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Il disegno è un'abilità complessa. Devi imparare cose come abilità manuali, tecniche a matita, precisione, prospettiva, gesti, anatomia, luce e ombra ... Ma anche quando sei un maestro di tutto questo, anche se la tua foto ha tutti questi elementi, potrebbe ancora essere qualcosa di sbagliato in questo. Questo fattore sfuggente si chiama composizione.
La cattiva composizione può distruggere l'impatto anche delle opere d'arte più raffinate. Tuttavia questo argomento viene spesso sorvolato nelle lezioni di disegno, con solo pochi esempi di composizioni buone e cattive presentate, lasciando tutto al tuo intuito.
In questo articolo mi piacerebbe adottare un approccio più pratico alla composizione. Di cosa si tratta, in realtà? Di cosa è fatto? E, soprattutto, come puoi assicurarti che la composizione compaia prima di posizionare la prima linea, invece di vederla solo dopo che è stata completata? Continua a leggere e risponderò a queste domande per te!
Per dirla nel modo più semplice possibile, la composizione è una disposizione di elementi che ci fa vedere come un tutto. Ogni opera d'arte ha alcuni composizione. Puoi crearlo consapevolmente o per sbaglio, ma non puoi creare un disegno senza di esso.
In un senso più pratico, la composizione è la relazione tra gli elementi dell'immagine. E questa relazione, non gli elementi, è la prima cosa che notiamo. Allo stesso tempo, è in realtà invisibile per noi. È come lo scheletro di una creatura vivente: non puoi vedere le ossa, ma fanno sembrare il corpo come fa. Senza lo scheletro non ci sarebbe forma.
Lo scheletro crea la forma mentre è invisibile per noi.Eppure è la forma che vediamo, e se provi a disegnare solo la forma, potresti finire con qualcosa di innaturale. Potresti accidentalmente creare una forma che sembra giusta, ma essere consapevole dell'influenza dello scheletro aumenta le tue possibilità di farlo.
È lo stesso con la composizione. Puoi provare a indovinare come posizionare gli elementi dell'immagine e augurarti il meglio, ma puoi anche imparare che cosa fa sembrare un'opera d'arte e utilizzare questa conoscenza a tuo vantaggio.
La buona composizione è tutto sull'equilibrio. Troppo è tanto male quanto troppo poco. Se il tuo disegno è un piatto, la composizione è il condimento. Non importa quanto tempo hai passato in cucina, i condimenti usati impropriamente possono rovinare il tuo lavoro. Ma cosa significa "corretto"? E quali sono i "condimenti" della composizione?
Poiché la composizione è una relazione, è necessario che siano presenti almeno due elementi. Quella relazione tra loro può essere basata su molti fattori, rendendo questo problema così complicato. Affrontiamoli uno per uno.
Sebbene la composizione richieda almeno due elementi, non è possibile evitare di creare una composizione disegnando un elemento. Ci sarà sempre una relazione tra quell'unico elemento e il telaio.
Per "cornice" non intendo solo le cornici riccamente ornate di dipinti tradizionali. La cornice è il bordo dell'opera d'arte. Anche se non ti interessa affatto, una cornice è creata dai bordi del tuo foglio di carta, o, se ne fai una foto, dal ritaglio.
In altre parole, una cornice è un confine tra ciò che è parte dell'opera d'arte e ciò che non lo è. Questo bordo diventa una parte della composizione non appena disegni qualcosa all'interno di esso: è il mini-universo della tua opera d'arte. Quando mostri la tua arte a qualcuno, i loro occhi guardano tutto il fotogramma nel suo insieme, indipendentemente da dove si trovi il disegno reale.
1-artwork; 2-non opere d'arteQui stiamo arrivando alla questione dello spazio negativo. Nella foto, non vediamo solo ciò che viene disegnato, ma anche ciò che non lo è. L'area tra il disegno e la cornice non è "nulla". Lo vediamo, anche se non è stato creato coscientemente. E anche se ignoriamo quella parte, essa aggiunge ancora al significato dell'immagine e influenza la nostra percezione di essa.
Spazio positivo contro spazio negativo: quando ne crei uno, l'altro viene creato automaticamenteQui, il disegno è piccolo rispetto al resto dell'area grafica. Lo spettatore vedrà molto spazio e il personaggio. In realtà, lo spazio è la stella di questa immagine! Se è quello che volevi, non c'è niente di sbagliato in questa composizione: mostra l'insignificanza del personaggio, che può essere utile. Se non era il tuo obiettivo, e volevi che il personaggio fosse la stella, questo è un errore.
