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Come artista, il tuo compito è quello di immergere i tuoi spettatori in un mondo che hai costruito e guidarli in sicurezza attraverso di esso. Gli artisti hanno molto in comune con i cantastorie. I narratori hanno diversi trucchi che usano per far tornare i loro lettori di più. Come i narratori, gli artisti possono usare trucchi simili per aiutarli a produrre opere d'arte più interessanti. In questo articolo, spiegheremo 5 abilità fondamentali che ogni artista dovrebbe padroneggiare. Diamo un'occhiata!
L'aspetto più importante dell'arte per me personalmente è la composizione. Imposta il palcoscenico per tutto il resto. Questo è il tuo modo di guidare e guidare lo spettatore per farli sentire come se fossero realmente nella tua foto. Se questa parte del processo non viene creata e controllata correttamente, tutto il resto può e probabilmente si disgregherà. Ciò non significa che devi seguire ogni piccola regola. In effetti, molti li hanno spezzati e hanno creato opere d'arte di grande successo. È sapere come e quando romperli che ti permetteranno di farlo con successo. Ma prima di tentare qualcosa del genere, devi prima imparare le regole e vedere come funzionano e funzionano.
Questa è la tecnica di composizione più semplice e più usata, quella che uso molto io stesso. Perché è semplice da imparare, è qualcosa che è raccomandato per i principianti e per coloro che sono nuovi ai fondamenti della composizione. Se utilizzato, divide l'immagine in 9 parti uguali separate da due linee orizzontali e verticali.
L'idea principale alla base di questo è posizionare il tuo elemento / oggetto più importante su una delle intersezioni dove convergono le linee (i +), così come lungo o vicino alla linea verticale di dove la tua focale potrebbe mentire.
Si ritiene che quando questo viene utilizzato e il soggetto / focale si trovi su uno di questi punti, crea più interesse per la tua immagine piuttosto che averla centrata.
Dock di John Powell 
I resti che vivono di Keisuke Asaba 
Via del Wizard In contrasto con quanto affermato sopra, questa particolare composizione imposta il punto focale direttamente al centro dell'immagine. Sebbene sia usato principalmente per i brani basati sui personaggi, ciò non significa che non possa essere usato per altri mezzi, ma spiega anche perché si desidera un punto focale centrale.
Per i character artist, uno dei loro obiettivi è quello di mettere il personaggio di fronte a te e attirare l'attenzione il più possibile. Non c'è modo migliore di metterli proprio al centro delle cose. Questo è il motivo per cui questa composizione è più attraente per i personaggi (ma ancora una volta, non lasciarti influenzare dalla sperimentazione).
Oltre alla messa a fuoco centrale, la guida a forma di diamante ci mostra dove dovremmo mettere la maggior parte della nostra attenzione e dei dettagli. Ovviamente lo spettatore non vedrà il tuo lavoro con queste guide, quindi devi mostrare loro ciò che è più importante nel tuo pezzo attraverso l'illuminazione, il colore, i dettagli e molte altre cose. Qualunque cosa al di fuori di questo diamante non è altrettanto importante e non dovrebbe attirare più o più attenzione di quello che c'è dentro.
È possibile utilizzare queste guide di base come punto di partenza per composizioni più complesse o per creare un intero pezzo. La scelta spetta a te, ma il mio suggerimento è di conoscerli completamente prima di assumere composizioni più complesse. Inoltre, ci sono più regole di composizione ed esempi là fuori che richiamano molti altri punti rispetto a ciò che elencherò qui. Ti incoraggio a cercarli e leggerli.
PI-2 di Marek Okon (a sinistra). Blood Divided by Dan Santos (Centro). Inject Me di Marc Simonetti (a destra). Ora, diamo un'occhiata ad alcuni altri esempi di come indirizzare l'occhio dell'osservatore al punto focale.
In PI-2, puoi vedere come la luce blocca immediatamente l'occhio nel punto focale a causa della forza e dell'intensità. Altri fattori di questo sono il colore, il posizionamento all'interno della composizione (regola dei terzi) e poiché quasi tutti nella scena stanno guardando il punto focale, crea una linea implicita e ti causa anche. Ciò che ci tiene bloccati nel punto focale qui, tuttavia, è il movimento circolare delle persone che fluttuano nell'aria.
PI-2 di Piotr Jablonski In Crysis 2 (sotto), l'artista ha usato la luce, il colore e la disposizione all'interno della composizione per guidare il punto focale. Le luci più evidenti e belle provengono dai riflettori e dai fari del veicolo, che puntano tutti verso il punto focale. In secondo luogo hai sparato dalle armi convergenti su di esso, guidando l'occhio direttamente verso di esso. Infine, l'artista ha utilizzato la regola dei terzi per il posizionamento in questa composizione. Un altro punto potrebbe essere fatto per quanta azione si sta svolgendo in quell'area. Tutti questi hanno portato a un pezzo di successo che definisce chiaramente il punto focale e le aree che lo circondano.
