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Parla con alcuni artisti o dai un'occhiata a una conversazione online sulle opere d'arte e c'è una buona possibilita 'che tu possa sentire o leggere una menzione dello stile artistico ad un certo punto. Ma per quanto spesso detto, lo stile sembra poco apprezzato e frainteso. Quindi cosa c'è esattamente dietro uno stile? In che modo un artista sviluppa uno stile e cosa significa stile per un artista? Per scoprirlo, ho parlato con diciotto artisti di grande talento e ho riunito le loro risposte per l'edificazione e l'intrattenimento. Questa è la prima parte di una serie in due parti, la seconda parte della quale dovrai aspettare per sempre, così pazientemente.
Questo post è il 5 ° giorno della nostra sessione di illustrazioni digitali. Sessioni creative "Session Day 4Session Day 6"OK, così circa tre anni fa, nel 2007, mi sentivo come se fossi in una carriera crocevia di sorta. Da quando mi sono diplomato alla scuola di cinema nel 1998, avevo una serie di cappelli creativi nella mia vita professionale: graphic designer, regista, tizio di grafica animata, illustratore, scrittore, fotografo, ecc. Ero un Jack di tutti i visivi arti mestieri, e dal mio punto di vista infinitamente auto-critico, padrone di nessuno.
Ho deciso di fare un passo indietro e valutare i miei punti di forza e affinare quello che sentivo meglio. Ho creato arte digitale per circa un decennio a quel punto e l'illustrazione mi è sembrata la giusta combinazione del mio set di abilità e dei miei interessi, quindi ho pensato che mi sarei concentrato e avrei cercato di spostare la mia carriera più saldamente in quella direzione.
Il lato tecnico dell'illustrazione digitale mi è sempre stato abbastanza facile, quindi sono stato in grado di creare praticamente qualsiasi cosa mi sia stata presentata da un cliente o da un lavoro, ma non mi sentivo un briciolo del mio lavoro professionale spiccava davvero come, beh, "me".
Per anni disegnavo, dipingevo e facevo scarabocchiare, ma sentivo che quasi tutto il lavoro che stavo creando da quando avevo lasciato i confini relativamente sicuri del mondo accademico era praticamente invisibile e non del tutto degno di nota. Così ho intrapreso un percorso di riscoperta artistica e nel frattempo sono iniziate ad accadere due cose: la mia carriera di illustrazione ha iniziato a decollare e la mia voce artistica è diventata molto più evidente. In altre parole, il mio stile artistico è emerso dai recessi profondi del mio cervello e ha iniziato a prendere piede in maniera preponderante nel mio lavoro.
A questo punto sono abbastanza certo che qualsiasi successo che ho visto possa essere attribuito al mio stile, alla mia identità visiva. Come ogni artista decente, sono molto versatile e sono disposto a flettere il mio stile e persino a lavorare al di fuori di esso quando una situazione lo richiede. Ma il mio stile distintivo è il mio biglietto da visita, è la ragione per cui i clienti mi assumono, e fan e collezionisti comprano le mie opere d'arte.
Torna alla versatilità. È sempre una risorsa, una cosa incredibilmente importante, ma è difficile dimostrare la tua voce e la tua sicurezza artistica se non riesci a separarti dalla massa. Di seguito sono elencati diciassette artisti che hanno trovato il modo di distinguersi dalle masse creando arte nei propri stili personali.
Di seguito, vedremo numerosi artisti nelle varie fasi della loro carriera e li esamineremo sul tema dello stile artistico. Per il formato, ho presentato ai partecipanti domande e ho chiesto loro di rispondere come meglio credevano (da qui la disparità nella lunghezza della risposta e nel formato domanda / risposta).
Infine, prima di iniziare a rilasciare il "Ma hai dimenticato il mio artista preferito!" o "Ma mi hai dimenticato!" commenti, rendersi conto che è un internet molto grande e un mondo ancora più grande, e in nessun modo sarei mai in grado di includere ogni grande artista là fuori. Quindi, senza ulteriori indugi, presento i seguenti artisti e le loro opinioni sullo stile artistico.
