Share
Le ore d'oro del giorno sono il terreno di gioco per Christopher O'Donnell. Potrei dire che le immagini con colori intensi e la sottile profondità di campo sono un marchio del suo lavoro. Molto innamorato del paesaggio dell'area del Maine, O'Donnell rivela in questa intervista che è diventato un fotografo per caso, non per scelta.
Ho trovato il lavoro di Christopher O'Donnell anche per caso. Un'immagine dell'autore ha attirato la mia attenzione mentre navigavo nel web, e il fatto che fosse così simile a una mia, in termini di tecnica applicata, mi ha spinto a cercare altro. Sorpresa, la copertina di uno dei suoi eBook, The Portfolio of Bokeh, di nuovo, non aveva solo un uccello simile ma le stesse opzioni che ho in una delle mie foto. È sempre divertente come i fotografi di diverse aree del mondo arrivino alle stesse soluzioni e alle stesse immagini, senza nemmeno conoscersi. Volevo sapere di piu.
Alcuni lo adoreranno, altri lo odieranno. È qualcosa che ho trovato sul lavoro di Christopher O'Donnell. La verità è che alcune di queste fotografie potrebbero non sembrare del tutto reali, l'uso di poca profondità di campo in alcuni cambiamenti realtà, e i colori potrebbero essere troppo saturi per alcune persone, ma lavorano per creare uno stato d'animo che ti fa venire voglia di saltare dentro la fotografia e camminare per il paesaggio.
Come lui o ora, l'autore ha appena lanciato un nuovo eBook, The Golden Hour Portfolio. Con questa scusa, ho potuto chiedere a O'Donnell alcune domande.
Io sono un fotografo e scrittore di paesaggi a tempo pieno, con la sempre mutevole costa del Maine che è la fonte della mia ispirazione.
Penso di essere completamente ignaro delle mie affinità con la natura e la fotografia fino a dopo il fatto. Con il senno di poi, i miei ricordi d'infanzia più vivaci sono stati trascorsi fuori. Mia madre ha sempre avuto una macchina fotografica in mano, quindi è stata una grande influenza fin dall'inizio. Non mi sarei mai aspettato che questi due convergessero fino a quando non fosse già successo.
Nel mio ultimo anno al college, mi immergevo completamente nell'arte della fotografia, e non era per mia scelta davvero. Per laurearmi avevo bisogno di tre classi d'arte, che erano sempre molto richieste e riempite rapidamente.
Quando mi sono ritrovato chiuso fuori da due classi per non avere i prerequisiti corretti, sono andato dal decano che è successo a insegnare un intro alla classe di film in bianco e nero. Mi ha gentilmente ospitato, e in quella classe tutti i miei quattro anni di college avevano uno scopo.
Dopo essermi laureato nel 2008, sapevo che volevo vivere in uno stato che offriva molte opportunità per la fotografia di paesaggio, un luogo in cui avrei potuto sviluppare una forte connessione. L'oceano ha avuto un'influenza costante nella mia vita, quindi il Maine è stata la scelta più ovvia per me. Sono molto grato di vivere in questo stato incontaminato con una bellezza così incontaminata e che sia il mio campo creativo.
Quello che ho scoperto del Maine è che puoi avere sia albe che tramonti, il che è contrario a ciò che la maggior parte vorrebbe credere dal momento che la costa si affaccia ad est. La variegata costa offre molte penisole che corrono da nord a sud, quindi ci sono molte località che si affacciano ad ovest per un tramonto.
A parte questo, adoro le albe. L'intera esperienza è qualcosa che non puoi descrivere con le parole: è semplicemente eccezionale. Il silenzio del paesaggio è così pesante con nient'altro che le onde che si infrangono per interromperlo. Per vedere i colori gradualmente passare dal blues al rosso, e il drammatico accumulo di luce fino a quando non esplode nel cielo, è incredibile. È come se la natura non inizi la sua giornata fino a quando il sole sorge.
Penso che tutti dovrebbero assistere ad un'alba sull'acqua ad un certo punto della loro vita. È un'esperienza surreale e i ricordi rimarranno con te per tutta la vita. Non tanto i ricordi visivi, ma l'esperienza emotiva e spirituale. Può essere difficile per me concentrarmi durante l'alba, voglio solo sedermi e prendere pienamente il momento.