Qui abbiamo la situazione opposta. Il personaggio occupa quasi tutto lo spazio e, di conseguenza, lo fa diventa lo spazio. Il personaggio qui è in realtà un'opera d'arte, non un personaggio dell'opera d'arte. I suoi dettagli diventano invece i personaggi.
Qui il personaggio sembra voler provare a lasciare l'opera. Lo spettatore può vedere un sacco di spazio vuoto e un personaggio non interessato alla propria visualizzazione. È buono o cattivo? Ancora una volta, è una questione di intenzione.
Come puoi rendere queste composizioni più interessanti? Suggerimento: non esiste un'unica soluzione corretta per ciascuno.
La composizione può essere spiegata principalmente mostrando il confronto tra gli elementi. Il contrasto è una misura della differenza tra loro. È molto importante, perché vediamo al confronto: confrontiamo lo spazio bianco con le linee scure per vedere un disegno.
Il contrasto rende le cose interessanti, perché attira la nostra attenzione. Separa due cose, facendoci guardare singolarmente. Le immagini sottostanti hanno lo stesso numero di elementi, ma quello a destra ha un contrasto maggiore. Quale composizione ti sembra più interessante?
Un contrasto elevato ti fa trovare rapidamente un elemento, il che ti dà un improvviso picco di interesse. Il contrasto basso mostra la stessa cosa più lentamente, con più sforzo, il che si traduce in una reazione attenuata.Quando si guarda un'immagine, si confrontano le varie caratteristiche degli elementi per raggrupparli visivamente per una reazione più rapida. Maggiore è il contrasto, più facile è creare un tale raggruppamento e più soddisfacente si sente. Ci sono molte caratteristiche che possiamo usare per misurare il contrasto:
Possiamo usare tutte queste caratteristiche per creare contrasto nella nostra composizione. Tuttavia, c'è un problema qui. Il contrasto ha bisogno di equilibrio per funzionare. Troppe cose diverse diventano una cosa-caos. Troppo pochi diventano una cosa come bene. Per ottenere un effetto naturale, è necessario bilanciare il caos e l'ordine.
1-chaos; 2-equilibrio; 3-ordineIl contrasto è così potente perché ha un significato evolutivo: ci fa vedere la testa di un leone in un mare di erba, o un singolo frutto rosso tra le foglie verdi. Attira la nostra attenzione su ciò che è importante. Ed è così che dovresti usarlo nella tua composizione: attirare l'attenzione su ciò che è importante.
Ovviamente, questo significa che devi decidere cosa è importante e cosa è solo uno sfondo. Dopo questo, è solo questione di dare loro caratteristiche opposte. Non è necessario usarli tutti o renderli tutti opposti. È tutta una questione di scelta stilistica - il realismo non ama l'esagerazione, ma gli stili dei cartoni animati prosperano su di esso.
Lo stile Chibi usa il contrasto tra un corpo piccolo e una testa enorme per rendere il personaggio carino come un bambino.Ciascuno di questi oggetti sarebbe noioso se posto separatamente. Insieme creano una relazione, e questo è ciò che vediamo - non due oggetti, ma un senso di scala.
Qui il senso della scala si perde. Troppi contrasti portano al caos, creando uno schema disordinato piuttosto che una scena.
Ma il caos può essere un ottimo sfondo per un elemento importante che vogliamo mostrare! Se solo differisce abbastanza dal caos, sarà visto come la prima cosa, rendendo lo sfondo insignificante.
Quali di queste composizioni sono interessanti e quali no? Perché?
Spesso diciamo che la composizione riguarda la disposizione degli elementi, la loro posizione l'uno verso l'altro. Ma ci sono disposizioni corrette e non corrette? Non esattamente, ma c'è una cosa certa: certi accordi hanno un significato per noi.
Rhythm è una scorciatoia visiva che il nostro cervello prende. Se alcuni elementi seguono un ritmo, non abbiamo bisogno di guardarli tutti uno ad uno: una fila di balaustre è una recinzione, una "nuvola" di foglie è una corona di alberi, ecc. Ma prendiamo anche suggerimenti più sottili, separare gli oggetti naturali ("come dovrebbero essere") da quelli innaturali ("come qualcuno li ha fatti").
Rhythm crea un diverso tipo di contrasto. In questa immagine, il piccolo fiore attira la nostra attenzione non solo perché è piccolo rispetto a quelli grandi, ma perché rompe il ritmo. Trasforma "una fila di fiori" in "un piccolo fiore tra i grandi".