Il mio stile ha richiesto più di dieci anni per svilupparsi. Penso che sia stato sviluppato dalle mie influenze come un giovane illustratore, scalciando contro la mia università, volendo che avessi uno stile che si adattava alla loro istituzione e che voleva distinguersi dalla massa. Il mio lavoro non è per tutti e va bene.
La mia scelta di stile è stata una decisione molto consapevole. Ho sempre desiderato che le persone riconoscessero il mio lavoro e dicessero, "Ehi, questo è un pezzo di wotto." Detto questo, è stato anche modificato nel tempo. Come altre persone prendere in prestito il tuo stile impari ad adattare e reinventare parti del tuo lavoro. Occasionalmente, eviterò il mio stile e provo qualcosa di diverso e questo è un esperimento molto prezioso. Ti scoppia in faccia o funziona alla grande. Quindi immagino che il mio stile fosse consapevole, ma sono anche cresciuti gambe, stivali e stupidi cappelli.
Di solito sono impiegato per il mio stile. Le persone tendono ad apprezzare il mio doodley, il lavoro organico e altre persone come il mio lavoro più illustrativo / narrativo. Penso che sia importante che un cliente sappia liberamente ciò che sta per ottenere. Immagino che usare illustratori sia come andare in un grande supermercato. Vai e seleziona ciò che vuoi o ciò di cui ha bisogno il tuo progetto. Mi piacerebbe un grande supermercato pieno di illustratori, ma temo che il buy ne ottenga uno gratis!
Tutto il mio lavoro ha una narrativa infantile. Mentre disegno, penso alle vite dei personaggi, a dove vivono, a cosa mangiano oa chi hanno ucciso. Addirittura per dettagli e relazioni. So che è strano ma aiuta il mio stile a prosperare e crescere. Gran parte del mio lavoro è oscuro ed è apposta. Uso determinate palette di colori e ripeto gli elementi in modo che le persone identificano il mio lavoro. Molti dei miei personaggi avranno elementi in comune. Non ho intenzione di elencarli perché mi piace che siano lì ma non tutti li notano.
Tutto sommato, penso che uno stile personale sia una buona cosa, ma deve continuare a evolversi e crescere altrimenti potrebbe esserci il rischio di ristagnare. Mi piacciono gli artisti il cui stile è evidente fin dall'inizio. Suggerisce una fiducia nel proprio lavoro.
Sono stato illustratore freelance da quando mi sono laureato nel 1999. Ho lavorato con una serie di clienti su una pila di progetti. Dipingo, scarabocchio e disegno il mondo come lo vedo io. Sviluppo personaggi e cerco di portarli in luoghi oscuri attraverso una narrazione visiva. Uso materiali tradizionali e pacchetti digitali per creare la mia arte. Visita il mio sito per saperne di più sul mio lavoro.
Ho passato circa due anni a disegnare senza sosta, osservando il mio stile cambiare quasi ogni giorno. A poco a poco alcuni dettagli (temi, forme, colori, ecc.) Sono diventati sempre più ricorrenti nei miei disegni. Penso che in questo senso, ho iniziato a sviluppare uno stile personale che cambia continuamente.
Secondo me, il mio stile si è evoluto in modo organico. Quando ho iniziato a illustrare, ho trovato alcuni dettagli nel mio lavoro che mi hanno ricordato gli stili di altri artisti, ma penso che sia naturale perché un passo importante per diventare un illustratore o un artista è rivedere altri illustratori o artisti che lavorano ... così a volte, in modo subconscio, ne siamo influenzati.
Il mio lavoro è simmetrico, a volte statico, colorato e cerebrale. Uso diverse tecniche: digitale, acquerello, matite: dipende dal progetto.
La Malota è lo pseudonimo di Mar Hernandez. Mar è nata nel maggio del 1980, attualmente vive a Valencia, una città mediterranea sulla costa orientale della Spagna. Da lì, conduce lo studio Malotaprojects.
Lavoro in una varietà di stili. Il progetto determina lo stile appropriato necessario. Detto questo, ho uno stile di firma a cui mi riferisco come "Segmentato". Sono stato fortemente influenzato da un regista di dischi RCA degli anni '50 con il nome di Jim Flora.
