoro. Immagina di avere un'orchestra d'archi composta da 60 elementi che siederà davanti a te, pronta a suonare la tua ultima composizione. Una sezione completa di fiati e ottoni proprio lì, in attesa di eseguire i tuoi ordini! Quindi, come crei le tue idee musicali in modo tale che ciascuna parte suoni perfettamente su misura e "giusta" per quello strumento?
Come suona effettivamente il clarinetto in una particolare gamma di ottave data? Questa parte sarà troppo bassa per l'oboe? Come può la mia parte di violoncello qui accompagnare al meglio quella fantastica melodia di violino che ho appena scritto? E quando inserirò le trombe francesi - come cambierà il "sentire" complessivo del brano in questo particolare momento?
In questo articolo introduttivo a un tema molto complesso e sfaccettato, esamineremo alcune delle nozioni di base che possono indicarti la giusta direzione, eventualmente con alcuni interessanti brani musicali a titolo di esempio.
Prima di tutto, aiuta a ricordare che la scrittura orchestrale è un mestiere che risale a secoli fa. Un bel po 'di personaggi famosi sono già stati lì e l'hanno fatto, alcuni di loro piuttosto bene! Quindi non è una cattiva idea vedere cosa possiamo imparare da loro.
La dimensione e il trucco dell'orchestra si sono evoluti nel tempo a partire dalle sezioni "pre-classiche" e "classiche" e "due" di ciascuna sezione "woodwind", fino alle orchestrali "romantiche" molto più pesanti di Ciajkovskij, Wagner e Mahler. Il genere di romanzi d'epoca ambientati durante il diciannovesimo e l'inizio del ventesimo secolo utilizzava in genere sezioni di spago e legni più grandi, un grande complemento di ottone e una gamma completa di percussioni orchestrali.
Poi ci sono gli strumenti stessi. Alcuni di essi si sono evoluti in modo radicale; trombe e trombe francesi divennero strumenti a valvole durante questo periodo, consentendo loro di suonare cromaticamente, cosa che prima non era possibile.
Quindi, che dire del tipo di punteggio moderno che viene spesso fatto per film di successo e giochi leader del mercato? Non posso fare di meglio che suggerire di iniziare a studiare alcuni degli spartiti orchestrali che sono già stati scritti, in particolare quelli del periodo romantico, in cui la dimensione dell'orchestra e il tipo di scrittura dello spartito sembrano adattarsi meglio all'approccio moderno.
Proprio di recente, ho ascoltato Prima sinfonia di Mahler di nuovo, che conosco bene dai miei giorni da studente di musica, ed è rimasto colpito dal modo in cui suona "cinematico". La ragione di questo non è difficile da capire. Così tanti scrittori di spartiti cinematografici hanno copiato molte volte gli idiomi e le tecniche di questo e altri simili lavori orchestrali romantici, che sembra impossibile sentirli ora proprio come sarebbero stati percepiti in quel momento.
Ecco una clip dall'inizio del 4 ° movimento; com'è questo per un'apertura di incantesimi drammaticamente drammatica? Ascolta 1:44, nota il contrappeso muscolare tra violini e violoncelli nella sezione archi e il trombone dal suono minaccioso e il gesto del corno francese che segue. (L'estratto qui sotto è trascritto dal punteggio orchestrale.)
Oppure, ecco la quinta sinfonia di Shostakovitch; un classico romantico del 20 ° secolo. Nota il potente tema dell'ottone che entra in 37:10; preceduto da un fiato fiorito e poi punteggiato in tutto dalla sezione timpani. Roba epica; abbastanza potente per il climax drammatico di ogni film!
Ma hai notato il pathos del bellissimo assolo di arpa con l'accompagnamento di corde che lo precede a 35:07? Il punteggio qui è così semplice eppure così tenero, fragile e accattivante. (L'estratto qui sotto è trascritto dal punteggio orchestrale.)
La realtà è che molti di noi non incontreranno mai la nostra orchestra da sogno per una sessione in studio. Dobbiamo essere soddisfatti di una serie di campioni, lavorando nel contesto del nostro pacchetto sequencer.
Al giorno d'oggi, l'orchestra MIDI può essere uno strumento piuttosto impressionante e potente, specialmente con campioni nella fascia più alta del mercato. Ma usarlo è in realtà un tipo di esperienza molto diversa rispetto alla realtà.
Qualcuno l'ha paragonato a un'animazione computerizzata. Un designer di talento potrebbe senza dubbio fare un'animazione computerizzata di grande effetto per qualsiasi celebrità. Quando lo vedi, diresti che ti ricorda davvero la persona reale. Ma incontrare la vera celebrità sarebbe una proposta completamente diversa.
Cerchiamo quindi di identificare alcune differenze chiave, in quanto ciò ci aiuterà effettivamente a scrivere per strumenti orchestrali in modo più efficace e in un modo molto più impressionante.
La vera orchestra è in grado di suonare alcune cose che sono praticamente impossibili da ricreare con il MIDI; ma allo stesso modo è molto facile scrivere parti che non possono essere suonate bene da musicisti dal vivo, se non del tutto.
Ecco quattro suggerimenti specifici che ti aiuteranno a evitare le evidenti insidie:
Scrivere bene per strumenti orchestrali significa quindi imparare a conoscere ciò che può funzionare bene nelle diverse gamme di ottave di ogni strumento; che tipo di frasi suona idiomatica. Ad esempio, una parte di flauto alto può suonare molto luminosa; effervescente, ma una frase legata scritta nell'ottava più bassa può sembrare melliflua, persino seducente.
Ecco un esempio famoso; l'apertura di Debussy's 'Preludio a l'apres-midi d'un faune'. Nota le istruzioni del compositore "dolce ed espressivo"; l'intervallo è l'ottava inferiore; la nota più bassa del flauto viene raggiunta nella Bar 9.
Ecco un altro breve estratto; l'apertura di poche battute caratterizza l'oboe questa volta. La nota più bassa sullo strumento è stata quasi raggiunta nel Bar 11. Questo estratto è stato recentemente messo in evidenza insieme ad altri del repertorio orchestrale che gli oboisti avrebbero dovuto suonare per fare audizioni per i migliori lavori orchestrali. Notare nella clip audio che il clarinetto fa eco all'oboe, anche nella sua ottava più bassa.
L'abbondanza di segni di espressione nella maggior parte dei punteggi orchestrali scritti ci dice che i musicisti orchestrali professionisti sono abitualmente tenuti a esibirsi con grande destrezza e controllo, oltre a far fronte a una grande quantità di complessità. Quindi, se ne avremo la possibilità, diamo loro davvero qualcosa di stimolante da giocare!
I lettori di archi sono anche molto versatili e possono facilmente creare parti in cui le corde trasversali suonano perfettamente, ma è comunque vero che alcuni tipi di frasi musicali sono più adatti a intervalli particolari per ogni strumento. Vale la pena ricordare che ogni strumento a corde orchestrale ha quattro corde, ciascuna impostata sulla propria accordatura; le corde più basse tendono ad avere un timbro leggermente più ricco, più scuro di quelli più alti.