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Nel tutorial How to Arrange 4-Part Harmony for Strings, abbiamo esaminato come prendere un'armonizzazione in quattro parti esistente e farlo eseguire efficacemente da un'orchestra d'archi. In questo tutorial faremo un ulteriore passo avanti e impareremo come utilizzare le stesse fondamenta per creare variazioni più interessanti.
Immaginiamo di scrivere una disposizione di corde di sfondo per una canzone, utilizzando questa tipica progressione pop come il nostro modello:
Alla fine di questo tutorial impareremo come ottenere questo accordo:
I dettagli dell'armonia in quattro parti vanno oltre lo scopo di questo tutorial, ma studiare l'argomento merita il tuo tempo.
Alcune basi per farti passare per ora sono:
Nel mondo della musica pop puoi farla franca con molta meno precisione con le "regole" dell'armonia in quattro parti. Ad esempio, le quinte e le ottave parallele in una stringa di sfondo non causano molto fastidio all'ascoltatore, anche se in un passaggio più esposto potrebbero essere meno accettabili.
Ecco un esempio di come sistemare le corde nell'armonia in quattro parti dietro la nostra parte di pianoforte data:
La prima cosa che possiamo fare per dare vita a questo accordo è introdurre più movimento.
Un modo semplice per farlo è quello di inserire note passanti tra salti. Ad esempio, nella parte viola dalla barra 2 alla 3, la distanza tra le note è una terza. Inoltre, nel violoncello dalla misura 3 alla 4 è un terzo. Riempendo semplicemente gli spazi vuoti, creiamo un po 'più di energia:
Una tecnica più evidente è quella di cambiare l'intera voicing. (A seconda di come lo fai, qui è dove potresti imbatterti in alcune violazioni "tecniche" con moto parallelo, ma credo che per i nostri scopi e stile, se la struttura generale è sana, l'arrangiamento complessivo risulterà comunque buono).
Quindi, ad esempio, potremmo suddividere gli accordi in mezze note e fare in modo che la seconda mezza nota sposti le prime tre voci al successivo tono di accordo disponibile:
Oppure potremmo suddividere gli accordi in note da un quarto e avere arpeggi in aumento:
Nota come più note abbiamo per misura, cioè più le parti sono occupate, più si distinguono. Se hai solo lo sfondo del pianoforte, le parti occupate potrebbero andare bene, se hai una linea vocale importante potresti dover fare più attenzione a distrarti da esso.
Una tecnica molto semplice ma efficace consiste nell'usare un'armonizzazione in quattro parti come scheletro per le quali le note devono essere utilizzate, quindi suddividere la disposizione in parti separate. Questo è particolarmente utile su versetti o altre parti che vuoi essere più semplice.
Ad esempio potresti semplicemente usare i violini:
O solo la viola e il violoncello:
O una disposizione più complessa come una piramide di edifici per un effetto crescendo.
Questo potrebbe essere fatto dall'alto verso il basso:
O dal basso verso l'alto:
I resti sono una gemma spesso dimenticata di composizione e arrangiamento. Le persone sono sempre così preoccupate di riempire lo spazio di note che dimenticano quanto possa essere un silenzio incredibilmente potente.
È possibile rendere immediatamente più interessante un'intera disposizione delle note senza aggiungere una singola nota inserendo pause.
I resti alla fine delle frasi danno un senso di respiro e un nuovo movimento quando inizia la frase successiva:
I resti all'inizio della misura possono sembrare "accenti negativi"; attirano l'attenzione sul momento dall'assenza di una nota articolata:
E ovviamente puoi combinare:
Un altro modo per dare vita a un accordo è quello di articolare le note.
Puoi suddividere un'intera nota in un ritmo pulsante in molti modi diversi, ad esempio in note di un quarto di forza:
O guida l'ottavo appunto:
Possiamo anche mescolare la tecnica cangiante cambiante con note articolate, forse per qualcosa di simile a un effetto di stile di una colonna sonora:
Tutte le tecniche di cui sopra possono essere mescolate e puoi completare il tutto con qualche contorno extra, come corre e riempie.
Nello stesso modo in cui un batterista potrebbe eseguire un riempimento nella barra successiva, le tue corde possono fare qualcosa di simile. Di solito le scale semplici e gli arpeggi sono l'approccio più efficace, perché danno una scarica di energia senza attirare troppa attenzione su se stesse come importanti idee motivazionali.
Ecco un solo esempio:
Notate come usiamo sempre quella disposizione di note intere molto semplice come prima nostra guida. Sappiamo che suona bene, quindi qualsiasi modifica apportata ad esso avrà una base solida.
Spero che questo tutorial ti abbia mostrato che puoi iniziare ad affrontare arrangiamenti molto complessi e interessanti applicando semplici tecniche ad una semplice armonizzazione.
Mentre ascolti le corde in un'altra musica inizia a chiederti quale sia la base di base. Spesso ciò che appare in superficie sembra una soluzione complicata non è poi così complicato.
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