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Sei un artista unico con le idee che vuoi esprimere e la musica che devi condividere. Quindi, come assicurarti di mantenere le tue tracce interessanti e divertenti da ascoltare per il tuo pubblico?
In questo tutorial vedremo alcune delle cose più comuni che le persone trascurano di mantenere interessanti, facendo sì che le loro tracce si sentano senza vita e noiose, e come possiamo mantenere le cose vivaci e intriganti per mantenere l'attenzione del nostro pubblico.
Sappiamo tutti che le prime impressioni sono tutto, e la regola si applica alla musica tanto quanto qualsiasi altra cosa. I momenti iniziali della tua traccia possono attirare l'attenzione dell'ascoltatore e renderli entusiasti di continuare ad ascoltare o renderli completamente indifferenti e annoiarli, quindi è fondamentale che la prima cosa che il tuo pubblico sente sia convincente.
I cantautori spesso iniziano erroneamente le loro canzoni suonando un versetto, o le 8 battute iniziali di un verso, senza alcun comando vocale o strumentale. Mentre capisco che questo "introduce" l'atmosfera della canzone, l'ascolto di alcuni accordi suonati con la chitarra è piuttosto noioso. Se stai per iniziare a suonare la tua canzone, usa un modello ritmico eccitante o un gancio melodico. Non devi nemmeno usare materiale che esiste altrove nella tua canzone.
I Beatles sono maestri alle presentazioni orecchiabili (come ogni altra cosa suppongo). Considera l'interessante inizio della canzone "I've Just Seen a Face" che inizia con un modello di chitarra 12/8 occupato. È avvincente, non ha nulla a che fare con la canzone vera e funziona. Altri esempi: iniziando con un accordo stridente ma eccitante o colpito e poi tuffandosi direttamente nella canzone come in "Hard Days Night" o "Glass Onion"; iniziando immediatamente con un coro vocale come "She Loves You", "Nowhere Man", "Eleanor Rigby", "Help" o "Hello Goodbye"; iniziando con un hook strumentale unico come "Ticket to Ride", "Day Tripper" o "Drive My Car".
Considera questi due esempi, in cui ogni traccia inizia con un rapido sviluppo. L'inizio della canzone è immediatamente emozionante e ti dà la sensazione che tu voglia continuare ad ascoltare.
Uno dei modi più semplici per annoiare qualcuno è trovare un loop di batteria che pensi sia bello e ripeterlo fino alla nausea. Può essere divertente ascoltare due volte, ma se non cambia nulla non ci vorrà molto perché la nostra mente inizi a vagare e smetta di prestare attenzione alla tua musica.
Un altro aspetto negativo dei cicli commerciali è che possono rapidamente diventare standard e cliché. Anche se l'ascoltatore non può dire con certezza dove l'hanno ascoltato, se il loop è stato usato da qualcun altro realizzerà che è familiare. L'uso di ritmi e suoni personalizzati mantiene la tua musica in modo univoco.
Se stai leggendo questo tutorial, è molto probabile che tu sappia come funziona un drum beat di base. Se invece di cercare immediatamente dei loop tu invece carichi o crei un drum kit, sarai costretto a iniziare a pensare in modo più creativo. Dovrai effettivamente pensare al modello che stai creando, piuttosto che affidarti a qualcun altro per farlo per te.
In questo esempio ho usato un kit elettronico a 8 bit con un sacco di suoni unici e divertenti. Il beat risultante è vario e vivace, e non qualcosa che avrei potuto trovare se avessi cercato tra le cartelle un loop.
Il prossimo motivo importante per costruire i tuoi battiti è che è molto facile personalizzarli e modificarli. Anche i cambiamenti più sottili, come un colpo di piatto spostato o un pattern di cassa del basso, renderanno il tuo ritmo molto più vibrante per tutta la tua canzone rispetto agli stessi 4 beat più e più volte. Dai un'occhiata al MIDI per questo particolare loop:
Le uniche cose che sono esattamente le stesse in tutto sono il ticchettio del charleston (le note arancioni su G3 e G # 3) e il rumore a 8 bit sull'ultimo battito (le note gialle su G # 0).
