Share
Una delle cose più grandi della musica è la capacità di esprimere sentimenti e idee in un modo completamente intangibile. La musica può trasmettere idee tanto disparate come l'acqua, la primavera, i macchinari, la malinconia e l'esuberanza. Quando sei appena agli inizi come compositore o compositore, usare la musica strumentale per esprimere idee specifiche può essere un compito scoraggiante e travolgente.
Lo scopo di questo tutorial è di presentare una procedura passo passo che è possibile utilizzare per trasmettere un'idea non musicale in termini musicali. Non è affatto l'unico approccio, e spesso l'intuizione pura è il modo migliore per andare, ma è un modo logico e facile per iniziare un compositore o un cantautore.
Inizierò discutendo brevemente l'idea di base della musica del programma e poi procederò alla procedura passo-passo, seguita da alcuni esempi di messa in uso del processo.
Quando usi la musica per cercare di trasmettere un'idea non musicale, stai essenzialmente scrivendo quello che viene chiamato "Program Music". In termini molto generali, i compositori tendono a suddividere la musica nelle due categorie di Musica Assoluta e Musica del Programma.
La musica assoluta si riferisce alla musica per il proprio interesse, come ad esempio il Concerto per pianoforte n. 2 di Symphony no 4 in Em o di Rachmaninoff. Dovresti apprezzare e apprezzare la musica per il suo intelligente sviluppo di motivi, intriganti armonie, prestazioni virtuosistiche , tra le altre qualità. La musica assoluta esiste solo per la musica e ogni associazione che crei con altre idee è puramente opera tua e non è direttamente guidata dal compositore.
Il programma Music, d'altra parte, ha lo scopo di esprimere un'idea al di fuori della musica stessa. Anche se è stato in circolazione fino a quando la musica stessa, la musica di programma è diventata particolarmente popolare nell'era romantica ed è ancora estremamente popolare oggi. Molte persone non credono nemmeno che un brano musicale possa essere rigorosamente "assoluto" e che ogni composizione esprima qualcosa. Con la musica del programma il compositore ha un'idea specifica in mente di quali associazioni esterne l'ascoltatore dovrebbe fare con la musica.
La forma più diffusa di musica strumentale per programmi oggi è la musica da film, in cui la musica intende esprimere i sentimenti, le motivazioni, i personaggi, le impostazioni, i periodi di tempo o altre idee collegate a una determinata scena di un film. Un ritmo veloce e ritmo di guida potrebbero suggerire l'eccitazione e l'energia di un inseguimento, o un gonfiore di violino potrebbe esprimere un'esplosione di passione.
Non devi essere un compositore di film per voler esprimere un'idea musicalmente. Se hai scritto una canzone con testi tristi, sembrerebbe piuttosto logico che tu voglia che anche la musica sia triste (a meno che tu non sia intenzionalmente contraria o ironica). Capire come ottenere un significato più espressivo dalla musica può portare una nuova dimensione ai tuoi testi.
Il primo passo è ovviamente decidere cosa vuoi trasmettere. Se stai segnando una scena in un film, questo sarà probabilmente deciso per te dall'azione sullo schermo, ma dipende anche da te decidere quale tipo di spin prendere sul dramma. Se la scena è triste, è una tristezza basata sulla perdita o sul rifiuto? Essere il più precisi possibile fin dall'inizio sul messaggio che vuoi nella tua musica è essenziale. Farà il resto del processo molto più facile di andare semplicemente al buio e sperare per il meglio.
Una volta definito ciò che vuoi dire è il momento di capire come dirlo. Lo facciamo rompendo la musica nei suoi elementi costitutivi.
Come il "battito del cuore" della tua musica, il ritmo è il primo elemento che stabiliremo. Siamo in grado di spezzare ulteriormente il ritmo in tempo, metro e groove.
