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Cosa starai creandoI ritratti rappresentano un soggetto affascinante, soprattutto se combinato con elementi naturali astratti. In questo tutorial, condivido il mio metodo di ritrattistica dipingendo una donna eterea avvolta da piume. I miei strumenti di scelta sono Adobe Photoshop CS6 e la mia Wacom Tablet (Intuos 3). Dallo schizzo alla finale, descrivo varie tecniche per creare atmosfera, colore, consistenza e dettaglio. Nella sezione "Risorse", includo alcuni dei miei pennelli e trame personalizzati preferiti menzionati nel tutorial. Il mio processo è abbastanza pittorico e uso pochi strati, fondendosi costantemente. Compilare e condensare il materiale è stato molto divertente - spero che vi piaccia anche voi!
È ora di iniziare! Lavoro a una risoluzione di 300 dpi, anche se la dimensione varia costantemente mentre ritagliamo per scopi compositivi. La pittura su bianco puro può essere intimidatoria, quindi preferisco tonificare la tela con un grigio neutro usando lo strumento secchiello.
Mi piace impostare i miei strumenti per mostrare livelli, cronologia e un navigatore. Vedere immagini a distanza ti aiuta a cogliere errori trascurati che rendono il navigatore utile. Tiene anche la mente sul quadro generale, soprattutto quando dettagliare in seguito.
Dai un'occhiata a quei valori flaccidi. Non c'è bisogno di essere raffinato a questo punto. Mi piace usare un pennello gessoso per impostare il layout di base. Il bordo leggermente ruvido lo rende il mio pennello preferito di sempre e lo uso per il 90% del mio processo.
Preferisco iniziare in bianco e nero. Quando si tratta di leggibilità, il valore è la chiave. Quando le gerarchie di valori sono forti e chiare, tutto va bene. Il colore è secondario e introdotto molto dopo (anche se è la mia parte preferita e difficile da resistere)!
Salto diritto nella struttura facciale. Anche in questo caso, i dettagli non sono importanti ora finché l'anatomia generale viene letta. Quando si tratta di affrontare, spesso meno è di più. Una forma semplice può essere più efficace dei contorni dettagliati. Prestare attenzione all'illuminazione e, nel dubbio, tenere a portata di mano uno specchio per un'anatomia difficile.
I riferimenti alla compilazione sono convenienti a questo punto. Ho un paio di foto di fagiani, il cui piumaggio strutturato potrebbe essere utile per questo pezzo. Provo a portare spesso con me una macchina fotografica - non sai mai quando qualcosa di stimolante potrebbe saltare fuori da te. Trascino le immagini su un nuovo documento e le tengo vicino all'angolo del mio spazio di lavoro.
Mi piace usare Modalità di fusione per l'illuminazione e gli effetti cromatici (in particolare copertura e Luce soffusa).
Qui, aggiungo un bagliore centrale posizionando un evidenziatore grassetto, aerografato su un livello separato. Successivamente, vado alle impostazioni nell'angolo in alto a sinistra della sezione dei livelli e scelgo "Luce soffusa".
Textures! Divertente da realizzare e ancora più divertente da manipolare. C'è un sacco di scorte là fuori, ma se ti senti furbo, prendi degli acquerelli e vai a prenderlo. Per la migliore qualità, scansionarli il più possibile.
L'utilizzo delle trame offre un piacevole effetto tradizionale in contrasto con un aspetto digitale più fluido. Permette un senso di spontaneità e sperimentazione. Tendo a collage una serie di trame sui miei schizzi grezzi come base per aggiungere dettagli in seguito. Dopo aver posizionato la texture desiderata sullo schizzo, ho impostato il Modalità di fusione a Luce soffusa.
Quindi trasformo la trama per coprire l'intera immagine e la uso Immagine> Regolazioni> Bianco e nero desaturare. Una volta che la mia texture è stata formattata, vado a Immagine> Regolazioni> Luminosità / Contrasto e giocherellare con le impostazioni finché non appare senza soluzione di continuità.
Oltre all'atmosfera generale, le trame sono perfette per aggiungere rapidi suggerimenti di dettaglio qua e là. Questo è quando applico splatter e gocciolamento strati in tutto il pezzo in varie modalità di livello. Dopo aver desaturato lo splatter, ho impostato la modalità su Moltiplicare che elimina il bianco. Lo trasformo, cancella alcune aree e riduco l'opacità per un aspetto naturale.
Usando la trama a goccia, seguo un processo simile. Solo questa volta ho impostato la modalità su Dividere che inverte la trama e crea fantastici punti di riferimento di grigio e bianco.
Usando un pennello più nitido, inizio ad affinare il viso e le piume su un altro copertura strato. Questo pennello è ottimo per aggiungere linee e dettagli.
Lanciare la tela orizzontalmente ti permette di vedere il pezzo con occhi nuovi. Tutti gli errori abbaglianti saltano fuori e può essere estremamente utile (anche se a volte un po 'scoraggiante). Per capovolgere, andare a Modifica> Trasforma> Rifletti orizzontalmente.
Dopo aver visto l'immagine speculare, ho notato alcuni problemi con il bilanciamento, quindi seleziono un'area che vorrei manipolare. Di nuovo, vado a Modifica> Trasforma e questa volta scelgo Ordito. Ciò consente di spostare fluidamente la selezione utilizzando molti punti di ancoraggio diversi.
