Share
Ogni due settimane, rivisitiamo alcuni dei post dei nostri lettori preferiti di tutta la cronologia di Phototuts +. Questo tutorial è stato pubblicato per la prima volta nell'agosto del 2010.
Oggi diamo uno sguardo alla teoria e alla psicologia dietro la dimensione, l'inquadratura e il peso visivo di diversi elementi nella composizione fotografica. Saresti sorpreso di quanto c'è da imparare su questa scelta e dell'impatto che la tua decisione può avere!
Le fotografie sono le nostre visioni, create all'interno del mirino, composte e registrate con un clic di un pulsante. A volte questa composizione iniziale è la composizione finale e talvolta non lo è. A volte componiamo la nostra scena con l'intento di creare la nostra visione finale proprio in quel momento, mentre a volte componiamo una scena con l'intento di ritagliare più tardi o estendere la nostra visione.
La maggior parte delle foto in formato 35mm viene scattata saldamente, componendo per l'immagine finale. I grandi formati, tuttavia, ci consentono di ritagliare e ricomporre senza compromettere la qualità della nostra immagine. E infine, i formati quadrati sono meno convenienti per le composizioni finali e spesso vengono ritagliati in fasi più desiderabili.
A differenza di altre forme di arte grafica, una fotografia è sempre stata vincolata da dimensioni spaziali limitate alla cornice dell'immagine. E il più delle volte, quelle dimensioni custodiscono e alla fine influenzano la composizione delle nostre scene.
Fino all'evoluzione della fotografia digitale, il formato di immagine più comune era quello di un rapporto larghezza / altezza 3: 2, che è il formato standard di un film 35 mm con dimensioni di 36x24 mm. Con il progresso della fotografia digitale, il formato di cornice più naturale di un rapporto larghezza / altezza 4: 3 è stato presto adottato nelle fotocamere consumer di livello medio-basso. Ciò consentiva una cornice di immagine più orizzontale, espansa e naturalmente visualizzata, in particolare su schermi di computer e carta di stampa di dimensioni standard.
Il formato cinematografico da 35 mm è stato trasferito sottilmente nella fotografia digitale creando una sorta di lacuna tra il fotografo amatoriale professionista / serio e altri fotografi. E la sua longeva popolarità è solo una piccola prova di quanto facilmente si adatta il nostro senso della composizione viscerale.
La nostra visione naturale spesso suggerisce una visione orizzontale (a causa del modo in cui osserviamo naturalmente con i nostri occhi) che potrebbe essere la ragione più importante per cui le fotografie sono spesso composte orizzontalmente piuttosto che verticalmente. Un'altra ragione, meno fondamentale, è la facilità della mano che regge una fotocamera in modo orizzontale a causa della costruzione e del design.
Quando un soggetto è allungato verticalmente, ha più senso ed è più naturalmente percepito dalla visione umana quando inquadrato verticalmente. Se la nostra scena o soggetto si espande orizzontalmente (o ugualmente in entrambe le direzioni), è più naturalmente percepito dalla visione umana incorniciata orizzontalmente.
Inoltre, quando un oggetto è incorniciato orizzontalmente, è più conveniente per l'occhio dell'osservatore essere composto fuori centro, leggermente inclinato di più su un lato del fotogramma. E quando un oggetto è inquadrato verticalmente, è più conveniente se il soggetto è stato messo fuori centro sia in cima che in fondo al fotogramma, con il posizionamento inferiore più adatto e naturale in quanto suggerisce e trasmette stabilità piuttosto che causare un sensazione di sensazione alquanto rivolta verso il basso, sensazione di abbassamento della testa.
Se un soggetto verticale è incorniciato orizzontalmente, è spesso composto verso l'estremità di una cornice orizzontale in modo da motivare l'occhio a muoversi orizzontalmente lungo il fotogramma.
All'interno di una cornice quadrata, tuttavia, questo diventa più complicato a causa della mancanza di enfasi direzionale del frame. Solo poche telecamere offrono un frame con rapporto larghezza / altezza 1: 1, ed è comune per i fotografi di una tale forma di cornice comporre la scena lasciando le estremità libere o inutilizzate per il ritaglio verticale o orizzontale più tardi.