Tutto il resto attorno a questi elementi cambia continuamente in piccoli modi (il calcio e il rullante che mantengono un groove un po 'costante) o in modi grandi (gli effetti sonori e le bizzarrie che mettono in risalto le cose).
Avendo il controllo down-to-the-note di ogni elemento nel kit, siamo costretti a pensare a modi per mantenere il pattern più interessante che è una buona cosa per la forza del nostro ritmo. È anche molto più facile apportare modifiche, possiamo semplicemente spostare le note MIDI in giro e non dover provare a gestire l'impionbatura dell'audio.
Nonostante il consiglio di evitare l'uso di loop, siamo perfettamente onesti: i loop sono utili. E sono anche divertenti. Buttare giù un buon loop può essere un grande risparmio di tempo e anche un trampolino creativo per altre idee. Ma se stiamo per abbattere e usare ancora i loop una volta ogni tanto invece di creare i nostri battiti, il minimo che possiamo fare è mettere un piccolo sforzo in più per renderli buoni.
Ho già spiegato come arricchire i loop, automatizzando l'EQ in un altro tutorial, quindi ciò che faremo ora è concentrarsi maggiormente sui battiti effettivi nei loop stessi piuttosto che schiacciare un effetto sull'intera traccia. Sebbene tu possa ottenere gli stessi risultati tagliando l'audio, questo sarà molto più semplice se utilizzi qualcosa come i file Stylus RMX o REX che hanno già diviso i battiti dei tuoi loop in note MIDI individuali.
La cosa più semplice che possiamo fare è lavorare con un ciclo. Ecco un ciclo che è piuttosto semplice:
Solo guardando il MIDI possiamo vedere che è molto uniforme e ripetitivo.
Rendiamolo più interessante riorganizzando le note MIDI per creare riempimenti. Lo farò identificando innanzitutto quali note MIDI compongono i suoni importanti o interessanti nel loop, usando hard hits come calci e rullanti per ritmi e piccoli successi come gli hi hat sono crack per riempire.
Tutto ciò che è servito è stato spostando alcune note, ma ora abbiamo un loop di batteria vario e vivace.
Un altro modo di usare i loop in modo più interessante è quello di variare e mescolare continuamente diversi loop. Questa canzone è stata creata utilizzando 7 diversi loop di batteria e percussioni:
Ecco un'immagine dei loop utilizzati nella sequenza:
Ogni traccia è un loop diverso e ogni colore è una variazione. Si noti che molte delle stesse regioni continuano a tornare, ma l'idea qui è di mantenere le cose costantemente variate. Usi un piccolo set di materiali per dare coesione al tuo brano, ma cambialo costantemente per tenere l'ascoltatore in punta di piedi.
Ecco l'intera canzone che utilizza questi loop, anch'essi interamente costruiti con bassi, chitarra e loop in ottone con lo stesso concetto:
Uno dei più grandi errori che ho sentito è quello di rendere i loro mix troppo occupati. Mentre possono pensare che stanno raggiungendo la pienezza, quello che stanno veramente finendo è il disordine. Se hai batteria, basso, chitarra acustica, sia una chitarra solista che un piano che suona accordi e riempie, un cantante e cantanti di sottofondo suonano tutti allo stesso tempo, come mai nel mondo dovrei sapere cosa ascoltare? Solo perché ce l'hai, non significa che dovresti usarlo.
Se hai sia il pianoforte che la chitarra, una delle cose più facili che puoi fare per creare una variazione è farli fare a turno. Ad esempio, il chitarrista suona il primo verso e il pianoforte il secondo. Oppure dare a ciascuno una funzione diversa, ad esempio suonare gli accordi di chitarra e il pianoforte suona solo e si riempie tra le linee vocali. In entrambi i casi, avere entrambi gli strumenti che giocano uno sopra l'altro causerà molto danno al tuo mix.