In questa fase, voglio appianare le trame e i dettagli per una migliore coesione. Su un livello separato, seleziono una spazzola morbida e leggermente aggiungo toni di grigio e bianco in tutto il pezzo.
È ora di preparare lo schizzo per il colore! Mi piace mantenere la tavolozza limitata e prendere in considerazione l'utilizzo di una combinazione di colori prevalentemente blu con riflessi gialli.
Per prima cosa vado a Immagine> Regolazioni> Bilanciamento colore e sposta l'immagine in ciano. Le ombre sono un po 'scure, quindi lo uso Immagine> Regolazioni> Colore selettivo e scegliere neri nel menu a discesa. Tirando il Giallo cursore a sinistra, i toni neri diventano più chiari.
Curves è un'altra tecnica di colore conveniente. In fondo al menu dei livelli c'è un'icona circolare che rappresenta un nuovo livello di riempimento o regolazione. Dalle opzioni, scelgo curve. Ci sono alcune impostazioni di colore tra cui scegliere - il mio preferito è quello blu. Traccio i punti su e giù sul grafico per un effetto vintage.
Per creare un punto focale, mi piace usare il Strumento sfumatura dall'opzione bucket paint nella barra degli strumenti. Nel menu in alto scelgo il gradiente radiale e modifico le impostazioni in base alla mia preferenza cromatica. Dopo aver impostato il gradiente su un livello separato, abbasso l'opacità e imposta il Modalità di fusione a Luce soffusa.
Per creare accenti cromatici, aggiungo un nuovo livello e lo imposto copertura. Usando un giallo saturo, dipingo leggermente campioni di colore in varie aree, in particolare intorno agli occhi.
Non ho ingrandito troppo, ma è ora di iniziare a lavorare sul viso e sull'espressione. Usando sia un pennello affilato che calcareo, aggiungo dettagli attorno alle ciglia, alle palpebre e alle labbra. Colgo costantemente il colore dall'ambiente circostante con lo strumento eyedropper per mantenere un mood coerente.
Quando si tratta di colore, posso essere incredibilmente indeciso. Mi rendo conto che preferisco uno schema di colori più blu e muto alcune delle luci gialle usando le tecniche del colore come prima. Ancora una volta, capovolgo la tela orizzontalmente e deforma il viso per una migliore simmetria.
Dopo aver messo a fuoco il viso, aggiungo più dettagli alle piume. Tengo il mio riferimento vicino mentre rielaboro le forme e le figure. Non è necessario seguire esattamente la foto, e spesso mi piace bilanciare i dettagli con lacune di aree più morbide e sfocate.
Non smetto mai di aggiungere trame, e qui metto una superficie chiazzata e grungy sul dipinto. Ho impostato la modalità di livello su Dividere, sposta la texture nell'angolo e cancella i bordi. Poi vado a Immagine> Regolazioni> Tonalità / Saturazione e assicurati di fare clic su colorize scatola per mantenere i toni uniformi. Gioco con i cursori finché non ho un colore e un valore che mi piacciono.
Quando si tratta di aggiungere dettagli più fini, mi piace usare alcuni di questi pennelli. Il primo pennello striato è ottimo per aggiungere sottili ciocche e linee intorno agli occhi. Il pennello tratteggiato di seguito è utile per aggiungere contorni sia scuri che chiari. Crea una linea spezzata e irregolare che simula l'effetto di un pennello sottile e asciutto.
Più indecisione! All'inizio cerco di aggiungere una luce rosa morbida attorno al viso della figura su a Luce soffusa strato. Tuttavia, decido che verde e giallo potrebbero essere più sorprendenti. Sposto le tonalità usando il bilanciamento del colore, ma salvo il mio livello precedente. A volte, mi rendo conto di aver commesso un errore enorme, urgente, e come l'assicurazione di salvare i miei passi.
Eseguo lo zoom avanti e continuo il lavoro intenso. Comincio in alto a destra del dipinto e continuo a sinistra fino a rifinire l'intero pezzo. A questo punto, mi assicuro che non vi siano più linee fluttuanti e nitide lasciate dalle trame.
Ora sul tocco finale. scelgo Filtro> Precisione> Contrasta intelligente e regolare le impostazioni.
Ho impostato il Quantità a 500% e il Raggio a 0,3 px. Affilare l'immagine in modo un po 'più lieve conferisce al dipinto un aspetto gradevole e opaco. È davvero visibile solo quando lo zoom è ravvicinato, ma crea più unità tra la trama e i tratti del pennello.
Yay, quasi fatto! Come sempre, il mio lato nit-picky entra in gioco e creo alcune varianti di colore tra cui scegliere. Mi piace giocare con saturazione e contrasto usando Immagine> Regolazioni> Vividezza. Questi sono cambiamenti sottili, ma può richiedere anni per decidere finalmente qualcosa.
Opto per uno schema di colori verde con accenni di rosso e giallo, inserisco la mia firma e lo chiamo un giorno!
Spero che questo tutorial sia stato in qualche modo utile! Il mio obiettivo era far luce su come creare volti e utilizzare digitalmente trame e pennelli. So che sto solo graffiando la superficie di tutte le possibilità, e attendo con ansia ulteriori esperimenti. Buona pittura e buona fortuna con la tua arte.
Accentsconagua