Ma non è solo una questione di contrasto. Il ritmo ci fa vedere qualcosa che non è stato davvero disegnato. Una fila di pietre significa che qualcuno li ha messi in questo modo. Una "nuvola" di foglie su un albero significa che appartengono alla stessa pianta. Elementi che vanno nella stessa direzione significa che sono guidati dallo stesso potere (che si tratti di vento o paura).
Questo dà ulteriori informazioni alla foto. E questa informazione non dovrebbe essere accidentale, perché aumenta l'impatto della composizione. Basta guardare: un semplice disegno a tema "pesce nuotatore" può essere trasformato in "andare controcorrente" semplicemente rompendo il ritmo.
Il ritmo (o la rottura) non dovrebbe essere casuale. Significa qualcosa - non lasciare che questo significato si presenti in un modo del tuo messaggio previsto.Il ritmo spezzato di una recinzione rotta attira immediatamente la nostra attenzione. Quello che è successo? Era un branco di mucche pazze o solo un contadino ubriaco su un trattore? Una storia si svolge solo rompendo il ritmo.
Questa composizione è interamente relativa all'ordine. C'è il contrasto delle dimensioni qui, quindi è interessante, ma vediamo anche qualcosa di più qui: è al 100% creato dall'uomo e controllato. Tutto va alla deriva, ma qui qualcuno continua a fermare questa tendenza.
Ecco una situazione simile, con gli alberi piantati dalle persone. Questa composizione è semplice, ma c'è un po 'di bellezza in questo ritmo prevedibile.
Cosa ti dicono queste composizioni?
Il tuo disegno non è solo un insieme di linee casuali. Dovrebbero significare qualcosa, ma anche il messaggio più sorprendente verrà interrotto se letto male, ad esempio, se letto dalla fine.
La composizione può essere utilizzata per guidare lo spettatore a vedere esattamente ciò che vogliamo che vedano, esattamente nell'ordine in cui abbiamo scelto di essere il più efficace per comprendere il messaggio. Se la ignori, lo spettatore può avere una prima impressione completamente sbagliata, rinunciando all'opera d'arte prima di comprenderne il vero significato.
Quando guardiamo un'immagine, prima cerchiamo cose da guardare. L'ordine di guardare è importante, perché anche se ci vogliono millisecondi per vederlo tutto, in natura un millisecondo può essere una questione di vita o di morte. Vogliamo assicurarci di vedere prima gli elementi più importanti.
Quando pianifichi una composizione, devi decidere quali sono questi "elementi più importanti". Quindi puoi usare il contrasto per farli risaltare, e il ritmo per creare un percorso che permetta allo spettatore di guardarli in un certo ordine.
Diamo un'occhiata a quell'esempio precedente ancora una volta. Tutte le linee ci portano verso il centro. Tu guardi lì prima di notare la strada o gli alberi. Qualunque cosa tu abbia messo lì, sarà notato prima.
Qui è più sottile, perché le linee del ritmo sono tutte all'interno del corpo dell'animale. I tuoi occhi scivolano senza fermarsi. Questo aggiunge al senso del movimento.
Qui, il contrasto ti fa guardare prima quella grande figura. Quindi, cercando informazioni complete, guardi dove stanno guardando.
Che cosa noti prima quando guardi questi esempi? Come si muovono i tuoi occhi? Perché?
Ora sai cos'è la composizione e come trovare difetti in essa. Ma non aiuta se finisci un disegno e solo dopo scopri che hai tralasciato troppo spazio negativo, o che il ritmo ha reso il tuo paesaggio simile all'uomo. Ecco perché è necessario pensare alla composizione prima di posizionare la prima linea.
Ma come puoi farlo, se non sei sicuro di ciò che stai ancora disegnando? I piani tendono a rendere tutto rigido e noioso, e la spontaneità non può essere pianificata affatto. Vediamo come risolverlo.
Non è necessario creare un disegno finito per giudicare la sua composizione. Si noti che in realtà non ho menzionato i dettagli nella parte teorica. È perché non hanno importanza nella composizione. Sono visti come l'ultima cosa nella foto, molto tempo dopo che abbiamo capito cosa stiamo guardando.
Ecco perché non è necessario completare un disegno per vedere quale impatto crea. Hai solo bisogno di vedere la cornice, il contrasto, il ritmo e i punti focali. E questo è qualcosa che puoi disegnare abbastanza rapidamente per vedere come gli elementi interagiscono!