Crescendo, guardavo le copertine dei LP che i miei genitori avevano e, al momento, non sapevo che avrebbe avuto un impatto così grande sulle mie illustrazioni più tardi nella vita. Non ho fatto il collegamento fino alla fine degli anni '90, un anno dopo la morte di Jim Flora. Ho avuto l'opportunità di parlare con suo figlio che ha condiviso con me alcuni dei lavori successivi di suo padre, e sono stato in grado di dirgli quanto il lavoro di suo padre ha ispirato il mio, quindi è stato molto bello.
Nell'ultimo decennio ho perfezionato il mio stile e l'ho usato in un'ampia gamma di progetti. L'immagine in questo post è un poster che ho realizzato per Adobe e il loro lancio CS4 di Illustrator.
Una delle prime illustrazioni che ho fatto in questo vernacolo stilistico è stata la copertina di un CD musicale per una raccolta fondi chiamata "Almost Famous Band". Quindi, a tale riguardo, è stato pianificato per questo specifico progetto perché si adattava allo stile che volevo ottenere per questo. Da allora ho progredito l'aspetto segmentato, al punto che ha un metodo per la sua follia.
Stile e concetto vanno di pari passo. Puoi avere un grande concetto, ma scegliere uno stile inappropriato per eseguirlo. Oppure puoi avere lo stile perfetto, ma manca un concetto solido. Troppi illustratori pensano in termini di uno stile e cercano di forzare quello stile in ogni progetto, è come forzare il curry in ogni ricetta che usi. Curry ha un sapore fantastico in cucina indiana, ma non sarebbe così bello nei biscotti. Non è che il curry è cattivo, non è appropriato per quel tipo di ricetta. Lo stesso principio si applica allo stile e al modo in cui si riferisce a qualsiasi progetto dato.
Cerco di disegnare bene le mie illustrazioni. Presto attenzione ai dettagli apparentemente banali per evitare la tensione visiva. Mi piace usare il colore per rafforzare anche un concetto o un'idea. Immagino che il mio approccio creativo sia molto sistematico, indipendentemente dallo stile specifico in cui sto lavorando. Dedico molta attenzione alla forma, all'equilibrio dello spazio e al modo in cui si relazionano tutti prima di toccare il computer.
Ciò significa che estraggo tutto in anticipo prima di costruirlo digitalmente. Questo mi consente di avere una solida base e di rimuovere le congetture sulla parte di esecuzione del mio processo. Detto questo, sono costantemente d'arte a orientarmi durante il processo, apportando piccoli miglioramenti e modifiche quando necessario.
Von è il principale dei Glitschka Studios e ha lavorato nel settore delle arti di comunicazione per oltre 23 anni. Il suo lavoro riflette la relazione simbiotica tra design e illustrazione. Questa dualità di abilità all'interno del proprio arsenale creativo, lo ha ispirato a coniare la frase e il titolo di "Illustrative Designer".
Tutto è iniziato con un'idea semplice e concreta. La parola "Caratteri" cominciò a girare intorno alla mia testa e improvvisamente mi resi conto che la parola stessa racchiudeva un segreto molto visibile. I caratteri tipografici, o facce di tipo, sarebbero il mio nuovo progetto. Da quel momento in poi, ho creato una grande quantità di personaggi basati su diverse tipografie. Questo è iniziato circa tre anni fa e da loro sono come un illustratore di tipo maniaco, che è divertente.
Il processo di creazione dei caratteri tipografici si è evoluto in modo molto organico e naturale. La prova di ciò appare quando si guardano i primi Typeface che ho creato e seguo il processo fino all'ultimo. È davvero curioso come le tracce della tipografia inizino lentamente a svanire. Quando guardi le mie ultime creazioni, è difficile distinguere chiaramente le forme delle lettere. Penso che ciò sia dovuto al fatto che la mia tecnica migliora e si evolve ogni giorno.
Fondamentalmente, le basi del mio stile sono le lettere e senza di loro non ho nulla da creare. Sono i miei strumenti e li apprezzo e li ringrazio per l'ispirazione che mi forniscono.