Il tempo di un pezzo è un fattore determinante per quanto sia eccitante. Un tempo di pompaggio veloce è come un battito cardiaco accelerato; è pieno di adrenalina ed eccitazione. I tempi veloci sono solitamente appropriati per l'azione, come una scena di caccia, o quando qualcosa è felice e divertente. Viceversa, un tempo lento è più rilassato ed è associato ad entrambi i sentimenti più passionali di romanticismo o dolore, o meno certi sentimenti di suspense e paura.
Una mancanza di tempo è un dispositivo altrettanto efficace, in quanto conduce a un senso di ambiguità e incertezza. Un tempo completamente libero è più adatto alle sensazioni che sono libere e fluenti, o al limite e imprevedibili.
Il metro contribuisce al nostro senso di un pezzo sia dal suo sentire reale, ma anche da associazioni passate. Un ottimistico 6/8 metri potrebbe farci pensare a maschere irlandesi, e quindi alla musica dei pirati. I misuratori irregolari come 3/4 vengono spesso usati per le scene di volo perché hanno un senso di rimbalzo e sollevamento (si considerino i punteggi da "Su" o "Il giro del mondo in 80 giorni"). 4/4 è più semplice e comune.
Contatori dispari come 5/8 o 7/4 sono spesso usati per scene d'azione quando si suppone di provare l'eccitazione dell'imprevedibilità.
Quando si sceglie un contatore, è una buona idea considerare quali associazioni passate il proprio pubblico possa avere inconsciamente. Va bene se il tuo pezzo in 3/4 ha un senso di valzer viennese, ma solo se ne sei consapevole consapevolmente.
Simile al metro, il solco o il ritmo del tuo pezzo arriva con il peso delle associazioni passate. Certi ritmi possono sembrare molto "da ballo" anche quando non è quello che stai cercando. Un eccesso di sincopi può far sentire la tua musica come funk o jazz, o incorporare accidentalmente un clave potrebbe dare alla tua musica un tocco latino.
L'utilizzo di un certo tipo di ritmo o groove può essere uno strumento molto prezioso quando si tenta di stabilire un'impostazione o un periodo di tempo specifici. Come abbiamo detto con gli altri elementi, devi solo essere consapevole di quali associazioni potrebbero suggerire il battito che stai utilizzando.
Quindi hai scelto un tempo e hai un'idea generale di come si sentirà il polso. Quindi consideriamo l'armonia.
Con questo in mente, il nostro prossimo passo nel decidere come trasmettere le tue idee è considerare l'armonia che vogliamo usare. Per mantenere le cose semplici, continueremo con l'armonia tonale tradizionale e non entreremo nell'atonalità, nel cromatismo, ecc.
Anche i non musicisti sembrano sapere che "un accordo maggiore è felice" e "un accordo minore è triste". Ma sappiamo che diventa molto più sfumato e complesso di così. Qualsiasi accordo che raggiunga un accordo diverso ha un suono unico ed un peso emotivo. Ogni cambiamento di accordo ha un diverso grado di movimento statico, sollevamento o depressione.
Considera la seguente progressione, C F G C:
Piuttosto stabile, giusto? Tutti gli accordi sono importanti, ma nessuno di loro è necessariamente diverso o emotivamente più carico di altri. Ma che dire di questo, ancora una volta tutti i principali accordi C F G A:
Questa volta l'accordo A è molto luminoso ed edificante. C'è un fenomeno interessante in cui gli accordi maggiori che vengono presi in prestito dall'esterno della chiave si sentono più "importanti". Allo stesso tempo, gli accordi minori che vengono presi dall'esterno della chiave si sentono più "minori".
Per ascoltare l'effetto degli accordi minori non diatonici, considera questo esempio C Em F:
Se cambiamo F in Fm otteniamo un effetto molto più drammatico di quanto ci si sarebbe aspettato cambiando un singolo pitch. C em Fm:
Il Fm suona in qualche modo molto più "minore" dell'Em perché non è dalla chiave di C.
