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Hai trascorso ore, forse giorni su un'illustrazione. Questo è l'unico pezzo di cui sei profondamente orgoglioso, ma qualcosa non va bene. Qualcosa non sta andando bene e non hai idea di cosa sia. Finché sai che c'è qualcosa di sbagliato nella tua illustrazione, sei a metà strada per migliorarlo.
In questo articolo, ti parlerò dei sette peccati vettoriali. Peccati di cui potresti essere colpevole e perché lo stai sbagliando. Ancora più importante, come ottenere il percorso corretto per il vettore della santità. Ti darò alcuni esempi di fallimento di un vettore epico, grazie ad alcuni dei miei lavori più vecchi che ora posso guardare indietro e affrontare il palmo. Questo articolo potrebbe essere che un calcio al culo è necessario per portare il tuo lavoro al livello successivo, quindi cerchiamo di andare avanti con esso già!
Iniziamo con probabilmente il più difficile da risolvere. Se hai problemi con i colori, è probabile che avrai bisogno di alcune lezioni sulla teoria dei colori. Imparare a bilanciare i colori e usarli in modo efficace per trasmettere il proprio concetto e ogni emozione è un'arte in sé.
Parlando di bilanciamento dei colori, ho attraversato una fase orrenda di inserire sfumature casuali negli sfondi dei miei ritratti perché non ero sicuro di cosa i colori sembrassero buoni con cosa. Quindi campionerei due colori dal ritratto (sotto gli occhi e l'ombretto) e riempito semplicemente lo sfondo. Certo, questo metodo non è sempre stato efficace e finisco per scontrare i colori ... labbra rosse brillanti con quello sfondo? Veramente? Potresti rabbrividire, ma non sarà l'ultima volta in questo articolo che lo fai.
Non c'è una soluzione facile a questo in quanto potrebbe richiedere di spingere te stesso per cambiare il modo in cui ti avvicini al colore ... Dovrei sapere come è stato qualcosa che ho trovato difficile da fare da solo. Ci sono un sacco di tutorial là fuori che parlano della teoria dei colori e di come applicare ad esso il tuo mestiere. Ad esempio, ne abbiamo molti su Tuts +: teoria del colore nell'illustrazione, teoria del colore nel web design e anche il nostro sito Mobiletuts + è al suo interno mentre informano i loro lettori con la loro introduzione alla teoria del colore. Non è qualcosa che puoi semplicemente leggere su un articolo e basta, sei il guru del design del colore dell'anno. Devi mettere in pratica queste abilità per perfezionarle. Arriverà con il tempo.
Se sei ansioso e devi risolvere immediatamente i problemi relativi ai colori, ci sono diversi modi in cui puoi aiutare te stesso all'interno del vettore, in particolare in Adobe Illustrator. Vi consiglio di controllare il mio articolo sull'utilizzo Adobe Kuler, che va anche oltre le risorse di colore di Illustrator.
Questo suonerà in modo estremo, ma sai come imparo a bilanciare i colori? Tingo i miei capelli con colori vivaci. Mi costringe a coordinare i miei vestiti, il trucco e i capelli. È una cosa superficiale da fare e certo, adoro avere i capelli rosa acceso in questi giorni, ma mi ha costretto a trovarmi letteralmente faccia a faccia con qualcosa che ho bisogno di imparare correttamente e con sicurezza.
Relativo ai colori, ma non rigorosamente qualcosa che puoi modificare con l'apprendimento di come usarli correttamente. Questo ha più a che fare con il modo in cui guardiamo le diverse aree di un'illustrazione. Spesso hai un processo per una superficie di un'illustrazione e poi un'altra per un'altra superficie. Questi processi possono coinvolgere diversi modi di scegliere i colori applicati alla tua illustrazione o potrebbe essere che tu abbia adottato qualcun altro come tuo, quindi non ha avuto il tempo di cambiarlo per seguire lo stile a cui sei abituato. Lascia che ti mostri un esempio del mio passato, forse puoi vedere quello che sto per indicare.
Ho irritato questo ritratto circa 10 anni fa di Alyson Hannigan. Problemi di rendering a parte, questo ritratto ha problemi con il contrasto. Non ho aggiunto abbastanza contrasto alla pelle, eppure sono riuscito ad aggiungere contrasto ai capelli. Puoi vedere chiaramente a destra del ritratto che c'è ombra sotto i suoi capelli e c'è ombra alle radici e lucentezza ai capelli. Tuttavia c'è poco contrasto nella pelle, il che la fa sembrare come se non avesse il naso e la sua mascella manca di definizione. Non è molto lusinghiero?