Puoi controllare le mie Creature di tipo su flickr.com/typefaces. Inoltre, sentiti libero di dare un'occhiata al mio lavoro come designer e come illustratore a mano libera: flickr.com/juliandorado.
Lo stile kukubee era un bambino nato da una mamma dei cartoni animati e un papà di carta da costruzione. I miei primi sogni erano disegnare fumetti, prima che mi rendessi conto che non ero nemmeno un po 'divertente. Quindi, gli elementi del classico cartooning sono stati la mia più grande fonte di ispirazione, dove l'enfasi sulle forme dei personaggi sono l'aspetto più importante dei loro progetti.
Nel 2007, ho avuto uno spettacolo d'arte a Spokane, in Canada, dove mi è stata data la libertà di creare tutto ciò che volevo con la garanzia che il mio lavoro sarebbe stato mostrato. Sentendosi sperimentale e un po 'stanco di lavorare nello stile di fumetti che stavo facendo in quel periodo, ho creato una serie di pezzi (probabilmente altamente infiammabili) composti da vari elementi multimediali.
Mi sono divertito molto a sperimentare con varie trame e lentamente ho iniziato a incorporarle nel mio repertorio quotidiano. Il mio stile attuale è stato sviluppato in modo semi-cosciente combinando il mio amore per i cartoni animati semplici con questi esperimenti con i media per renderlo divertente da creare. Ma sopra ogni cosa, attingo principalmente dal mio background di cartoni animati e tende a concentrarmi maggiormente sulle forme quando creo i miei disegni. I nostri occhi sono pigri quando si tratta di associazione visiva. Piuttosto che ricordare dettagli e bei campanelli e fischietti che includiamo nelle nostre illustrazioni, un osservatore alla fine raccoglie la maggior parte delle loro immagini attraverso le forme di base.
Quindi mi chiedo spesso se dovessi togliere le trame, i gradienti neato, o qualsiasi bella lucentezza, il mio disegno funzionerà ancora quando sarà scomposto nella sua composizione più basilare? Se la risposta è no, allora si torna al tavolo da disegno letterale. Tutti gli extra fantasiosi che aggiungi a una grande base possono sempre migliorare il tuo design, ma non viceversa.
Spesso, sono questi piccoli elementi extra che incorpori nel tuo design che ti danno il tuo sapore distintivo (a meno che tu non sia uno dei fortunati che voglio dare un pugno geloso allo stinco, il cui stile distintivo è essere semplicemente fantastico).
Nei giorni del passato grafico, a tuttofare potrebbe atterrare un concerto di design e fare un bene lavoro di qualunque cosa gli fosse stata consegnata. Ma quei lavori sono così lontani e pochi tra adesso. Un'azienda sa che presentare un marchio unico è fondamentale per la fidelizzazione dei clienti. Quindi è più importante che mai ora essere in grado di rappresentare te stesso con un forte, coerente, stile della firma, specialmente nel mercato saturo di oggi - dove tutti e il loro fratello (e il cane del fratello) hanno accesso al software di editing delle immagini e si immaginano come designer.
Essere solo bravo in tutto è una vendita molto più difficile ora. Un potenziale cliente non ha alcun incentivo ad accompagnarti quando possono sempre trovare qualcun altro che fa ciò che fai, e probabilmente meno costoso. Non dare la possibilità al tuo cliente di accompagnarti, perché nessun altro fa quello che fai come te.
Kukubee è stato creato da due anime gemelle, Brent e Brandi, che condividono l'amore per tutte le cose adorabili, astute, paurose e talvolta calve. Guarda la mia arte su kukubee.com e seguici su Twitter: @kukubee.
Il mio stile e la mia tecnica di illustrazione si sono evoluti e continuano a evolversi in modo subconscio. Sin da quando ero molto giovane, mi sono sempre interessato allo sviluppo di personaggi come forma di auto-espressione. Prendo un approccio molto organico al mio lavoro. Spesso non penso a creare e comunicare uno stile unico, al contrario cerco di rimuovere ogni barriera e linea guida e di lasciare che il mio subconscio comunichi tutto ciò che vuole comunicare. C'è qualcosa di estremamente affascinante nel lasciare andare il tuo subconscio ed esprimersi con forme, colori e occhi.