Il primo punto di partenza è con ciò che viene naturale. Un'emozione positiva verrebbe probabilmente trasmessa in modo appropriato con una chiave importante, una negativa con una chiave minore. Con questa decisione di base fuori mano, puoi diventare più interessante. Ho trovato che il modo migliore per farlo è quello di suonare diverse progressioni di accordi e prendere appunti su come si sentono. Nell'esempio qui sotto andrò in più
dettaglio su questo.
Il prossimo in linea è la melodia, che compensa molto il "carattere" della tua musica. Una melodia può essere lunga e triste, o brillante e vivace. Andando nell'ordine specifico di questi passaggi, molte caratteristiche della tua melodia saranno determinate sulla base delle idee ritmiche e armoniche che hai già stabilito.
Le principali considerazioni che sono state lasciate alla melodia sono la sua capacità ritmica e il tipo di gamma che copre. In generale, le melodie che coprono una vasta gamma e hanno molti grandi salti tendono a sentirsi più appassionate, mentre le melodie con intervalli più piccoli e il movimento più graduale hanno una sensazione più riservata e propositiva.
Una considerazione importante è la registrazione, o quanto alta o bassa è la tua melodia. Le melodie molto basse suonate da fagotti o bassi possono spesso avere una sensazione letargica e fiacca, mentre le melodie estremamente alte possono essere stridule e sottili. La strumentazione influirà molto su questo, ma è importante essere consapevoli dell'effetto che un registro diverso può avere sulla sensazione e l'intensità delle tue linee.
Considera questa breve frase per pianoforte, che usa lo stesso identico ritmo, armonia e melodia ma viene suonata in un registro diverso del piano:
Basso:
alta:
La versione più alta della melodia si sente dolce e innocente mentre la versione inferiore è molto più comune.
La nostra ultima considerazione è l'orchestrazione, o quali strumenti userete. Il timbro che usi per esprimere le tue idee è estremamente importante dal punto di vista dell'intensità e ancora una volta nel campo delle associazioni esterne.
Le chitarre elettriche, ad esempio, tendono a suggerire la giovinezza o la mascolinità. Un'armonica ha implicazioni del blues o del sud americano, e così via.
Anche l'intensità del timbro è una considerazione importante. Ecco una semplice demonazione di come le stesse note esatte possono avere un atteggiamento molto diverso. Abbiamo lo stesso accordo, stessa spaziatura, con tre suoni diversi. Ottone, archi e un pad liscio:
Tutti gli altri elementi uguali, la differenza di timbro ha un effetto enorme sull'atteggiamento dell'accordo.
Questo esempio deriva da uno spunto che ho scritto di recente per un lungometraggio. La scena è un ragazzo che confessa di aver ucciso accidentalmente qualcuno. È tormentato dal dolore e dal rimpianto.
Il primo passo è capire cosa sto cercando di dire. Voglio trasmettere un senso di tristezza e di lutto, come se la sua anima invocasse la redenzione. Passo dopo passo considererò il ritmo, l'armonia, la melodia e l'orchestrazione.
Il ritmo dovrebbe essere lento e desideroso. Non c'è nulla di eccitante nel dolore, è laborioso e doloroso. Dopo aver giocato per un po 'con il metronomo, ho optato per il 42bpm estremamente lento.
Ho anche stabilito che un 4/4 semplice è la strada da percorrere. Per creare un senso di nostalgia, potrei usare l'occasionale barra dei metri dispari per aggiungere una lunghezza extra, in pratica creare una tenuta fermata, ma in generale stiamo semplicemente attaccando al 4/4 perché non c'è bisogno di avere fantasia.
Poi arriva l'armonia, che in questo caso sarà uno dei fattori più determinanti nel plasmare il pezzo.
Voglio che il pezzo sia triste, quindi ha senso iniziare con una chiave minore. Ho arbitrariamente scelto la chiave di Sol minore, solo perché è lì che le mie dita sono finite sul pianoforte e mi sono sentito bene. Sebbene alla fine si sviluppi un senso unico per ogni chiave, in questa fase possono essere tutti considerati su un terreno ragionevolmente uguale.