Chiamiamo questo metodo di disegno in miniatura. Una miniatura è una versione in miniatura di un'opera d'arte che si vede spesso prima di aprire la versione originale. Non è possibile visualizzare alcun dettaglio nella miniatura, ma si vede tutto ciò che è più importante per l'immagine.
Una grafica in miniatura ti dice di cosa tratta l'immagine senza dirti nulla. Immagine da Come creare una maneggevolezza fotografica di Baby Dragon in Adobe PhotoshopPer creare miniature, prima disegnare una serie di fotogrammi che sono versioni in miniatura della cornice desiderata (ad esempio, piccoli rettangoli con le proporzioni del foglio di carta). Quindi traccia una versione molto generale del tuo disegno. Forme semplici, silhouette semplici, ombreggiature semplici: tutto ciò che serve per vedere se la composizione funziona nel modo desiderato. Puoi anche sperimentare liberamente senza perdere tempo.
Gli schizzi di miniature non devono essere puliti, quindi non spendere troppo tempo su ciascuno; solo abbozzare la tua idea e giudicarli tutti più tardi.Puoi saperne di più sul disegno in miniatura qui:
È difficile mantenere le proporzioni e le distanze corrette quando si disegna in un grande formato. Per assicurarti di creare la composizione come previsto, disegna prima solo gli elementi di base.
Ecco come lo fai: guarda il foglio di carta e decidi dove sarà il bordo esterno del disegno. Disegnalo molto, molto alla leggera. Quindi disegna i contorni degli elementi al suo interno, ancora molto leggermente. Dovresti ritrovarti con un disegno "fantasma", qualcosa di così sottile da essere quasi invisibile, ma dovrebbe essere sufficiente per vedere se la tua composizione è impostata correttamente.
Queste linee non hanno bisogno di avere nulla a che fare con l'anatomia, si tratta solo delle forme generali che vedrai come prima cosa quando l'immagine è finitaProbabilmente ne hai già sentito parlare, ma non posso saltare questa regola in un articolo sulla composizione. Ci sono molte regole che puoi usare in questo argomento, ma penso che la regola dei terzi sia la più semplice e universale di esse.
Per usare la regola, dividi (fisicamente o mentalmente) la tua immagine in tre parti orizzontali e tre parti verticali. I punti di incrocio delle linee sono, secondo la regola, punti focali naturali per i nostri occhi. Metti gli elementi più importanti lì - gli elementi che vuoi che le persone guardino prima.
È ancora meglio se gli elementi sono effettivamente vicini a questi punti, non esattamente in essi. Un pizzico di imprevedibilità lo rende più interessante.Questa regola ci dice anche quali composizioni evitare. Ad esempio, usare "una regola di metà" è abbastanza intuitivo, ma le sue composizioni sono poco interessanti e visivamente confuse nel peggiore.
La stessa composizione può essere facilmente migliorata semplicemente spostando leggermente i punti focali verso il lato / su / giù.Le copertine dei libri usano spesso la regola dei terzi a loro vantaggio. Puoi imparare come creare quelli sotto dai nostri tutorial:
Ci sono molti fattori che influenzano la composizione. Come puoi gestirli tutti? Puoi usare scale metaforiche per pesarle.
Ci sono tre tipi di peso principali nella composizione: spazio negativo, spazio positivo e punti focali. Lo spazio positivo è il disegno reale. Lo spazio negativo è l'area esterna al disegno (non è necessario che sia uno spazio vuoto, può essere solo il cielo). I punti focali sono le parti che vuoi che le persone guardino.
Una composizione interessante si basa sull'equilibrio tra questi pesi. Questo equilibrio ha anche molte sfumature, tutte basate sugli elementi di contrasto. Nel disegno "lineare", ti preoccupi soprattutto delle dimensioni. Se usi le sfumature, l'ombreggiatura sarà ancora più importante.
Vediamo come gestirlo. Qui abbiamo un elemento posizionato in un punto focale descritto dalla regola dei terzi. La composizione è squilibrata, perché questo è solo un piccolo elemento contro un enorme spazio vuoto. Lo spazio positivo e il punto focale sono gli stessi qui.
L'aggiunta di un altro elemento simile in uno qualsiasi degli altri punti focali non risolverà la situazione, perché blocca lo spettatore all'interno di quell'area centrale descritta dai punti focali. Pertanto, viene creata una composizione centrale noiosa.