Il mio nome è Camilo Bejarano, noto anche come Ph7labs. Sono un designer e illustratore con sede in Florida, USA. Mettiti in contatto con me su ph7labs.com o @ ph7labs su twitter.
Il mio stile mi è venuto naturale dopo un lungo periodo di sperimentazione ed esplorazione. Come un periodo di tempo, direi che ci è voluto circa un anno per ottenere l'estetica visiva al punto che è ora.
Il mio stile durante la scuola d'arte era molto diverso dallo stile che ho ora. Allora la maggior parte del mio lavoro era disegnata a mano e si concentrava molto sui personaggi. Sentivo che questo era molto limitante e volevo creare uno stile che fosse veramente riflessivo per me, ma che poteva anche essere commercialmente valido per qualsiasi breve.
Sono stato molto fortunato ad aver seguito un corso che ha messo l'accento sul dilettarsi il più possibile prima di sistemare una voce o un modo di lavorare singolari. Dopo essermi laureato e aver preso tutte le abilità che avevo imparato durante il corso, sono tornato al tavolo da disegno e ho iniziato a trovare davvero la mia vera voce.
Anche fino ad oggi non vedo il mio stile come definito, perché come creativo sono sempre alla ricerca di difetti e miglioramenti per migliorare il mio sviluppo nell'illustrazione e renderlo più applicabile al mondo commerciale.
Il mio stile non è mai stato pianificato. Credo che ognuno abbia il proprio stile unico, proprio come la scrittura a mano di tutti è sottilmente diversa l'una dall'altra. Certo, gli stili possono sembrare simili e questo è il momento in cui devi approfondire personalmente, iniziare a sviluppare una voce singolare che ti riflette davvero e separa il tuo stile dal resto.
Ancora più importante il tuo stile deve diventare un modo naturale di lavorare per te in modo che qualunque cosa tu stia illustrando tu abbia una base molto forte su cui costruire.
Il mio stile non ha un ruolo importante nel mio processo di lavoro quando ricevo un progetto, dato che mi sento molto a mio agio e ritengo che possa essere applicato a un'ampia varietà di argomenti.
Ancora più importante per me ora è l'idea dietro l'illustrazione. Noi illustratori trascorriamo molto tempo lontano dal mondo commerciale sviluppando e perfezionando il nostro stile in modo che non dovrebbe essere così difficile quando si tratta di eseguirlo. L'aspetto più impegnativo è quello di trovare una grande idea, quindi fonderla con il tuo stile per creare un'illustrazione completa ed equilibrata che manda un messaggio, pur essendo visivamente stimolante.
Quando definisco uno stile penso che sia molto importante trarre ispirazione dalle immagini di cui sei davvero affascinato. Per me, amo guardare le culture antiche e la loro arte, inoltre ho un fascino per la simmetria, la composizione delle forme, la consistenza e il colore. Tutto ciò alimenta il mio lavoro e il continuo sviluppo del mio stile.
Jonny Wan è un illustratore con sede a Sheffield, nel Regno Unito. Il suo lavoro si concentra principalmente sulla combinazione di sperimentazione di forme, espressioni facciali e simmetria per produrre effetti visivi unici. Scopri di più sul suo lavoro su: jonnywan.com.
Lo stile dell'opera d'arte che creo è qualcosa che credo sia una combinazione di influenze dell'infanzia e di portarli avanti.
In un certo senso è una miscela dei due. C'è sempre stata una visione di fondo che ho avuto dello sguardo che volevo avere il mio lavoro, ma solo quando sono stato in grado di farlo lascia andare a un certo punto e lasciare che l'arte abbia la stessa voce in capitolo su dove ha voluto condurre ho raggiunto un livello di soddisfazione con l'arte che creo.
