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In questo tutorial esamineremo sei diversi modi per adattare l'armonia in quattro parti a un'orchestra d'archi.
L'armonia in quattro parti è un modo tradizionale di armonizzare una melodia per quattro "voci" (letterali voci umane o strumenti). Molti corsi introduttivi di armonia insegnano la scrittura in quattro parti perché è un metodo semplice per l'apprendimento della voce della corda, del movimento della parte buona e del corretto trattamento delle dissonanze.
Anche se alcuni critici pensano che l'armonia in quattro parti sia antiquata e accademica, vi mostrerò che ci sono ancora usi pratici per la scrittura in quattro parti. Gli arrangiamenti e i punteggi contemporanei usano sempre variazioni di queste tecniche.
Come esempio di uso contemporaneo, "Anakin's Theme" di Star Wars Phantom Menace di John Williams utilizza tecniche di armonizzazione in quattro parti sia nell'introduzione sia nel tema principale:
(Poiché questo tutorial è un po 'pesante, includerò screenshot di Logic per i lettori più orientati DAW tra di voi.)
Un'orchestra di archi standard è basata sul quartetto d'archi; Violino I, Violino II, Viola e Violoncelli, con l'aggiunta di contrabbassi nella parte bassa.
Una tecnica di arrangiamento delle stringhe che useremo molto qui è divisi, che sta dividendo una sezione delle stringhe in più parti. Se la viola è divisa in due parti, ad esempio, metà delle viole suonerà la parte superiore e l'altra metà suonerà in basso.
Naturalmente c'è una leggera perdita di potenza quando una parte è divisa perché meno giocatori stanno giocando ogni nota. Tuttavia la differenza non è affatto la metà (due viole non sono letteralmente due volte più forti di una), e da un'orchestra a corda intera una parte divisi può ancora dare un suono molto ricco e pieno.
I bassi sono raramente scritti in divisi e non saranno affatto presenti negli esempi in questo tutorial.
Per tutte le varianti di arrangiamento, useremo un tipico corale di Bach in quattro parti di armonia.
L'arrangiamento più semplice è semplicemente assegnare le quattro parti dal più basso al più alto lungo gli strumenti dell'orchestra d'archi. Quindi il soprano va al violino I, contralto al violino II, ecc. In questo caso non useremo i contrabbassi.
Finché la scrittura in parti è solida e le tue gamme sono sugli strumenti, è praticamente garantito suonare bene.
Le stringhe suonano particolarmente risonanti e piene quando ci sono pochi spazi tra le diverse parti. Per questo motivo spesso può essere una buona idea scrivere una quinta parte, un "riempitivo" che riempie parte dello spazio nel mezzo.
Per creare il riempimento non è necessario preoccuparsi così tanto delle regole della scrittura in quattro parti, perché è già stato curato con le altre parti. Il nostro obiettivo qui è una grande armonia spessa, non un contrappunto puro.
Anche il filler è decisamente più sentito che sentito. La nuova linea prenderà in prestito un po 'da ogni parte, riempiendo qui un tono di accordo e un tono di accordo, ed è davvero solo una tecnica sottile per rinforzare la pienezza delle corde.
In linea con la nostra sezione più piccola, possiamo dare la parte di riempimento alle viole e fare in modo che Violino II prenda sia il contralto che il tenore divisi. (Bisogna fare attenzione che la parte del tenore non scenda più in basso rispetto a quella del violino II, che in questo caso non è così.)
Dal momento che la parte di riempimento è tra il contralto e il tenore, ti starai chiedendo perché non continuiamo a scendere - Violino II su contralto e filler, Viola su tenore.
Avendo il Violino II sia sopra che sotto la viola, le tre parti funzionano come un'unità coesiva. I diversi suoni degli strumenti si incastrano e si fondono insieme, piuttosto che accatastarsi e quindi suonare leggermente in contrasto. La differenza è al massimo sottile, ma è importante che le corde suonino il più possibile come un gruppo unificato.
La prossima versione introduce i bassi, che in genere duplicano le parti del violoncello di un'ottava.
Ricorda che le parti contrabbasso suonano un'ottava più in basso di quelle scritte, quindi puoi scriverle esattamente allo stesso modo dei violoncelli e suoneranno 8vb.
Questa disposizione aggiungerà un fondo spesso che può darti un suono forte e audace. Siate consapevoli della pesantezza, perché non è sempre appropriato e talvolta può impantanarsi.
Il Violino II e le Viole suoneranno entrambi divisi con la parte alta nella parte superiore di ciascuno.
Da qui l'unico posto dove andare è su!
Possiamo dividere i primi violini facendo raddoppiare la melodia di un'ottava più alta.
Per contrastare il peso extra sulla melodia, metà delle viole possono essere utilizzate per raddoppiare il basso. Quando la parte del basso è troppo bassa e al di fuori dell'intervallo della viola (la nota più bassa disponibile sulla viola è C un'ottava sotto il C centrale), puoi farlo suonare il prossimo tono di accordo disponibile più vicino.
Questo arrangiamento è bello perché ottieni l'armonia piena di risonanze degli arrangiamenti precedenti, ma la melodia si distingue chiaramente e chiaramente.
Se non vuoi che la melodia si attenga a quell'ottava alta così tanto, o se vuoi semplicemente riempire l'armonia per un suono più ricco, puoi raddoppiare anche le ottave e il contralto di un'ottava.
Manterremo i primi violini che suonano la melodia in ottave, con le parti più alte di contralto e tenore a coda di rondine nel mezzo.
Se si confronta questo con il nostro arrangiamento originale a quattro parti, in pratica abbiamo raddoppiato le prime tre voci e abbassato la voce in basso. Ottieni un arrangiamento molto ricco e completo senza dover scrivere una nota aggiuntiva!
Una variante della precedente disposizione è raddoppiare le tre parti superiori di un'ottava e anche raddoppiare la parte del soprano giù un'ottava pure. Dato al violoncello, questo creerà un suono molto ricco.
Questo funzionerà davvero solo quando la tua parte per soprano è una melodia in primo piano. Se stavi cercando di usare le corde come accompagnamento armonico di sottofondo, questa versione probabilmente attirerebbe troppa attenzione su se stessa con l'alta melodia del violoncello.
Sono il primo ad ammettere che le differenze tra molte di queste opzioni sono sottili. Le principali differenze da tenere presente sono ciò che accade quando inizi ad aggiungere le ottave di seguito (aggiungendo i bassi) o sopra (raddoppiando in ottave più alte).
Situazioni diverse richiederanno arrangiamenti diversi, ma ognuna delle opzioni di cui sopra potrebbe essere appropriata ad entrambe le dinamiche molto silenziose e molto rumorose.
Questo è solo un modo per lavorare con le stringhe. Ci sono molte altre trame tra cui la scrittura polifonica e omofonica.
Speriamo che questo tutorial ti fornisca alcune idee su come scrivere un arrangiamento molto pieno e risonante per orchestra d'archi. Condividi i tuoi pensieri e domande nei commenti!
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