Scrittura per strumenti orchestrali

Alcuni compositori godono ancora dello straordinario privilegio di lavorare con un'orchestra dal vivo per registrare il proprio lavoro. Immagina di avere un'orchestra d'archi composta da 60 elementi che siederà davanti a te, pronta a suonare la tua ultima composizione. Una sezione completa di fiati e ottoni proprio lì, in attesa di eseguire i tuoi ordini! Quindi, come crei le tue idee musicali in modo tale che ciascuna parte suoni perfettamente su misura e "giusta" per quello strumento? 

Come suona effettivamente il clarinetto in una particolare gamma di ottave data? Questa parte sarà troppo bassa per l'oboe? Come può la mia parte di violoncello qui accompagnare al meglio quella fantastica melodia di violino che ho appena scritto? E quando inserirò le trombe francesi - come cambierà il "sentire" complessivo del brano in questo particolare momento? 

In questo articolo introduttivo a un tema molto complesso e sfaccettato, esamineremo alcune delle nozioni di base che possono indicarti la giusta direzione, eventualmente con alcuni interessanti brani musicali a titolo di esempio.

Beethoven, Cajkovskij, Mahler e Shostakovitch

Prima di tutto, aiuta a ricordare che la scrittura orchestrale è un mestiere che risale a secoli fa. Un bel po 'di personaggi famosi sono già stati lì e l'hanno fatto, alcuni di loro piuttosto bene! Quindi non è una cattiva idea vedere cosa possiamo imparare da loro. 

La dimensione e il trucco dell'orchestra si sono evoluti nel tempo a partire dalle sezioni "pre-classiche" e "classiche" e "due" di ciascuna sezione "woodwind", fino alle orchestrali "romantiche" molto più pesanti di Ciajkovskij, Wagner e Mahler. Il genere di romanzi d'epoca ambientati durante il diciannovesimo e l'inizio del ventesimo secolo utilizzava in genere sezioni di spago e legni più grandi, un grande complemento di ottone e una gamma completa di percussioni orchestrali. 

Poi ci sono gli strumenti stessi. Alcuni di essi si sono evoluti in modo radicale; trombe e trombe francesi divennero strumenti a valvole durante questo periodo, consentendo loro di suonare cromaticamente, cosa che prima non era possibile.

Quindi, che dire del tipo di punteggio moderno che viene spesso fatto per film di successo e giochi leader del mercato? Non posso fare di meglio che suggerire di iniziare a studiare alcuni degli spartiti orchestrali che sono già stati scritti, in particolare quelli del periodo romantico, in cui la dimensione dell'orchestra e il tipo di scrittura dello spartito sembrano adattarsi meglio all'approccio moderno. 

Studiare musica orchestrale

Proprio di recente, ho ascoltato Prima sinfonia di Mahler di nuovo, che conosco bene dai miei giorni da studente di musica, ed è rimasto colpito dal modo in cui suona "cinematico". La ragione di questo non è difficile da capire. Così tanti scrittori di spartiti cinematografici hanno copiato molte volte gli idiomi e le tecniche di questo e altri simili lavori orchestrali romantici, che sembra impossibile sentirli ora proprio come sarebbero stati percepiti in quel momento. 

Ecco una clip dall'inizio del 4 ° movimento; com'è questo per un'apertura di incantesimi drammaticamente drammatica? Ascolta 1:44, nota il contrappeso muscolare tra violini e violoncelli nella sezione archi e il trombone dal suono minaccioso e il gesto del corno francese che segue. (L'estratto qui sotto è trascritto dal punteggio orchestrale.)

Oppure, ecco la quinta sinfonia di Shostakovitch; un classico romantico del 20 ° secolo. Nota il potente tema dell'ottone che entra in 37:10; preceduto da un fiato fiorito e poi punteggiato in tutto dalla sezione timpani. Roba epica; abbastanza potente per il climax drammatico di ogni film!  

Ma hai notato il pathos del bellissimo assolo di arpa con l'accompagnamento di corde che lo precede a 35:07? Il punteggio qui è così semplice eppure così tenero, fragile e accattivante. (L'estratto qui sotto è trascritto dal punteggio orchestrale.)

La maggior parte di noi sono orchestratori MIDI!

La realtà è che molti di noi non incontreranno mai la nostra orchestra da sogno per una sessione in studio. Dobbiamo essere soddisfatti di una serie di campioni, lavorando nel contesto del nostro pacchetto sequencer. 

Al giorno d'oggi, l'orchestra MIDI può essere uno strumento piuttosto impressionante e potente, specialmente con campioni nella fascia più alta del mercato. Ma usarlo è in realtà un tipo di esperienza molto diversa rispetto alla realtà. 

Qualcuno l'ha paragonato a un'animazione computerizzata. Un designer di talento potrebbe senza dubbio fare un'animazione computerizzata di grande effetto per qualsiasi celebrità. Quando lo vedi, diresti che ti ricorda davvero la persona reale. Ma incontrare la vera celebrità sarebbe una proposta completamente diversa. 

Cerchiamo quindi di identificare alcune differenze chiave, in quanto ciò ci aiuterà effettivamente a scrivere per strumenti orchestrali in modo più efficace e in un modo molto più impressionante.