Per bilanciare lo spazio negativo, è meglio renderlo un po 'meno negativo. Separare lo spazio negativo e positivo da qualche parte vicino ai punti focali della regola dei terzi.
Quando lo spazio positivo supera lo spazio negativo, lo spazio negativo può diventare un punto focale.
Qualsiasi elemento di contrasto può essere utilizzato per bilanciare la composizione. In effetti, tutta questa questione dell'equilibrio riguarda il raggiungimento di una quantità adeguata di contrasto. Quindi, per renderlo più intuitivo, pensa a un'impostazione a basso contrasto come sfondo e aggiungi qualcosa di contrastante per completare la composizione.
Qui, l'equilibrio viene creato rompendo il ritmo.La composizione è tutta una questione di relazione degli elementi, ma c'è un elemento oltre la cornice: lo spettatore. Se li includi nella tua composizione, otterrai un altro livello di relazione più profondo.
Quando lo spettatore guarda un'immagine, può vedere se stesso essere lì - hanno solo bisogno di alcuni suggerimenti da parte tua per trovare la loro posizione. La prospettiva può aiutarti qui. Il trucco consiste nel posizionare qualcosa vicino alla "camera" per accentuare la sua posizione.
Quanto più vicino è a noi, tanto più è grande. Quindi se nella tua composizione c'è una versione enorme di qualcosa di dimensioni normalmente normali, significa che è vicino allo spettatore. Tutto il resto è lontano da loro, il che crea un senso di profondità.
La prospettiva può anche migliorare una composizione se includi un qualche tipo di indicatore di scala. La più chiara è una silhouette umana, ma puoi usare anche animali o alberi per questo scopo. Se lo fai correttamente, la scala diventerà un altro elemento della tua composizione.
Anche quando sai tutto sulla composizione, è facile perdere il senso di ciò dopo ore di lavoro sullo stesso disegno. Cominci a vederlo come "qualcosa che ho visto prima" e non lo fai sentire è come se qualcuno lo vedesse per la prima volta.
Per ottenere più distanza e una nuova visione, è necessario modificare la prospettiva di volta in volta, per costringere il cervello a riadattarsi. Nell'arte digitale, il modo più semplice è di capovolgere l'immagine orizzontalmente. Nell'arte tradizionale, puoi ruotare il foglio di carta o usare uno specchio. Fatelo spesso per mantenere la vostra visione fresca.
Una vista sfocata diventa una nuova composizione per il tuo cervello di elaborare.Dopo aver completato l'immagine, se c'è ancora qualcosa di sbagliato, c'è un'ultima cosa che puoi fare. Modificando la cornice, ovvero le sue dimensioni o proporzioni, è possibile riallineare i punti focali e migliorare notevolmente la composizione.
Nell'arte digitale, puoi sempre usare qualche tipo di strumento di ritaglio. Nell'arte tradizionale, puoi usare un coltello multiuso, eseguire il taglio appropriato quando scatti una foto dell'opera d'arte, o usare una cornice che aggiungerà dello spazio negativo, coprendo le parti che non vuoi vedere.
La stessa immagine può avere significati diversi a seconda del ritaglio che si usa.La teoria è teoria, ma alla fine tutta questa conoscenza deve diventare una parte del tuo intuito, qualcosa che puoi usare senza pensare. Per espandere la tua intuizione, aggiungi un ulteriore passaggio al tuo apprezzamento per un'opera d'arte. Cerca di capire perché è così bello, trova gli elementi della composizione e cerca di indovinare quale decisione l'artista deve aver preso.
L'intuizione può anche essere espansa semplicemente essendo esposta alla buona arte. In questo modo paragonerai le tue composizioni a tutti quelli che hai visto, senza nemmeno essere consapevole del fatto che lo stai facendo. Tuttavia, è meglio combinare l'intuizione con la conoscenza.
Dopo aver spiegato tutte queste regole, devo aggiungere la più importante: nell'arte non ci sono regole. Ci piacciono certe immagini, certe composizioni e non sempre sappiamo il perché. Gli artisti cercano di creare alcune regole empiriche che saranno utili per la maggior parte del tempo, ma alla fine puoi disegnare un'opera d'arte fantastica rompendoli tutti.
Puoi usare le regole di composizione per scoprire cosa c'è di sbagliato nella tua immagine, ma non ti diranno esattamente come farlo nel modo giusto. Sperimenta, tieni gli occhi aperti e crea con il tuo cuore. Non aver paura di commettere errori, puoi anche imparare da loro!