Innanzitutto, controlla le impostazioni del monitor, accertati di vedere effettivamente il contrasto correttamente. Sembra sciocco, ma potrebbe farti risparmiare un sacco di frustrazione e tempo!
C'è una soluzione rapida se hai problemi di contrasto su tutta l'illustrazione. Puoi mettere una forma sull'intera tavola da disegno, riempirla di colori e poi giocare con Dodge Color e Modalità di fusione a bruciatura a colori, quindi regolare il Opacità. Ciò consentirà di regolare il contrasto in pochi clic.
Con il mio ritratto Alyson, guardando indietro, potevo duplicare la forma per l'intera pelle e posizionarla sotto gli occhi e gli strati delle labbra. Potrei quindi riempirlo di colori e poi giocare con Colore brucia - Colore brucia dando la possibilità di scurire i colori. Quindi diamo un'occhiata a cosa può fare.
Poiché si tratta di un file molto vecchio e non ho più il file sorgente originale, non posso entrare e regolarlo accuratamente. Comunque ho messo un sacco di # 156d86 sopra la parte superiore dell'intero ritratto e impostarlo su Modalità di fusione Brucia colore, Opacità 16%. Questo ha fatto emergere il contrasto nell'ombra del viso.
Non dovremmo comunque affidarci a soluzioni rapide per tutto il tempo e potrebbe essere il caso di selezionare tutte le forme che creano la skin e utilizzare Recolor Artwork per creare il corretto bilanciamento del contrasto. In alternativa, guarda come scegli i colori o rendi ogni area. Ci sono differenze nel modo in cui lo stai facendo? In tal caso, considera la coerenza del processo per evitare problemi di contrasto.
Quando creo i ritratti in questi giorni, ho ancora problemi con l'ombreggiatura della mia pelle. Pertanto, quando finisco una zona ad alto contrasto, come i capelli, cerco di tornare sulla pelle e di bilanciare il contrasto usando le sfumature per forzare più ombre ed evidenziazioni in aree per bilanciarle. Potresti vederlo accadere nei miei tutorial di ritratto. Non c'è niente di sbagliato nel "finire" un'area e poi rivisitarla in seguito per mantenere la coerenza per tutto.
Quindi, dopo aver parlato della coerenza del contrasto, guardiamo alla coerenza stilistica. Potresti aver aggiunto troppi dettagli in un'area e poi non aver incluso abbastanza dettagli in un'altra ... il risultato ti dà uno stile incoerente e fa apparire le aree come se avessi copiato e incollato un vettore in un altro.
Questo accade allo stesso modo dei problemi di contrasto ... potresti aver imparato un'area da una fonte e non averla sintonizzata sul tuo stile. O forse ti manca la motivazione per rendere un'area sopra l'altra o addirittura, non sei così sicuro di rendere quell'area?
Diamo uno sguardo ai momenti del palmo della mano e vediamo se riesci a segnalare il problema della coerenza stilistica qui ...
Incoerenza in questo vettore era abbastanza per Marilyn a stringere la cravatta così tanto che il suo occhio saltò fuori dalla sua presa. Sì, anch'io ho avuto una fase di Marilyn Manson, ma come puoi vedere la faccia è "dettagliata" nel suo stile di rendering, così come i capelli ... ma sembra che non ho deciso di aggiungere questo stesso stile per tutto ... Ho anche aggiunto un piccolo dettaglio alla mano, ma non abbastanza da renderlo chiaro come il dettaglio in faccia! Si potrebbe anche notare che la mano manca di contrasto.
Allora perché è sbagliato? Voglio dire che potresti fare un pezzo che è dettagliato in una zona ma non nel resto, ma come appare questo ritratto è a metà finito. Avrei potuto migliorarlo assicurandomi che le forme create per le aree "semplici" fossero più raffinate, dando così l'impressione di dettagli. Avrei potuto fare uno sforzo per rendere la mano correttamente. La verità è che questo è un ritratto finito a metà e il motivo per cui non l'ho finito è perché ho trovato le mani difficili e ho trovato che rendevo noiosi i vestiti. E mostra. Dolorosamente.
Ci sono molti modi in cui puoi avvicinarti a questo:
Dai un'occhiata al mio tutorial su Come mantenere uno stile coerente in una serie di ritratti vettoriali per ulteriori suggerimenti.