Come rendere il tuo strumento più realistico da scrivere

La vera orchestra è in grado di suonare alcune cose che sono praticamente impossibili da ricreare con il MIDI; ma allo stesso modo è molto facile scrivere parti che non possono essere suonate bene da musicisti dal vivo, se non del tutto.  

Ecco quattro suggerimenti specifici che ti aiuteranno a evitare le evidenti insidie:

• I musicisti live hanno bisogno di respirare. Quella parte di flauto lirico che hai scritto; ti sei ricordato di scriverlo in frasi traspiranti? Anche se non hai scritto alcun ricordo, ci deve essere spazio da qualche parte per essere riproducibile e quindi credibile per ascoltare di nuovo. I giocatori di archi devono cambiare la direzione dell'arco mentre giocano e i giocatori devono respirare, quindi affinché i nostri arrangiamenti suonino correttamente, abbiamo bisogno di scrivere parti che tengano conto di ciò. 
  
• Quando dividi le parti di una stringa (ad esempio, i primi violini si dividono per suonare due parti), non essere tentato di riprodurre ogni parte con la stessa patch. Fare questo raddoppierà effettivamente la dimensione dell'orchestra in quel punto, ma nella vita reale in realtà hai solo lo stesso numero di primi violinisti per suonare le due parti. L'istruzione del punteggio orchestrale 'stringhe divisi' significa solo quello; metà del numero di giocatori di archi suonerà ogni parte. Il risultato sembra diverso; meno multi-strato.
  
• Nel mondo reale, qualsiasi musicista può variare le articolazioni delle note senza sforzo. Ad esempio, i giocatori di archi possono spostarsi da staccato a Marcato, Tenuto a legato in un momento preavviso. Una sezione di corde buona, ben provata può farlo fantasticamente bene, muovendosi come un unico corpo. Infatti molte melodie memorabili dipendono per il loro effetto sulla articolata articolazione delle note all'interno della frase. Sfortunatamente questo è più difficile da fare nel mondo MIDI, poiché implica la selezione di una patch diversa o il raggiungimento di un interruttore a chiave per modificare la lunghezza della nota o della busta di decadimento. Di conseguenza, gli scrittori MIDI tendono a commettere l'errore di scrivere parti in un'articolazione solo per periodi di tempo innaturalmente lunghi. 
  
• Un'altra cosa che è facile da fare nel mondo reale è per gruppi di corde per giocare con dinamiche molto varie, passando da soft a loud e viceversa attraverso la frase. Usando i campioni, questo non è così semplice. Implica non solo la programmazione della parte ma anche l'aggiunta di informazioni di controller continue che possono creare la forma dinamica complessiva della frase. Ma questo è certamente possibile, e quel lavoro extra ne varrà la pena per il realismo extra che poi creerà. 
  
• Infine, un punto ovvio forse, ma ogni strumento orchestrale ha un intervallo riproducibile.Scrivere al di fuori di quella gamma potrebbe essere possibile nel mondo MIDI, ma suonerà sicuramente meno realistico. Quindi, le parti di oboe che scendono sotto il Bb, o le parti di clarinetto che vanno sotto E, chiaramente non funzioneranno. Molti pacchetti software di scrittura di punteggio sono in grado di informare e avvertire di questo tipo di limiti di portata. 
  
• Al di là dei problemi della gamma di strumenti, c'è un altro punto da fare. Molti strumenti orchestrali hanno un timbro leggermente diverso o una colorazione tonale a seconda di quale parte della loro gamma stanno giocando. 

Scrivere bene per strumenti orchestrali significa quindi imparare a conoscere ciò che può funzionare bene nelle diverse gamme di ottave di ogni strumento; che tipo di frasi suona idiomatica. Ad esempio, una parte di flauto alto può suonare molto luminosa; effervescente, ma una frase legata scritta nell'ottava più bassa può sembrare melliflua, persino seducente. 

Ecco un esempio famoso; l'apertura di Debussy's 'Preludio a l'apres-midi d'un faune'. Nota le istruzioni del compositore "dolce ed espressivo"; l'intervallo è l'ottava inferiore; la nota più bassa del flauto viene raggiunta nella Bar 9.

Ecco un altro breve estratto; l'apertura di poche battute caratterizza l'oboe questa volta. La nota più bassa sullo strumento è stata quasi raggiunta nel Bar 11. Questo estratto è stato recentemente messo in evidenza insieme ad altri del repertorio orchestrale che gli oboisti avrebbero dovuto suonare per fare audizioni per i migliori lavori orchestrali. Notare nella clip audio che il clarinetto fa eco all'oboe, anche nella sua ottava più bassa. 

Conclusione

L'abbondanza di segni di espressione nella maggior parte dei punteggi orchestrali scritti ci dice che i musicisti orchestrali professionisti sono abitualmente tenuti a esibirsi con grande destrezza e controllo, oltre a far fronte a una grande quantità di complessità. Quindi, se ne avremo la possibilità, diamo loro davvero qualcosa di stimolante da giocare! 

I lettori di archi sono anche molto versatili e possono facilmente creare parti in cui le corde trasversali suonano perfettamente, ma è comunque vero che alcuni tipi di frasi musicali sono più adatti a intervalli particolari per ogni strumento. Vale la pena ricordare che ogni strumento a corde orchestrale ha quattro corde, ciascuna impostata sulla propria accordatura; le corde più basse tendono ad avere un timbro leggermente più ricco, più scuro di quelli più alti.