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Glenn Robinson è un nativo della California e un designer estremamente unico. Ha uno stile impeccabile e incomparabile di miscelare perfettamente molti elementi diversi. Ma per di più, a differenza della maggior parte dei designer, Glenn lo fa solo come hobby, e il suo lavoro è probabilmente migliore di alcuni designer a tempo pieno. In questa intervista Glenn condivide con noi alcune delle sue conoscenze sulla giusta miscelazione e alcune delle sue opere, tra le altre cose. Quindi passiamo a un'altra grande intervista!
Grazie per l'invito a essere intervistato, prima di tutto! Mi chiamo Glenn Robinson. Sono nativo e attualmente residente a Sacramento, California, USA. Ho iniziato con l'arte digitale nel giugno del 2006. Una sera mentre ero a casa stavo cercando alcuni tutorial di Photoshop online e mi è capitato di imbattermi in un sito web della comunità "GFX" chiamato ParallelFX. Avevano una sezione tutorial sul loro forum che mostrava alle persone come creare firme e tag per forum. Dopo aver frequentato questa comunità per un po 'ho imparato che in realtà esisteva una cultura mondiale di artisti digitali che producevano una vasta gamma e varietà di opere d'arte, e questo mi ha molto incuriosito.
Sono passata dal fare piccole firme per forum a lavorare su tele più grandi nel 2007. Fin dalla mia infanzia, l'arte ha sempre avuto un ruolo importante nella mia vita. Così ora, anche da adulto, non è stato strano trovarmi attratto da un nuovo mezzo espressivo potente come l'arte digitale.
Albero della vita e della conoscenza
Tre sono le cose più importanti nel mettere insieme i vari elementi: (1) composizione, (2) illuminazione / ombreggiatura e (3) miscelazione.
La collocazione dei vari elementi sta per creare o distruggere un pezzo: è qui che entra in gioco la composizione. Anche se i tuoi oggetti sono del tutto estranei o creati usando diversi media, puoi posizionarli con, sopra o intorno ad altre cose in un modo che sembra buono. Il trucco sta cercando di capire quella parte. Sperimentare è fondamentale, ma come regola generale si desidera che la composizione indichi un oggetto focale principale.
L'illuminazione e l'ombreggiatura aiutano tutti i tuoi pezzi ad avere senso l'uno con l'altro. Assicurati che tutti i tuoi oggetti abbiano la stessa direzione di illuminazione e le ombre corrispondenti appaiano un senso di realismo al tuo pezzo che è fondamentale.
La fusione è spesso un termine così nebuloso gettato in giro dagli artisti digitali. Ciò che intendo per "miscelazione" è prendere il tempo necessario per bilanciare la luminosità e il contrasto, i livelli e i toni su ogni singolo livello dell'oggetto per assicurarsi che tutto appaia come se fosse sulla stessa tela. Di solito prendo i miei segnali di fusione dal mio oggetto focale principale, cercando di far si che ogni altro elemento si mischi con esso. A volte il blending significa texturing, sbavature o soft brush che cancellano certe parti (o tutti) degli altri elementi per renderli adatti,.
Appendi in alto
Sì, sono uno degli amministratori del gruppo artistico Intrinsic Nature. Devo dare un rapido grido agli altri amministratori Sander Abbema, Dan Maglasang e Anthony Giacomino perché IN è sicuramente una famiglia e non potremmo fare nulla a parte i contributi di ogni membro dello staff e artista attivo del gruppo!
IN è stato creato all'inizio del 2008 come progetto tra me e Dan Maglasang. Ironia della sorte, Dan e io ci siamo conosciuti per la prima volta nella comunità del forum di ParallelFX nel 2006. Dato che eravamo entrambi nativi della California, avremmo chiacchierato di tanto in tanto e ci siamo tenuti in contatto. Il nostro sogno per un gruppo artistico è emerso nel dicembre del 2007 con l'idea di formare un team di artisti che adottasse un approccio completamente "freestyle" alle mostre d'arte online, al contrario di mostre a tema come depthCORE o slashTHREE. Volevamo sottolineare la natura creativa e sperimentale del nostro lavoro, così abbiamo definito ciascuna delle nostre versioni successive "Esperimenti".