Guarda questo esempio, che ho costruito interamente da alcuni loop che sono venuti con la logica.
Il "versetto" viene riprodotto tre volte, ma ogni volta con un diverso abbinamento di strumenti. Mentre la batteria e il basso rimangono uguali per tutta la melodia, i versi sono caratterizzati da violino e chitarra elettrica, banjo e chitarra acustica, o pedal steel e chitarra acustica. Se il violino, l'elettrico, l'acustico, il banjo e l'acciaio del pedale cercassero tutti di suonare sullo stesso verso, sarebbe una pazzia disordinata. Espandendoli e dando a ciascun giocatore il proprio turno di risplendere, l'ascoltatore può concentrarsi sullo strumento del momento e non essere costretto a provare a spulciare oralmente attraverso il pasticcio.
Un flauto solista o un oboe solista può suonare bello e lirico, ma non appena li hai entrambi suonano all'unisono perdi l'unicità e il colore di ciascuno. Sebbene tu possa creare molti suoni interessanti ed efficaci usando diverse combinazioni di strumenti, di solito sono i metodi più semplici che daranno i migliori risultati e comunicano le tue idee nel modo più chiaro.
Qualcosa è interessante quando mette alla prova le nostre aspettative. Dopo anni di ascolto della musica ci siamo abituati a molte convenzioni, un esempio di base è costituito da frasi di 2, 4 o 8 battute. Giocando con la lunghezza delle nostre frasi possiamo rendere le cose più interessanti e uscire dalla comunanza.
In questo esempio la sezione A del pezzo suona principalmente in tre frasi:
Il pezzo poteva avere vampate per una barra in più per una bella frase di quattro bar, ma sarebbe stato lungo e non necessario. Abbassando la frase di un'intera barra, manteniamo il pezzo in movimento e rimuoviamo leggermente le aspettative dell'ascoltatore. Lanciandoci per un altro ciclo, la terza frase non si ferma a tre battute, ma continua ad andare per 5 prima di ricominciare la sezione A. Allo stesso modo, l'ultima frase della seconda sezione A taglia la frase da 3 barre a sole 2 barre, causando l'arrivo inaspettato della sezione B..
Per fare un confronto, ascolta questo esempio in cui le frasi sono state allungate per includere quella quarta barra. Non so voi, ma mi rende piuttosto impaziente.
Una cosa importante da notare nella versione originale è che sebbene le frasi siano lunghe inusuali, il pezzo ha ancora un elemento di flusso. Non usiamo lunghezze strane per scuotere l'ascoltatore o gettarlo completamente alla sprovvista, ma semplicemente per rendere più interessante ascoltare il pezzo. È il tipo di tecnica sottile che un non-musicista non noterebbe mai, e non vorremmo davvero che lo facessero.
La maggior parte della musica occidentale è in 4/4, con la traccia occasionale mostrata in 3/4, 12/8 o 6/8. Usare una segnatura del tempo meno comune come 5/4 o 7/8 può aggiungere una svolta unica alla tua canzone, ma solo se è fatta in modo efficace.
Le segnature temporali dispari possono essere utilizzate per allontanare le persone dall'entrare in un comodo groove. I Led Zeppelin userebbero questa tecnica spesso. Considera la canzone The Ocean, che ti fa oscillare la testa lungo il solco quando all'improvviso una barra di tre ti coglie di sorpresa.
Il mio uso preferito di tutti i tempi della musica pop è "Solsbury Hill" di Peter Gabriel. La canzone si alterna tra 4/4 e 3/4 (si potrebbe considerare 7/4) ma viene eseguita in modo così fluido che non si nota nulla di strano se non si presta attenzione. Raggiunge la levigatezza mantenendo una grancassa molto stabile su ogni nota da un quarto e un pattern shaker coerente. Il groove non viene mai interrotto, quindi non c'è mai motivo di sentirsi come se il tempo fosse inusuale, ma il fraseggio è abbastanza strano da poter sentire che qualcosa di diverso sta succedendo. Lasciando fuori quell'ottava nota da un quarto, la canzone continua a spingere in avanti.