Poiché la maggior parte dei soggetti non è naturalmente quadrata, una cornice quadrata offre una sfida per una composizione di successo. Poiché la maggior parte delle forme del paesaggio sono spesso concepite e incorniciate orizzontalmente, una cornice quadrata potrebbe imporre una sfida per controllare il flusso visivo di un'immagine.
Una cornice quadrata, tuttavia, a volte può offrire un cambiamento interessante o addirittura rinfrescante dalle forme di telaio allungate verticalmente o orizzontalmente più familiari. Può anche essere un formato più conveniente per soggetti simmetrici (come nella foto sotto di Elena Erda).
È importante tenere presente che queste idee sono suggerimenti, piuttosto che regole rigide che devono essere sempre seguite.
Quando c'è un solo soggetto da incorniciare, potrebbe sembrare logico collocarlo al centro morto - con lo stesso spazio vuoto attorno ad esso in tutte le direzioni. A volte questo funziona davvero, ma il problema con questo tipo di framing è la prevedibilità. Vale sempre la pena di guardare lontano da questa opzione e sperimentare con il posizionamento del soggetto su diversi lati della composizione per vedere quale funziona meglio.
Ciò diventa più importante se il soggetto è di dimensioni relativamente ridotte rispetto allo spazio circostante. Quando il soggetto è decentrato, crea tensione all'interno dell'immagine. Questa tensione può essere descritta come una forza fisiologica, che in fotografia dà un tocco in più alle tue foto, trasmettendo eccitazione e creando dramma.
Se il soggetto è decentrato, si ha la sensazione che sia verso il centro che si sforza nuovamente di essere equilibrato in un posto logico, o che stia cercando di allontanarsi ulteriormente dal centro verso il bordo della fotografia. Teoria di livello abbastanza alto, sono d'accordo, ma vale la pena considerarla!
Se ci sono altri soggetti da incorniciare, la tua composizione deve bilanciare questi soggetti all'interno della cornice. Voglio mostrarti un esempio che illustra ciò di cui sto parlando, e non riesco davvero a pensare a un esempio migliore di Trey Ratcliff's foto famosa: The Lonely Trinity.
In questa immagine, puoi vedere chiaramente come Trey ha brillantemente bilanciato la sua foto disponendo i tre elementi principali della sua immagine in modo triangolare, avendo ogni due soggetti opposti che si bilanciano l'un l'altro, finendo con una composizione piacevole:
Quando guardi una fotografia, di solito guardi prima a ciò che ti interessa di più. Detto questo, ci sono alcuni fatti indiscutibili che sono noti per governare ciò che interessa di più agli spettatori e cosa cattura la loro attenzione (e in quale sequenza).
Certo, capire come le persone vedono una scena è un processo complesso, ma c'è un consenso generale su ciò che attira l'attenzione per primo, sia perché tendiamo a relazionarci a questi emotivamente e personalmente, sia perché inconsciamente ci affidiamo a loro per ottenere un sentimento o reazione.
Per esempio, facce sono noti per essere l'elemento visivo più attraente - in particolare il occhi e il bocca. Dopotutto, questi sono ciò che guardiamo per indovinare come si sentono le persone, cosa pensano di una situazione particolare, o come reagiranno.
Dopo di che, scrittura tende ad attrarre l'occhio di più. La scrittura trasmette un alto livello di informazioni su una situazione specifica. Anche se scritto in una lingua straniera, la scrittura aggiunge ancora una grande qualità estetica ad un'opera d'arte semplicemente per il fatto che rappresenta una fonte o un elemento informativo.
Seguono altri elementi nella cornice, determinati dalla loro prominenza e dallo spazio loro assegnato all'interno della composizione.
Un'opera d'arte visiva è sempre stata, e sarà sempre, soggetta all'interpretazione individuale. Forse nessun artista sarà mai in grado di dirigere perfettamente il proprio pubblico nella giusta direzione.
Ciò che un fotografo può fare, per aiutare gli spettatori a capire il senso dell'arte nel loro lavoro, è dare loro un piccolo stimolo o spingere nella giusta direzione osservando e comprendendo i pesi visivi di diversi elementi. Usarli con attenzione può aiutare una foto a raccontare una storia, suscitare un'emozione o attirare l'attenzione di tutti i lettori su un particolare punto.
Accentsconagua