Di solito lottavo un po 'con lo stile delle opere d'arte che ammiravo e quello che c'era dentro di me. Mi sento come se avessi raggiunto un sano equilibrio tra dove volevo andare e dove la creatività voleva portarmi.
Dipende dal progetto. Sono abbastanza fortunato a questo punto nel tempo che i clienti mi assumono per creare illustrazioni e personaggi per loro nello stile che vedono nel lavoro esistente che ho fatto, quindi è più un problema di rimanere sul punto che considerare lo stile del opera d'arte.
Sono sempre stato, e sono tuttora, un fan della line art audace, fluida e graficamente stilizzata. Sono anche un grande fan della geometria sottostante, anche se quella geometria non è sfacciata nell'opera d'arte finale. Il colore funge da complemento alla linea artistica.
George Coghill è un illustratore e fumettista umoristico, specializzato in character design per mascotte e loghi. Puoi vedere i suoi cartoni animati lavorare a Coghill Cartooning, saperne di più sul suo lavoro sul suo blog e seguirlo su Twitter: @gcoghill.
Non sono stato coinvolto nell'arte digitale per molto tempo. Ho iniziato a fare arte seriamente circa due anni fa e sto ancora crescendo e provando un sacco di cose nuove per far evolvere il mio stile. Non era una decisione consapevole. Quando ho iniziato, ho scelto solo cose che mi hanno ispirato. Un giorno ho fatto una foto che aveva un look assolutamente nuovo per me. Ho deciso quel momento in cui ho trovato il mio stile. Poi ha iniziato a cambiare. Non posso dire come sta accadendo e dove sta andando.
L'illustrazione non è la mia unica fonte di ispirazione. Lo trovo anche in architettura, moda, fotografia, installazioni artistiche, arte popolare e molti, molti altri posti, anche alcune cose pazze della scienza.
Colori e sfumature sono le grandi parti del mio stile. Mi piace anche creare una sensazione dello spazio, una sorta di profondità e sperimentare l'illuminazione. Inoltre, presto molta attenzione alle forme, prendendomi del tempo per renderle perfette. Il software influenza anche un po 'lo stile. Quando mi sono trasferito da Photoshop a Illustrator, il mio stile è cambiato molto. Ora sono innamorato del vettore.
Il mio vero nome è Alexandra, ma sono meglio conosciuto come Zutto. Ho 26 anni, vivo in una piccola città chiamata Miass, in Russia. Lavoro come designer / illustratore freelance, principalmente disegnando con il vettore. Non ho alcuna istruzione speciale e sono autodidatta in questo modo. Puoi saperne di più sul mio lavoro su zuttoworld.com.
Non mi piace davvero pensare stile nel senso convenzionale perché suona come una destinazione, dove creare arte dovrebbe essere il viaggio. Nei miei primi anni '20 avevo un'idea che una volta mi è venuta in mente il mio stile tutto nella mia carriera sarebbe scattato in posizione. Mi ha messo un sacco di inutili pressioni quando avrei dovuto imparare gli strumenti e divertirmi. Ma ovviamente, non l'ho imparato fino a quando sono cresciuto un po ':)
Tuttavia, quando si tratta del tipo di lavoro che sto facendo, è essenzialmente un punto di arrivo di un sacco di cose a cui sono interessato. Non solo altri artisti, ma spunti di design che erano prevalenti quando ero bambino all'inizio anni 80.
Negli ultimi anni ho spostato la mia attenzione solo sulla creazione di un lavoro che è stato divertente, cose che il 7-year-old James potrebbe voler appendere al muro nell'82. Questo mi ha portato a guardare al design e all'animazione fin dalla mia infanzia, e tipo di reinventare quell'idea con quello che ho imparato sul design. Quindi se ci pensi in questo modo, ho sviluppato lo stile sin da quando ero bambino (ero sempre a caccia di cose interessanti).