Ho già scritto un tutorial su come utilizzare The Rule of Three and Music. In pratica, il concetto dice che se hai ripetuto qualcosa esattamente lo stesso una volta, è il momento di andare avanti. Guarda il tutorial originale per un look più approfondito.
La benedizione e la maledizione della tecnologia musicale odierna è che possiamo raggiungere quasi la "perfezione" con la nostra musica. I ritmi possono essere inumanamente precisi, i toni non possono mai vacillare da una perfetta frequenza matematica e le nostre miscele possono rispondere all'automazione al millisecondo. Mentre tutte queste cose possono essere utili, è molto facile finire con una traccia che sembra senza vita e senza cuore. Uno dei modi per riportare quel tocco "umano" consiste nell'incorporare piccoli esempi di imperfezione.
Dai un'occhiata al primo minuto di questo pezzo:
Oltre al pianoforte, non succede nulla, ma un lungo pad che mantiene sempre le stesse tonalità. Avevo un quartetto d'archi che suonava le stesse tonalità molto dolcemente sotto il pad. Le fluttuazioni naturali dell'arco, della messa a punto e della risonanza delle corde aggiungevano un tocco di imprevedibilità che sarebbe stato impossibile ottenere semplicemente tenendo il dito sul pad. Mentre avrei potuto facilmente estendere il MIDI su tutta la lunghezza dell'introduzione e lasciarlo a quel punto, ci sarebbe rimasto un suono noioso e statico. Invece aggiungendo lievi imperfezioni possiamo aggiungere qualche sottile interesse. La combinazione pad / archi non distrae dal piano, che è l'elemento più importante, ma ha una sensazione organica che lo fa sentire un tocco più vivo.
È probabile che tu non abbia un giocatore dal vivo a tua disposizione ogni volta che vuoi aggiungere un tocco umano alla tua musica, quindi che altro potremmo aver fatto con questo pad? Potremmo automatizzare un filtro, consentendo a diverse frequenze del pad di attraversare in momenti diversi. Potremmo automatizzare il volume in modo che il pad fluttua e sembra "respirare" man mano che diventa più forte e più silenzioso. Potremmo sovrapporre alcuni pad diversi, facendoli a turno a soffiare dolcemente in avanti o indietro tra loro. Tutte queste tecniche sarebbero impiegate allo scopo di mantenere il pad dal suono come una macchina, facendolo sembrare invece un elemento imperfetto ed organico.
C'è una linea sottile tra innovativo ed eccentrico. Spesso quando qualcuno è considerato "in anticipo sui tempi", è perché le persone non hanno ancora colmato le lacune tra ciò che è standard e ciò che l'artista sta esprimendo. Immagina se Eddie Van Halen provasse a suonare un assolo strappo, a squarciare la chitarra a migliaia di note al minuto, nel 1955. Sarebbe stato o deriso o forse anche rinchiuso. Ci sono voluti decenni rock per evolversi per preparare il terreno per quel tipo di gioco.
Se vuoi che la tua musica sia interessante devi essere unica a modo tuo, ma per far sì che le persone prestino attenzione devi dare loro una sorta di punto di riferimento. Ad esempio, senza l'orchestra di corde "Viva la Vida" sarebbe solo un'altra canzone dei Coldplay. Non c'è nulla di rivoluzionario nella progressione di accordi o nella melodia, ma l'orchestrazione unica per la musica pop rende la canzone particolarmente interessante.
Può essere una linea sottile tra "interessante" e "erratico", che è uno dei motivi per cui i sottili cambiamenti possono essere così efficaci. I minimalisti come Philip Glass e Steve Reich hanno fatto sì che tutte le carriere si estendessero dal concetto che non ci sono cambiamenti costanti di umore o colore per fare un grande brano musicale, ma richiede che la tua musica sia abbastanza interessante da mantenere il tuo ascoltatore impegnato.
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