Crysis 2 - Concept 04 di Marek Okon Nel brano qui sotto, l'artista usa le passerelle che si formano attorno al pilastro per condurre lo spettatore nel punto focale. Mentre i draghi volano intorno a noi, li seguiamo, il che ci tiene più a lungo in questa zona. Poiché il pilastro è in ombra e la luce brillante è direttamente dietro di esso, l'artista ha anche usato valori e contrasto per farlo risaltare ulteriormente.
Nest di Tuomas Korpi Nell'illustrazione qui sotto, ho usato un certo numero di elementi per indirizzare l'attenzione dello spettatore sul punto focale (il castello). L'arco sullo sfondo e il ponte sulla cascata entrano entrambi direttamente nel castello. Poiché l'immagine ha una leggera angolazione, sembra che tutte le montagne stiano conducendo al castello, il che aiuta a indirizzare lo spettatore anche in quella direzione. Un'altra cosa che aiuta il castello a distinguersi è il colore usato sui top, che è in contrasto con i gialli, i verdi ei rossi che lo circondano.
La collina del mago Nell'immagine qui sotto, ho mostrato come è possibile impedire agli occhi dell'osservatore di sfuggire facilmente all'immagine tramite l'inquadratura. Probabilmente puoi vedere come funziona solo guardando l'immagine. Ma quello che ho fatto qui è stato usare le parti "a braccio" che escono dall'entità rossa come modo per inquadrare l'immagine. Questa tecnica può essere utilizzata per "bloccare" l'osservatore nel pezzo e tenerli più a lungo. Può essere esagerato, ma se lo si mantiene a un livello ragionevole, può tornare utile. Uno svantaggio di questo, specialmente se abusato, è che può diventare fastidioso e costringere lo spettatore a voler andare via prima.
Sradicare Tutto ha una prospettiva. Quando sei in strada, guardati intorno e nota quale lato degli edifici puoi vedere e perché li vedi tutti da diversi punti di vista. Poi, mentre ci sei, vai avanti e guarda giù per una strada, perché tutto sembra diventare più piccolo mentre la sua distanza è più lontana da te? Tutte queste cose hanno a che fare con la prospettiva di quegli oggetti e il tuo punto di vista.
Le prospettive sono un'abilità essenziale da apprendere, per motivi architettonici, ambientali e molti altri. Ci forniscono un modo per creare e creare elementi e oggetti e posizionarli correttamente all'interno del piano dell'immagine. Le prospettive si basano sulla linea dell'orizzonte (o talvolta chiamata linea del livello degli occhi) per trovare ciò che viene chiamato a Punto di fuga. I punti di fuga sono dove origineranno le linee prospettiche (vedi sotto esempi).
Questa è la più semplice di tutte le prospettive da apprendere, ma non ampiamente utilizzata a causa dei suoi limiti. Detto questo, può essere molto utile, a seconda della scena che stai creando. In questa prospettiva, c'è un singolo punto di fuga che ritorna alla linea dell'orizzonte, a cui l'oggetto si sta allontanando.
Prospettiva a un punto 
2001: Odissea nello spazio di Stanley Kubrick Quando più di un lato del tuo oggetto si sta allontanando in più aree, dovrai utilizzare un sistema di prospettiva a due punti. Se utilizzato, creerai due punti di fuga, ciascuno su un lato dell'oggetto / elemento. Questi punti torneranno di nuovo dalla linea dell'orizzonte e le linee di prospettiva correranno da questo punto fino all'oggetto. C'è dove puoi davvero iniziare a vedere il cambiamento delle prospettive.
La maggior parte delle volte il tuo punto di fuga sarà al di fuori della tua immagine, ma non preoccuparti. Se lavori tradizionalmente, puoi sempre usare carta extra per misurare la distanza esatta. Se si lavora digitalmente, estendere la tela fino a trovare il punto di fuga.
Prospettiva a due punti 
Mysterious Street di Lukasz Taborski Il sistema a tre punti viene utilizzato quando si vuole veramente trasmettere una situazione estrema. Può essere utile per scene che sono giocose (facendo una scena dal punto di vista di un uccello o di un cane), eccitanti (azione) e molti altri. Per raggiungere questa prospettiva, utilizzerai lo stesso identico sistema dal punto due, ma aggiungendo un terzo punto di fuga che si trova sopra o sotto l'oggetto / elemento.