Si è evoluto molto organicamente, ed è così che cerco di lavorare su ogni livello. Ho iniziato a lavorare con molti teschi con effetti pittorici, simili al lavoro del frontman dei Converge Jacob Bannon. Ho iniziato ad aggiungere diversi elementi di design e temi di colore per mantenere le cose interessanti e mi sono divertito a lavorare con linee e frammenti di grandi dimensioni. L'ho portato al livello successivo inserendo queste strane forme in Flash per generare gruppi di assortimenti casuali, che ho trasferito su Illustrator per manipolarli e pulirli. Una volta scoperto che sembravano davvero fantastici quando sovrapposti uno sopra l'altro in Photoshop, erano tutti i sistemi disponibili.
Successivamente sono diventato molto interessato alle animazioni degli ID di rete degli anni '70 e '80, in particolare il logo NBC con tutti i suoi colori selvaggi. Ho visto molte di queste animazioni su YouTube e ho cercato di applicare l'estetica e la tavolozza al mio lavoro in un modo interessante. Hanno anche effetti pazzeschi di luce su lettere e disegni, che è qualcosa che ho preso direttamente e messo nel mio lavoro.
Una specie di. Alla fine cerco di divertirmi mentre lavoro su qualcosa, indipendentemente dal progetto. I clienti con cui sto attualmente lavorando mi stanno assumendo a causa di ciò che vedono nel mio portafoglio. Mi piace perché possono essenzialmente dire "Sai come hai realizzato quel poster in Rete? Puoi farlo per me?" Se il tempo lo consente, cercherò sempre di aggiungere uno spin unico a quello che faccio, quindi non mi sto semplicemente replicando per un cliente. Voglio dare loro qualcosa di unico, non un'estensione sul mio portafoglio personale.
Quando si tratta del mio lavoro, considero lo stile in una certa misura. Mi piace avere i miei poster Signalnoise che si incastrano nel loro insieme, in cui puoi appenderli tutti su un muro senza tanta differenza che sembrano strani. Mi piace la coerenza, ma questo non significa necessariamente compiacimento. In definitiva, voglio divertirmi a creare qualcosa e voglio che il divertimento si mostri nel prodotto finale.
Mi è stato chiesto questo prima da amici e dico sempre "Oh, non lo so. Linee e arcobaleni!" Gli elementi che uso sono per lo più ispirati agli ID di rete che ho menzionato prima. Forme tipografiche, colori a spettro completo, bagliori luminosi, trame afflitte, sfocature e bagliori granulosi. Mi piacerebbe vedere il mio lavoro in armonia con qualcosa che la NBC avrebbe mandato in onda nel 1977.
Detto questo, cerco anche di aggiungere elementi appresi guardando il lavoro di Paul Rand, Milton Glaser, Josef Muller-Brockman e Saul Bass. Questi ragazzi conoscono la loro roba e mi sento subito stupida ogni volta che li cerco. Ma conoscevano i loro mezzi, sapevano che le loro regole e i loro portafogli fungono da fonte di apprendimento fantastica per un ragazzo come me, che vuole solo fare poster per sempre.
Quello che ho imparato negli ultimi dieci anni è che la ricerca di aver bisogno di uno stile per definire te stesso non fa altro che aggiungere pressione e frustrazione a qualcosa che davvero dovresti goderti. Invece di cercare di forzare qualcosa, pensa a chi sei e a cosa sei veramente interessato. Impara i tuoi strumenti e divertiti a farlo. Ma il punto più grande è provare nuove cose ... provare cose che non ti vedresti fare perché potresti amarlo. Diavolo, sono un metallaro che fa poster con arcobaleni. Pensi che potrei averlo previsto 10 anni fa? :)
James White è un artista e designer grafico che vive ad Halifax, in Nuova Scozia, Canada. Con 12 anni di esperienza, James ha lavorato su una serie di progetti di arte personale. I clienti dei suoi clienti includono Toyota, Nike, Google, VH1, Armada Skis, Wired Magazine e altro ancora. Ha partecipato a Computer Arts, Computer Arts Projects e riviste Advanced Photoshop. Scopri di più sul suo lavoro su Signalnoise.com, Behance, Flickr e seguilo su Twitter come @signalnoiseart.
Tieni d'occhio la seconda parte di questa intervista in due parti del gruppo. Avremo altre grandi risposte da illustratori fantastici sullo sviluppo dei loro stili artistici in arrivo.
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