Da allora, siamo stati in grado di accumulare una notevole serie di artisti internazionali di talento e di produrre mostre d'arte di alta qualità utilizzando diverse forme di media. Lo scorso agosto abbiamo svelato il nostro 6 ° esperimento (IN6) e siamo attualmente impegnati nel processo di sviluppo della creazione di IN7 che verrà presentato martedì 22 dicembre.
Uomo di medicina
Grazie per il complimento! "Haywire" è stato uno sforzo di collaborazione tra me e il mio amico Guilherme Damasceno. Guilherme ha creato le forme astratte usando rigorosamente Photoshop e io le ho prese e le ho schiacciate insieme con uno stock di modelli funky per creare l'immagine che vedi. Con il mashing, ovviamente, intendo tutte le cose che ho spiegato nella domanda n. 2.
Onestamente, non c'è davvero un significato statico per questo particolare pezzo. Penso che invece di provare a presentare un concetto stavo semplicemente cercando di catturare uno stato d'animo, un'emozione. Che sensazione ti viene in mente quando guardi questo pezzo? Sì, questo è ciò che significa questo pezzo!
Come nota interessante: gli elementi colorati bianchi sullo sfondo sono in realtà immagini scansionate di un "dipinto" acquerellato che il mio figlio di 2 anni ha recentemente fatto. Ho dovuto lavorarci in qualche modo!
confuso
Sono autodidatta perché in realtà ho scelto questo lavoro come hobby. Nel mio stadio della vita non avrebbe avuto senso andare a scuola per imparare l'arte digitale; inoltre, non penso di essere disposto o desideroso di sborsare quel tipo di denaro verso la scuola che questo tipo di lavoro richiederebbe.
Prima di tutto sono un marito, un padre, un pastore e un insegnante di scuola. Per me, l'arte digitale è un passatempo piacevole, quindi ha tutto il senso del mondo di aver semplicemente insegnato a me stesso. L'unico aspetto negativo che riesco a vedere in questo modo è stata la curva di apprendimento molto più difficile e più lunga. Quindi gran parte di esso diventa trial-and-error e alla fine perde tempo. Ecco perché quando insegni a te stesso è meglio trovare un mentore o due che ti aiuteranno lungo il cammino con consigli e suggerimenti importanti. Sono grato a tutte le persone che hanno avuto il tempo di darmi una mano nel passato!
Mitosi The Visual Remix
L'ispirazione per "Soul of the City" e "Tree of Knowledge" è semplicemente questa: cercare di spingermi oltre i limiti dell'espressione artistica. Volevo che entrambi quei pezzi esemplificassero il duro lavoro, l'artigianato dettagliato e il design innovativo. Sento davvero che gran parte del successo di quei pezzi è direttamente attribuita al team di artisti di Intrinsic Nature. Molti di quei ragazzi e ragazze hanno dato una critica utile e coerente su entrambi i lavori, costringendomi a dedicare sforzi diligenti e cura a ciascuno di quei pezzi per renderli il meglio che potevano essere.
I temi scuri creano un grande contesto per il contrasto della luce. Penso che sulla tela scura si possa vedere e apprezzare meglio la brillantezza della luce e del colore. In "Soul of the City" e "Tree of Knowledge" le parti che mi piacciono di più sono le porzioni che sono accentate con il colore e brillano con l'illuminazione radiante.
Soul Of the City
Mi dicevo di stare il più lontano possibile per conformarmi alle tendenze. La tendenza alla moda uccide l'identità. Quando sei alla moda, non sei fedele a te stesso; sei fedele alla folla. Rimani originale. Resta unico. Stai fresco.
Non c'è nulla di sbagliato nell'ispirazione: TUTTI prendiamo ispirazione da altri luoghi, da altre persone, da altre opere d'arte. Ma l'ispirazione che trovi ti aiuta semplicemente a far emergere la creatività "intrinseca" che risiede nella tua stessa anima. Dona questo al mondo e condividi con loro qualcosa che sia veramente significativo.
Stasera
Sì! Resta e non smettere mai, anche se hai voglia di arrendersi, aspetta! Prima o poi tutti "cliccheranno" e inizierai a vedere il payoff per tutti i tuoi sforzi. Grazie ancora per l'intervista, Emil. Dio benedica e pace!
Lavorare fino alla morte
Visitazione
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