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"Se non si muove, è morto" è una linea che si applica tanto alla vita quanto alla musica. Eppure troppo spesso i compositori scrivono parti di accompagnamento o di sfondo che sono senza vita e noiose. Potrebbero avere una bella linea melodica, ma poi attaccare una grande corda composta da note intere dietro e chiamarla un giorno. Il risultato è una musica che è senza vita, noiosa e si sente come una fessura nel fango.
Ma la musica dovrebbe essere viva! Dovrebbe avere ritmo, movimento, animazione ed energia!
Ecco una raccolta di tecniche che puoi utilizzare per rendere le tue parti strumentali più divertenti da suonare e più interessanti da ascoltare.
Il modo più semplice per dare più vita a una parte è semplicemente aggiungendo più note.
Ecco la melodia di base più l'accompagnamento che utilizzeremo per dimostrare le diverse tecniche:
Una semplice parte intera nota può essere facilmente modificata in un impulso costante:
All'improvviso puoi sentire il ritmo, l'energia e il senso di movimento in avanti.
È quindi possibile iniziare ad avere fantasia con l'introduzione di modelli ritmici, accenti, ecc. Per dargli un carattere particolare:
In una sezione da "Flight to Neverland" di John Williams dal film Hook, dà all'ottone un pattern di note ripetute rapidamente articolato sullo sfondo dietro la melodia.
Il pezzo parla di avventura, divertimento ed eccitazione. Se avesse appena assegnato note intere agli ottoni, l'energia dell'intero pezzo sarebbe stata impantanata. Invece le note ripetute la mantengono viva e attiva.
Un metodo di "note ripetute" più sottile è il tremolo. Sebbene le singole note non siano avvertite in modo specifico, l'articolazione sfocata dà alla musica molta più energia e guida. Questa è una buona tecnica da ricordare se non vuoi articolare un ritmo specifico, ma stai trovando una semplice nota intera priva di significato:
Simile al tremolo è il trillo non misurato. Avrai un accordo molto più ricco del semplice tremolo a causa delle note aggiunte, ma ovviamente devi essere consapevole del contesto armonico e assicurarti di scegliere il mezzo passo giusto o l'intero passo.
A causa degli intervalli ravvicinati, i trilli spesso funzionano meglio nel registro più alto, quindi nel nostro esempio potrebbe essere meglio metterli sopra la melodia anziché sotto.
Un altro semplice metodo per portare più vita alle tue parti è rompere il tuo accordo in un arpeggio. Ottieni il vantaggio delle note articolate come abbiamo appena visto sopra, ma puoi anche riempire più tonalità di accordi.
Ci sono mille modi in cui possono essere implementati anche gli arpeggi.
Puoi mantenere l'accordo in posizione chiusa:
O in posizione aperta:
Nel Preludio al Parsifal, Wagner usa entrambi gli arpeggi di posizione chiusa e posizione aperta nei primi violini. Il vantaggio di un accordo diffuso sul violino è che ogni nota può essere suonata su una corda diversa, mentre un accordo di posizione ravvicinata ha bisogno di più note per stringa.
Un arpeggio può essere sparso saltando i toni. Il vantaggio di questa tecnica è che puoi riempire molto più tempo ma allargare solo uno spazio ristretto:
Puoi distribuire arpeggi su più strumenti:
Ci sono anche molti modi in cui puoi giocare con l'articolazione.
L'arpeggio può essere suonato legato:
O staccato:
O un mix dei due:
Quando pensi alle bilance, potresti ricordare esercizi noiosi e ripetitivi. Ma una scala di base può essere uno strumento inestimabile per rendere più interessanti le parti semplici.
È possibile utilizzare una scala per riempire due toni di accordo, creando una linea più attiva e in movimento:
Le note adiacenti possono essere utilizzate per passare con il mouse su un tono centrale, ad esempio in un motivo a onde:
E per le parti in primo piano o in primo piano una scala veloce può aggiungere un tocco di energia come pickup o filler:
Simile alla tecnica dei toni di salto che abbiamo visto con gli arpeggi, puoi fare la stessa cosa con le scale per formare motivi più grandi e leggermente più complessi:
Uno dei motivi per cui note ripetute, arpeggi e scale funzionano così bene per le parti di sfondo è che sono modelli familiari. Come ascoltatori possiamo facilmente riconoscerli come figure, in contrasto con i ritmi e i movimenti più complessi di una linea melodica che non si limita a camminare su e giù per una scala.
Ma non solo queste tecniche hanno modelli familiari in se stessi (tutti abbiamo ascoltato C E G un milione di volte), sono spesso più efficaci quando sono usate per costruire modelli più grandi nella musica.
Quando sentiamo una parte che è uno schema ovvio, siamo in grado di dedicare meno attenzione ad essa ("Oh ok, è la stessa piccola figura più e più volte"). Potremo quindi dedicare più attenzione alla melodia, o qualunque altro elemento in evidenza ci possa essere.
Ad esempio, sentiamo molto presto che questo è un modello che potrebbe continuare ad andare avanti per sempre:
E dopo poco tempo non abbiamo bisogno di investire un sacco di energie per anticipare ciò che potrebbe accadere dopo.
Ma questa idea più complessa richiede più energia da ascoltare e quindi non funzionerebbe quasi altrettanto bene come una parte di sfondo:
Grandi salti, un mix di salti e passi, movimento su e giù, staccato e legato, ecc. Ci sono troppe nuove informazioni che ci arrivano in ogni momento. La semplicità è fondamentale se vuoi che la tua parte sia interessante ma non distrazione.
Naturalmente ci sono molte eccezioni. A volte intere note e semplici sfondi di supporto sono esattamente ciò che è richiesto.
Ad esempio, potresti già avere un pattern di accompagnamento molto attivo, ma hai bisogno di un modo per riempire alcuni toni dell'accordo mancanti o fornire una colla per legare tutto insieme.
E a volte è richiesta una mancanza di vita e di movimento. Un sacco di musica per film userà un drone lungo e tirato per mantenere la musica a terra in un unico posto. Non va da nessuna parte, si trova semplicemente in una sensazione di assenza di vita.
Il punto non è che le parti di sfondo di supporto siano intrinsecamente cattive, è che come con qualsiasi altra cosa devono essere usate con intenzioni intenzionali.
In un brano in cui l'energia è estremamente bassa e l'umore è scuro, le note intere potrebbero essere corrette. Ma se intendi che la tua musica si senta veloce, eccitante o energica, parti noiose di note intere ti stanno solo trattenendo.
Nessuna di queste tecniche è particolarmente complessa o di difficile comprensione, e questo è parte del punto. Ci vuole solo un piccolo sforzo per rendere la tua musica più interessante, più animata e più divertente da ascoltare.
Cosa pensi? Ti affidi troppo spesso a note intere e sfondi noiosi? O hai altre tecniche per rendere le parti più interessanti? Condividi i tuoi pensieri nei commenti!
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