Le immagini e i riferimenti sono fantastici ... Sono un grande fan. Questo perché sebbene io possa disegnare, ho bisogno di aiuto dalle immagini di riferimento. Anche se non sono così fiducioso in questi giorni (spesso mi allontano da loro e li uso solo come guida), molti anni fa ho usato letteralmente tracciare una curva immagine per curva, colore per colore e il risultato finale era efficacemente una versione vettoriale di una fotografia. Non c'è niente di sbagliato nell'usare immagini d'archivio, basta imparare a usarle in modo efficace.
Il problema è che, mentre un'immagine di stock può essere un'ottima guida, puoi ritenere artefatti nell'immagine che sono innaturali o che l'immagine potrebbe non essere di alta qualità sufficiente per raccogliere i dettagli necessari. Quest'ultimo finisce per creare ciò che comunemente vediamo come un blob di colore indefinito che non ha alcuna rilevanza per l'illustrazione.
Sono un professionista nel cadere in fallo di questo problema ... quindi lascia che ti mostri un esempio di dove ho sbagliato. Potrebbe volerci un po 'per riconoscere, ma mi prendo a calci per la sua stupidità.
Sì, sono quei jeans! Le macchie di colore hanno effettivamente creato un aspetto sfocato nei vestiti. La cintura ha spigoli vivi di colore e in una certa misura, così come il viso ... ma per seguire l'immagine della forma di Kelly Osbourne, le linee dei jeans non sono così nitide come dovrebbero essere. Tuttavia, c'è un peccato vettoriale ancora più grande qui. Vediamo se l'hai notato ...
Oh, vergogna! L'immagine che stavo usando come riferimento per questo era in scala di grigi ... e aveva una filigrana di qualche tipo sopra i jeans che era impresso sulla carta. Ho effettivamente disegnato le forme di questo. Guardando indietro, questo era probabilmente il numero "35" per qualche ragione. Mi fa rabbrividire così tanto. Lo negherò se non nel campo dei commenti di questo articolo.
Oltre a imparare effettivamente a disegnare, questo si riduce a esperienza e un sacco di pratica Ancora più importante, spingendo te stesso per andare oltre la tua zona di comfort. Se vettori ogni singola forma, raccoglierai tutti i difetti di un'immagine. Prendersi il tempo di riconoscere pattern e trame può aiutare a evitare problemi di rendering jean, ma anche come vengono costruiti gli oggetti.
Non sempre hai l'immagine della migliore qualità a portata di mano, specialmente se stai facendo un volto famoso. Tuttavia, assicurandosi di sapere quali sono le forme che si possono immaginare e disegnarle con sicurezza a prescindere da ciò che dice il riferimento, ciò contribuirà a dare all'illustrazione un aspetto professionale.
Per esperienza personale, ho avuto anni di creazione di illustrazioni vettoriali come hobby e non di essere pagato per questo. Così ho potuto sperimentare e giocare con i ritratti che ho fatto. È arrivato ad un punto in cui mi sono reso conto che stavo copiando le immagini di carbonio e non ne ricavavo nulla. Così mi sono ripromesso, con ogni nuovo progetto vettoriale che ho iniziato, stavo per deviare dall'immagine originale e aggiungere qualcosa di nuovo o modificarlo. Da questo, ho acquisito la sicurezza di poter creare acconciature stravaganti, abbigliamento e persino espressioni alteranti. Se non hai fiducia nel disegno, spingiti con ogni illustrazione per andare oltre ciò che è giusto di fronte a te.
Essere in grado di rendere la linea arte dall'aspetto professionale non è un compito facile. Apparentemente alcune persone dimenticano di controllare le cose più semplici, come i limiti di mitra e finiscono per avere i loro errori visualizzati in televisione. Non posso guardare questo spettacolo allo stesso modo mai più ...
Lo spettacolo di cabaret di John Bishop nel Regno Unito ... con un angolo insidioso nell'angolo in alto a sinistra Mitre join, linee intersecanti e Stroke Weight sono solo alcune delle aree a cui potresti dover prestare maggiore attenzione. Se non stai facendo una grafica in stile schizzo, dovrai prestare attenzione alla tua grafica. Non passare il tempo per perfezionarli renderà la tua grafica al tratto trascurata, affrettata e abbattere significativamente la qualità del tuo lavoro.
Supponendo che tu non stia creando una grafica in stile schizzo, dove il punto è confuso, ci sono alcune aree chiave che devi prestare attenzione a:
Puoi ottenere alcuni ottimi consigli per perfezionare la tua grafica al tratto guardando il mio tutorial Funky Line Art Portrait e il mio tutorial Vintage Scooter.
