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Cosa starai creandoOggi, stiamo osservando il processo dall'inizio alla fine della creazione di lavoro composito, in particolare in questo caso per scopi pubblicitari commerciali. Ho collaborato con il designer Thiago Storino che ti mostrerà come prendere le mie immagini e modellarle nel prodotto finale.
La risposta è abbastanza semplice. Scatti compositi per raggiungere impossibilità fisiche e superare difficoltà estetiche. Ad esempio, la maggior parte delle volte non è possibile fatturare facilmente un cliente per portare un modello, equipaggio e equipaggiamento in una giungla remota per una ripresa.
Esteticamente, se si desidera uno sfondo in stile HDR con molta luce viscerale che non è in vacanza, è piuttosto difficile tagliare intorno al modello in modo da renderlo indipendente e lo sfondo, e se si ottiene aderenza allo scatto, dovrai clonarlo o ritagliarlo, se possibile. Altrimenti, sfortuna.
D'altra parte, probabilmente potresti fatturare a quel cliente l'uso di scatti nella giungla come sfondi che hai scattato in vacanza qualche anno fa. E se si scatta sullo schermo verde o bianco senza soluzione di continuità, è facile ritagliare il modello e rimuovere qualsiasi presa sui lati dello scatto. Inoltre, lo sfondo sarà perfetto poiché verrà girato e elaborato come una foto di paesaggio.
In sostanza, abbiamo composto perché è il percorso più semplice, pratico ed economico per ottenere l'immagine finale che immaginiamo.
Ci sono alcune considerazioni che devono essere fatte quando si scatta per il compositing. Ci sono anche altri passaggi che devi seguire quando non stai facendo il post-lavoro, ma stai semplicemente inviando i file RAW a un designer o artista digitale separato. Le cose più importanti sono l'illuminazione e la posa.
L'illuminazione deve essere in grado di funzionare in una varietà di scenari, ovunque il soggetto possa essere composto. Se sei fortunato, lo saprai in anticipo e sarai in grado di lavorare con quella conoscenza per impostare la tua illuminazione.
In questo caso, e probabilmente lo scenario più consueto, non ho idea di dove verrà messo il mio modello, quindi devo assicurarmi che ci siano abbastanza dati per consentire una ragionevole quantità di manipolazione e ri-illuminazione sia di lui sia dello sfondo in per mescolarli insieme. Vedrò esattamente cosa ho fatto dopo.
Poiché non sai in quale formato, mercato o media l'immagine finirà, non puoi essere sicuro che una posa possa funzionare dove un'altra non lo farà. Quindi devi scattare diverse pose per soddisfare la varietà di usi finali che l'immagine potrebbe vedere. Vedrò la mia posa a breve.
Cos'è questo a strappare la pelle? Bene, questo è l'aspetto principale di ciò su cui stiamo lavorando per questo servizio. L'idea è di avere la modella che si strappa la pelle, rivelando i suoi "veri colori" o "vera natura" sotto.
Come dovremmo fare questo? In realtà è abbastanza semplice. Abbiamo solo bisogno di avere un altro materiale che faccia il vero strappo, che possiamo integrare perfettamente nella pelle di Brad. La scelta più ovvia per tearing-tearing come questo è semplicemente una t-shirt color pelle.
Abbiamo optato per una maglietta di colore neutro (un grigio medio chiaro) che può essere utilizzata per differenziare in Photoshop tra la maglietta e la camicia da unire (se si tratta di abbigliamento di marca) o rimuoverla (se si tratta di una sorta di VFX tiro).
Quindi, per ottenere la pelle, facciamo un colpo senza maglietta. Questo fornisce colore della pelle, consistenza, specularità e contorni muscolari. Poi devi fare un colpo quasi identico (certamente identico intorno all'area manipolata, comunque) con la maglietta grigia sotto la maglietta tinta di pelle, dove la maglietta esterna viene strappata in qualsiasi modo tu voglia.
In questo modo i contorni della camicia strappante possono essere miscelati con la trama e i contorni della pelle, che dovrebbe essere relativamente facile perché è un tono simile.
Non ho avuto il tempo di continuare a cambiare l'illuminazione e di scattare ogni posa in ogni scenario di illuminazione. Posso pensare che Brad potrebbe essere computato. Quindi devo elaborare un unico scenario di illuminazione versatile che dovrebbe coprire la maggior parte delle possibilità, in particolare le opzioni più probabili e drammatiche.
La mia soluzione è semplice. Illuminazione laterale a tre punti, vicino al bianco senza cuciture. Un'ottava di cinque piedi dal fronte-superiore replica l'illuminazione diffusa dal cielo per l'esterno, mentre può essere bruciata fino a una fonte di luce di rimbalzo interna specifica non luminosa o una finestra grande. Questo copre tutto, da metà pomeriggio fuori a una palestra futuristica a un corridoio sotterraneo con pareti in pietra.
Quindi l'illuminazione del bordo fornisce un bordo ragionevole, non troppo duro, che può essere miscelato con la retroilluminazione esterna o attenuato un po 'per il lavoro interno, se necessario. Una delle mie luci del cerchio è un po 'incerta sul tempo di riciclo ed è imprevedibile se sparerà o meno.