Quindi, partendo da un accordo di Gm, la mia prossima preoccupazione è trovare un accordo che viene dopo e si sente triste. Dopo aver giocato un po ', ho scoperto che mi piace il basso che va da un G a un F. Questo intero step down ha una sensazione piuttosto depressa senza essere troppo scuro o distorto.
Con questo in mente possiamo provare alcuni diversi cambi di accordo che vanno da Gm a un accordo con F come tono di accordo.
Da G a F:
Da Fm a Fm:
Da Gm a Dm / F:
Da Gm a Db / F:
Gm a Bb / F:
Gm a Bbm / F:
Giocando attraverso ognuno di essi posso vedere come mi sento su di loro. Penso che sia abbastanza ovvio che recitare su uno dei maggiori accordi (F, Db o Bb) sia il modo sbagliato di trasmettere tristezza. Questo ci lascia con tre scelte per gli accordi minori.
Gm a Fm sembra troppo medievale, Gm a Dm / F si sente abbastanza bene, mentre Gm a Bbm / F è troppo inquietante. Gm a Dm / F lo è. È triste e dispiaciuto senza essere troppo misterioso.
Da Gm a Dm / F:
Ora che mi è venuta una progressione "triste" che mi piace, voglio aggiungerne un'altra al mio arsenale che è più oscuro e addolorato. Ricorda che questo riguarda l'omicidio!
Seguendo la stessa linea di pensiero di prima, mi piace il modo in cui G fino ad Ab si sente nel basso. È in contrasto con la progressione precedente ma anche molto più inquietante.
Ecco le opzioni, usando Ab come tono di accordo nelle triadi:
Gm ad Ab:
Gm a Abm:
Da Gm a E / G #:
Da Fm / Ab:
Da Gm a Db / Ab:
Gm a Dbm / Ab:
Proprio come prima, andare a un accordo importante è l'approccio sbagliato, quindi li eliminerò del tutto. Gm To Abm è molto misterioso, Gm to Fm si sente bene ma sembra simile alla progressione "triste", e Gm a Db sembra molto sci-fi. Anche se è insolito, Gm to Abm è il mio preferito dei tre per questa istanza.
Gm a Abm:
Queste due semplici progressioni di accordi sono sufficienti per passare alla fase successiva.
La melodia di questo brano dovrebbe essere composta da note lunghe prevalentemente lente. È più una linea di lamento che una linea di canto, quindi immagino che sia relativamente semplice.
Poiché abbiamo già determinato l'armonia, la melodia si adatta fondamentalmente a questo. I puristi del contrappunto coprono le tue orecchie, ma ho intenzione di imitare l'idea da G a Ab nella melodia, lasciando che la G sfreghi l'accordo di Abm per un po 'di tensione. Nota: la nota F 16 aggiunge una variazione all'idea di G in Abm, rendendola un po 'più interessante di quella che abbiamo il basso.
Quindi userò il tono comune D sulla progressione Gm a Dm / F per una tristezza riservata.
Questa sarà l'idea di base per la melodia, che svilupperò mentre svilupperò il resto del brano.
L'armonia di base sarà coperta da archi che suonano nel registro inferiore, perché per me è un suono molto ricco, morbido e tragico. Aggiungerò anche un pad liscio come un organo al suono per dargli quel senso di tristezza da chiesa. Anche solo per aggiungere interesse e movimento aggiungo una linea arpeggiata nelle viole, doppiata dall'arpa per farla emergere, e un semplice impulso ritmico nelle vibrazioni. Ho scelto l'arpa e il vibrafono perché sono colori tenui che si fondono facilmente con le corde, ma hanno anche una freddezza nel loro timbro.
Pochi strumenti sono così appassionanti e dolenti come la voce umana, quindi sto andando bene per la giugulare su questo e usando una voce femminile. La raddoppierò con i violini per aggiungere un po 'di supporto alla linea.