La tendenza al design piatto è su di noi e non sembra rallentare, ma non è solo questo stile che è dipeso da curve lisce e precise. Per molte illustrazioni che dipendono da un aspetto semplice e minimalista, le curve sono un aspetto del design.
Sebbene la maggior parte del mio lavoro abbia coinvolto molti dettagli, il simbolo dell'Orda di questo mi perseguita. Quelle curve ... oh mio, riducono la qualità di questo ritratto.
Dai uno sguardo più da vicino ai punti del simbolo attorno alla sua testa ... e alle sue curve esterne. Sembra piuttosto sciatto, non credi? Bene, immagina di lavorare su un pezzo che si basa su questo stesso stile, non solo su un elemento. Quello è un incidente automobilistico che aspetta di accadere.
Se lavori prevalentemente con forme semplici e design minimalista, non solo in questa tendenza di design piatto, quindi dimentica di usare il Strumento Penna, il Strumento pennello o anche il Strumento di matita. È tempo di imparare dalla vecchia scuola e formare le tue illustrazioni da forme di base, linee rette ed effetti. Impara come usare Offset Path, Effetto> Deformazione e Effetto> Distorci e trasforma. È decisamente ora di familiarizzare con il esploratore pannello mentre ci sei.
Questi strumenti ed effetti di base faranno ciò che dice sulla latta, manterrà le linee e le forme di base. Lo strumento penna (e altri) non sono accurati nella creazione delle forme che stai cercando e la precisione è la chiave per creare curve morbide.
Se ti piace questo stile, consiglio vivamente i tutorial di Vectortuts + autore Andrei Marius. È un artista vettoriale altamente qualificato e crea la maggior parte dei suoi disegni senza utilizzare lo strumento Penna. Ciò significa che si affida all'utilizzo degli strumenti chiave necessari per creare curve morbide. Un ottimo esempio di "farlo bene" sarebbe il suo fantastico tutorial sulla creazione di un accendino dettagliato senza utilizzare lo strumento Penna.
Ogni volta che un artista vettoriale utilizza Salva come ... per creare un JPG, un punto di ancoraggio perde le barre del manubrio. Ho visto molto nel mio tempo e sono grato che non sia in realtà una di quelle cose di cui mi sono innamorato. Hai fatto tutto questo per rendere fantastica la tua grafica vettoriale, infatti non stai fallendo in nessuno degli altri sei peccati vettoriali, ma cadi all'ultimo ostacolo. Ho visto persone che si sono spinte fino a schermare il loro lavoro e incollarlo in Adobe Photoshop e salvarlo lì, solo così ottengono la risoluzione che vogliono. Non sto scherzando.
Perché questa cosa è così brutta? Beh, il modo in cui Adobe Illustrator visualizza il tuo lavoro in tempo reale non è necessario come verrà visualizzato quando lo salvi correttamente e alla risoluzione richiesta. Questo è particolarmente vero quando usi la grafica al tratto, effetti live raster e mesh a gradiente. Se non si salvano i file immagine Web correttamente, tutto il tempo che si è speso per creare quell'immagine vettoriale perfetta va a buon fine.
C'è solo un modo ... usa File> Salva per Web e dispositivi (o Salva per Web nelle versioni successive). Inoltre, se usi Adobe Illustrator CS4 e oltre, usa il tuo Strumento tavola da disegno (MAIUSC + O) efficacemente come uno strumento di ritaglio e definire l'area della composizione. Quindi, quando si salva per Web, è possibile specificare le proprie risoluzioni Altezza larghezza e Clip a tavola da disegno per salvare solo all'interno di quella zona ... Simples!
C'è una cosa che tutti abbiamo in comune e cioè siamo stati tutti i principianti a un certo punto delle nostre vite vettoriali. Non è stato fino a quando non abbiamo commesso quegli errori e abbiamo imparato da loro che sapevamo la giusta direzione da seguire. Mi ci è voluto più di un decennio per arrivare a dove sono ora ea volte cado in fallo per uno dei peccati, ma essendo consapevole di loro posso impedire loro di vedere la luce del giorno.
Non picchiarti e ricorda che le regole sono fatte per essere infrante. Migliorerai se hai la passione per quello che stai facendo e starai meglio. Non c'è dubbio che se continui a seguire i fantastici contenuti qui su Tuts +, ci arriverai più velocemente e forse potremo mostrarci una cosa o due!
L'immagine di anteprima è stata creata usando un Tuts + Premium Pack: Devil Heads.
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