Il terzo punto agisce esattamente come gli altri due, quindi non fatevi inciampare da esso, non c'è nulla di subdolo. L'unica differenza qui è che la parte superiore o inferiore (le verticali) del tuo oggetto aderiscono e ritornano indietro fino a questo punto. Questo è ciò che ci dà quell'aspetto deformato.
Prospettiva a tre punti 
Negli incubi di zardo Diamo un'occhiata ad alcuni esempi che mostrano un grande uso della prospettiva:
MILL10NAIRES di Jakob Eirich 
Cargo di Mitchell Mohrhauser 
Iroshi di Jonas De Ro 
Spirit Rising di Gary Tonge I valori sono la gamma di luminosità e oscurità all'interno dell'immagine. Sono bianchi, neri e tutto il resto. Anche con il colore, quanto è scuro o chiaro quel colore (tinte o sfumature) è un valore. Più vicino c'è qualcosa in primo piano, più scuro apparirà (a seconda dell'illuminazione e di altre cose, ovviamente), ogni cosa che si allontana sarà gradualmente schiarita man mano che si dissolve nell'orizzonte (in termini di paesaggi). Dai un'occhiata al grafico qui sotto e usalo come riferimento per quando ne discuteremo più approfonditamente più in basso.
Ancor più dei colori, i valori del tuo lavoro sono uno degli elementi più importanti della riuscita o meno del tuo pezzo. Se i valori non vengono letti correttamente (essendo in grado di distinguere FG da MG a BG e / o il punto focale dall'area circostante), non importa quanto siano eccezionali la composizione, l'illuminazione e i colori, il pezzo come l'intero fallirà perché i valori non vengono letti correttamente.
Quindi, cosa intendo per loro essere in grado di leggere correttamente? Bene, diamo un'occhiata. L'immagine qui sotto è uno studio di valore di Claire Almon che è stato fatto per uno dei suoi pezzi di Maria Antonietta (ulteriori WIP con colori sono pubblicati sotto questa immagine). Prendi nota di tutti i diversi valori all'interno dell'immagine e di come puoi distinguere chiaramente ciascun elemento separatamente dall'altro. I valori aiutano a determinare l'illuminazione generale nella scena e il modo in cui un oggetto si confronta con un altro (che può aiutare con la composizione e un intero elenco di cose).
L'albero di Almon Ancora più importante, però, i valori separano le distanze all'interno del piano di massa, ed è con questa separazione, se eseguita correttamente, che consente allo spettatore di leggere il tuo lavoro nel modo desiderato e portare il loro occhio al punto focale. È da qui che puoi lavorare e iniziare a finalizzare le combinazioni di colori come mostrato di seguito.
L'albero di Almon 
L'albero di Almon Ecco un paio di altri esempi sull'utilizzo corretto dei valori. Prendi nota dei diversi valori usati all'interno di una singola immagine / disegno per aiutare a distinguere ciascun elemento.
Blog di Feng Zhu Design 
Blog di Feng Zhu Design Proprio come l'illuminazione, il colore del tuo pezzo dipende da molte cose; l'ora del giorno, la stagione, la posizione e così via. Determinare la combinazione di colori è importante da fare subito, anche se è possibile fin dall'inizio. Ricorda che le cose cambieranno e si evolveranno sempre, quindi molto probabilmente saranno anche i colori del tuo pezzo. Come con tutto, solo perché qualcosa sembra bello ad un certo punto, non significa necessariamente che lo farà sempre. Quindi non aver paura di mescolare le cose lungo la strada e trovare qualcosa che potrebbe essere più adatto per quello che stai lavorando. Tieni presente che è molto facile esagerare con il colore, quindi sappi quando non scherzare con esso.
Sapere come scegliere la combinazione di colori dipende dall'ora del giorno, dal tempo / cielo, dalla stagione dell'anno in cui si trova e dal fatto che tu sia su un pianeta alieno o nello spazio. Ci sono innumerevoli cose che possono aiutare a modellare i colori della tua pittura, quindi è meglio avere un'idea di quello che sono prima di poi minimizzare il mal di testa prima di dirigersi verso le fasi finali.
Il colore che scegli dovrebbe mostrare qualsiasi emozione o situazione che vuoi trasmettere allo spettatore. Se hai un pezzo divertente o d'azione, i colori vivaci e brillanti potrebbero essere la soluzione migliore per mostrare quel senso di azione e intensità. Se stai cercando qualcosa di un po 'più lunatico e ritirato, puoi sempre optare per uno schema di colori più scuro e meno saturo, ma avere il tuo punto focale più vibrante delle altre parti. Ci sono molte variabili che possono prestare a che tipo di colore usi per il tuo pezzo. Il tuo compito è capire quali di loro funzioneranno meglio.