Mi sono appena inventato quattro barre di materiale, ma sono riuscito a trovare il "suono" che sto cercando: addolorato con un pizzico di rimpianto per aver commesso un omicidio.
Da qui posso andare avanti per completare la composizione.
Non entrerò nei dettagli della stesura dell'introduzione, ma mi concentrerò solo su altri due momenti importanti del pezzo. A metà della sua confessione, il nostro personaggio si rompe nel suo più profondo dolore, e possiamo usare alcuni trucchi per renderlo più emotivo. Mi piacerebbe prendere l'idea di base che stavamo usando e poi lanciarla in un luogo più appassionato. Poi, dopo solo poche battute, voglio tornare indietro e aggiungere un tocco di disappunto quando la scena si chiude.
Ritmicamente penso che abbia senso che il pezzo rimanga coerente, quindi non ho intenzione di apportare cambiamenti drastici. Lo stesso vale per l'orchestrazione, lo terrò coerente con gli strumenti che abbiamo già utilizzato fino ad ora.
Da un punto di vista armonioso, siamo rimasti a fluttuare avanti e indietro tra Gm e una "specie" di territorio dominante con ciò che si potrebbe argomentare come variazioni di fantasia su D7 e Dm. Dove non ci siamo ancora avventurati è il sottodominante, in questo caso Cm, quindi andare lì non sarebbe solo un suono fresco ma sembrerebbe anche che ci stiamo spostando da qualche parte.
Dopo aver inserito il "nuovo" territorio sottodominante, la prossima cosa da impostare è la delusione, e il modo migliore per raggiungere questo obiettivo è stabilire un'aspettativa e poi sfidarla. Questa è una tecnica che ho rubato da Wagner (e anche tu dovresti!) In cui usi una progressione di accordi comune, facendo in modo che le persone si aspettino un accordo specifico e poi dando loro una cadenza ingannevole invece come un modo per far andare avanti il dramma e per mai placare la soddisfazione dell'ascoltatore.
In questo caso userò la progressione Cm / Eb Gm / D D7. Questa è essenzialmente una progressione iv-V7-i molto tipica.
Cm / Eb D7 Gm:
Il Gm / D-D7 rende il mio accordo, Gm, ancora più inevitabile.
Cm / Eb Gm / D D7 Gm:
Ma in questo caso voglio trasmettere delusione e perdita. Lo facciamo impostando le aspettative dell'ascoltatore e poi portandolo via. In questo spunto, invece di andare a Gm, andrò all'oscuro e triste D diminuito.
Cm / Eb Gm / D D7 Dº:
Ora abbiamo coperto la nostra armonia. Abbiamo impostato una maggiore mossa emotiva in Cm e aggiunto la delusione alla fine. Ora dobbiamo fare la stessa cosa con la melodia.
Proprio mentre ci spostiamo a Cm, la nostra ascesa appassionata, è quando faremo un salto di ottava. Finora la nostra melodia non si è mossa più di un terzo, quindi un'ottava si sentirà molto espansiva. Inoltre sarà un registro più ricco nella voce. E per aggiungere ancora di più alla tensione, saliremo in una D, che è il nono dell'accordo Cm, prima di scendere nel tono di corda C. Questa appoggiatura crea un momento ancora più appassionato del semplice salto a una C.
Il resto della melodia scenderà gradualmente mentre ci arrendiamo con calma alla delusione.
Qui abbiamo il pezzo finale dall'inizio alla fine:
Se sei nuovo nella composizione, potrebbe sembrare che ci sia molto da fare qui, ma segui ogni fase e inizierai a vedere che tutto può essere suddiviso in idee molto semplici. Assicurandoti che ogni elemento della tua musica rimanga fedele alla tua visione (ritmo, armonia, melodia, orchestrazione), puoi essere certo che la musica sta esprimendo l'idea che stai cercando di trasmettere.
Accentsconagua