Sapendo che avrei trasformato Brad in una fotocamera sinistra in pose asimmetriche, ho impostato questa luce a destra in modo che non abbia importanza se spara o no su un solo scatto, poiché il risultato sarebbe comunque naturalmente sfumabile in un sfondo graduato (ad esempio, luce solare a sinistra, nuvole temporalesche a destra). Questi proiettori erano inclinati verso l'interno in modo che potessero illuminare sia Brad che lo sfondo, quindi non dovrei preoccuparmi di luci di sfondo extra che occupano spazio inutile delle prestazioni.
Era posizionato molto vicino a un bianco senza cuciture di nove piedi in modo che potesse anche prendere qualche rimbalzo dal bordo di quella superficie con un'angolazione leggermente diversa, facendolo apparire più avvolto e illuminato naturalmente. Nessuna griglia qui, la luce naturale è caotica.
Volevo mantenere le pose relativamente semplici, audaci e forti per adattarsi al tema dello sport stesso, ma relativamente facili da creare in doppio. Ho finito per andare con solo quattro pose con nomi in codice semplici: "stomaco", "petto", "collo", "indietro", riferendosi semplicemente a dove stava avvenendo lo strappo.
Brad era incredibilmente comprensivo e socievole, quindi abbiamo inchiodato ogni posa con un solo colpo, di solito con un secondo "per sicurezza".
La prima è stata la maglia, questo è stato il momento in cui Brad ha fatto il pieno atto, la tensione muscolare, l'espressione e tutto il resto. Gli ho dato qualcosa da tirare contro per far sembrare che i muscoli delle braccia stiano facendo lavoro. Con il senno di poi, un paio di centimetri di 1/4 "in acciaio o 1/2" tassello in legno sarebbe stato molto meglio, in quanto avrebbe potuto essere contenuto interamente nella sua mano e non avrebbe dovuto essere rimosso separatamente in Photoshop.
La prossima è stata la parte più difficile nel ricreare le quattro immagini sopra con le camicie accese e strappate.
Qui abbiamo aggiunto le camicie e per lo più le ho strappate con un coltello Stanley mentre Brad le indossava (c'è un po 'di fiducia!) Per mantenere il controllo sul suo percorso. Ho fatto un po 'alla volta, nello stesso ordine in cui abbiamo girato le immagini precedenti. La lacrima allo stomaco era allungata per fare lo strappo al torace, che produceva un po 'di tessuto in eccesso ma questo poteva essere raccolto nel pugno di Brad senza problemi.
Ho scoperto che guidare verbalmente le sue estremità in posizione era difficile, dato che lui era un'immagine speculare della vista della telecamera, e non riuscivo a verbalizzare abbastanza precisamente. Brad ha avuto difficoltà a misurare le distanze esatte senza uno specchio o qualcosa su cui lavorare.
Questo è stato il momento in cui è stato utile utilizzare una breve lunghezza focale vicino al soggetto. Potrei girare intorno al pannello LCD e stare di fronte alla telecamera, osservando lo schermo LCD da vicino e poi replicandolo con precisione manipolando fisicamente gli arti di Brad. Questo è stato molto più facile e veloce, e dal momento che stavamo solo replicando braccia e busto abbiamo fatto tutti e quattro i colpi in ben meno di dieci minuti.
Mantenere il ritmo di questo tipo di riprese è importante, devi mantenerlo veloce e leggero. Perché non c'è un'evidente interazione tra soggetto e ambiente a causa del fatto che saranno composti in seguito, devono usare la loro immaginazione per cercare di agire su ciò che pensano stia succedendo.
Se non sei chiaro su quale sia lo scopo delle riprese e la strana posa o comportamento non ha senso per loro, inizieranno a diventare incerti e annoiati e li perderai. Meglio avere le pose non proprio perfette e mantenere alta l'energia.
Tenerli coinvolti fino in fondo. Mostra loro qualsiasi lavoro di preproduzione che hai fatto, qualsiasi lavoro di altri che sia simile tecnicamente o concettualmente, e in generale cerchi di costruire un'immagine solida nella loro testa su ciò che sta accadendo, sia tecnicamente che creativamente.
Dato che non ero sicuro di ciò che sta accadendo in modo creativo, ho mostrato a Brad un esempio simile dei risultati finali (facile da trovare su siti come 500px e Behance) in modo che almeno potesse concettualizzare il processo e la sua parte in esso. Le riprese effettive sono durate solo 25 minuti e ho fatto solo 17 scatti, compreso uno di prova di illuminazione che non richiedeva molto interazione da parte di Brad. Poiché era la prima volta che lavoravamo insieme, ho usato questo breve tempo per conoscerlo di più e lasciarlo acclimatare all'ambiente dello studio.
Per concludere, ecco le pose come side-by-sides, che mostrano quanto mi sono avvicinato. Più ti avvicini, più è facile in post! Nessuno di questi è abbastanza perfetto, ma sono tutti abbastanza vicini che il lavoro post non è troppo difficile.
Bene, questo è tutto per ora sugli aspetti del tiro al bersaglio, spero che tu abbia apprezzato il giro finora. Assicurati di dare un'occhiata al tutorial di Thiago Storino riguardante il compositing e la manipolazione delle mie immagini.
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