Ecco alcuni esempi di come il colore sia usato efficacemente per aiutare lo storytelling, l'emozione e per guidare lo spettatore:
Nell'immagine GOLEM, l'artista ha costruito un colore forte attorno al punto focale, che indica chiaramente dove dovrebbe essere prestata la maggior parte della tua attenzione. I colori che circondano la figura del giocattolo conferiscono alla natura giocosa di questo pezzo, oltre a aggiungere uno strato di mistero e fantasia. Le parti esterne della composizione hanno toni della terra, che non sono troppo saturi. Ciò aiuta il punto focale a distinguersi ulteriormente dal resto dell'immagine (mantenendo l'equilibrio) e consente di esplorare a fondo il lato ludico del soggetto / tema.
GOLEM - giocattoli e magia di Randis AlbionQui abbiamo un contrasto di colore, che fa risaltare il punto focale. Questo è uno dei modi più usati di usare il colore per ottenere una buona composizione perché è sia efficace che drammatica in termini di composizione e narrazione.
Nemeroths Fall di Roberto Robert In questo pezzo, ho usato gli schermi olografici sui pad di atterraggio per distinguerlo da tutti gli altri elementi nella scena. Dato che è la parte più saturi della composizione, sapevo che l'occhio dello spettatore sarebbe sempre tornato a gravitare su quest'area perché era il più interessante. Volevo anche la sensazione di un vecchio lavoro di fantascienza, quindi sono rimasto lontano da colori vibranti.
Station.4 Come tutti i principali elementi dell'arte, l'illuminazione è fondamentale. Soprattutto perché lo spettatore medio sa che aspetto ha l'illuminazione realistica, anche se non sa esattamente che cosa lo fa sembrare reale. Di solito possono dire se qualcosa sta funzionando o no. A volte puoi essere fortunato e ingannare, ma la maggior parte delle volte può rompere il tuo colpo e rendere tutto il duro lavoro che è stato messo nel tuo pezzo sprecato tempo e lavoro. E questo non è assolutamente ciò che vogliamo.
Quindi, per sapere come la luce reagisce all'ambiente e ai diversi materiali, vai fuori e studia. Se stai basando un pezzo su qualcos'altro (ad es., Sei la tua lastra fotografica in termini di pittura opaca o anatomia per pittori), studia fino a quando non puoi dire con sicurezza a qualcun altro come appare, sente e funziona. Usare le foto va bene, ma c'è una fonte quasi infinita appena fuori quelle mura che ti stanno aspettando.
Proprio come il colore, l'illuminazione può trasmettere molta emozione e profondità. Diamo un'occhiata a come questo può essere raggiunto.
Ancora una volta, nell'immagine qui sotto, c'è una forte illuminazione che viene proiettata sul punto focale. Le ombre in primo piano creano profondità nell'immagine e consentono allo spettatore di ottenere una visione chiara dell'area focale senza che il primo piano passi inosservato. Poiché il primo piano è in ombra quasi completa e il centro intermedio è dove vediamo la maggior parte della nostra luce, questo consente allo spettatore di avere un impatto maggiore sul punto focale e su ciò che sta accadendo nella scena. Quasi immediatamente vedono la distruzione del mondo intorno a loro come se fossero lì per la strada.
Skyscraper perso da Ioan Dumitrescu Essendo un maestro del suo mestiere, questo pezzo di Dylan Cole non fa eccezione. Sia il primo piano che lo sfondo sono illuminati per mostrare tutto il lavoro che è stato fatto, mentre la composizione ti spinge verso lo sfondo verso il punto focale.
Dylan Cole Studio 
Dylan Cole Studio Quindi, ora che abbiamo trattato tutti questi argomenti, sono sicuro che ti starai chiedendo come utilizzarli e incorporarli nel tuo lavoro. Questo, proprio come qualsiasi altra cosa, riguarda il fatto di familiarizzarsi con loro e di esercitarsi fino a quando non si ha una chiara comprensione di ciò che sono e di come usarli correttamente. Ricorda che tutti impariamo in modo diverso, quindi se non ti è facile non scoraggiarti. Continua a continuare con piccoli studi su ciascuno di questi argomenti. Dopo un po 'di tempo in cui li fai, noterai cose che non avevi prima, e cioè quando inizierai ad imparare e spingerai davvero te stesso.
Grazie per aver dedicato del tempo a leggere questo articolo. Spero davvero che tu possa prendere da questo e applicarlo al tuo lavoro e imparare da esso. Ricorda solo che ogni grande artista che hai cercato ha iniziato dal basso e ha dovuto farsi strada attraverso tutte queste abilità. Continua a spingerti nella giusta direzione con un obiettivo ben preciso in mente e puoi diventare bravo in quello che fai.
Accentsconagua