Sono costantemente alla ricerca di nuove posizioni. Non sono in grado di compartimentare la mia fotografia, è diventata parte della mia vita quotidiana. Se vedo un luogo che sembra promettente, farò un po 'di ricerche e tornerò con la fotografia in mente. Ci sono anche momenti in cui mi concentro esclusivamente sulla ricerca di un nuovo posto da esplorare, e cercherò in modo casuale la topografia con le mappe di Google per vedere cosa sembra promettente.
Quando trovo una nuova posizione, tendo ad esplorarla completamente e a rivederla più volte con un'illuminazione diversa, in particolare nelle ore d'oro, e di nuovo sotto la luce nuvolosa. Ho la fortuna di avere un programma flessibile in cui posso pianificare le mie foto in base alle condizioni meteorologiche e alla luce, quindi la ricerca di location è importante.
Se vedo delle nuvole che iniziano a girare intorno al sole di sera, so che creerò un tramonto interessante. Voglio poter andare in un'area che ho già esplorato e avere familiarità con il paesaggio.
Ironia della sorte, alcune delle mie foto preferite sono il risultato di nessun sopralluogo, quindi non è necessariamente un prerequisito per me. Non passerei mai l'occasione per fotografare una nuova area perché non l'ho ancora esplorata. Fotografare una posizione senza alcun piano o messa a fuoco può essere liberatorio e consente alla creatività di fluire senza i vincoli di un'immagine predeterminata.
Le ore d'oro sono diventate un filo conduttore per gran parte del mio lavoro. Ho una profonda connessione emotiva con questa ora del giorno, i momenti prima del tramonto e dopo l'alba. La luce gioca un ruolo importante nel mio processo creativo e le ore d'oro mi forniscono il mio genere preferito.
Mi piace pensare alle ore d'oro in un senso più ampio del semplice "stile" o "tempo". Lo vedo come una tela su cui posso creare. Mi permette di interpretare il paesaggio come lo vedo io, e ancora più importante come lo vivo. Non è né un progetto personale né una fase, ma una parte di ciò che sono quanto la fotografia.
La luce è la forza trainante della mia fotografia e ispira molto di ciò che faccio. Sia l'ora d'oro che il bokeh sono influenzati dalla luce, quindi sono sicuramente connesso a loro.
La luce naturale mi fornisce i mezzi per creare, e la parte più eccitante è che non può essere controllato. Credo che questa necessità di accogliere la luce abbia permesso al mio sviluppo creativo di evolvere costantemente.
La familiarità con il paesaggio è qualcosa che migliora la connessione ad esso, e questa connessione serve da fondamento su cui costruisco le mie immagini. Ho passato più di un anno a fotografare la stessa spiaggia in tutte le stagioni, e ogni immagine avrebbe evocato un'esperienza completamente nuova che è stata migliorata da questa connessione. È un filo comune che è evidente nel mio lavoro.
La posizione è molto importante per me, ed essere in grado di rivisitare il paesaggio e sviluppare una connessione ad esso è un'esperienza potente.
Diverse persone mi hanno detto che sapevano che era la mia foto prima di vedere chi fosse il vero fotografo. Non vedo la coerenza tra le mie immagini, almeno non quella che è ovvia. Tuttavia, gli altri possono vederlo così la mia prospettiva deve essere un po 'soggettiva.
Quando guardo le mie foto, vedo non solo le differenze visive, ma posso rivivere il momento, l'atmosfera, le emozioni. Ogni foto rappresenta per me un'esperienza e un ricordo unici, quindi deve influire sulla mia visione dell'individualità di ciascuna immagine.
Da un punto di vista tecnico, ci sono molte qualità che mi piacciono essere coerenti nel mio portfolio, in particolare, una messa a fuoco nitida e un'esposizione corretta: una senza luci saltate o ombre schiacciate. Inoltre, esploro l'intera gamma tonale di una scena, spingendo i limiti del contrasto senza causare danni al pezzo finale.
Normalmente non uso filtri a densità neutra graduata (GND). La maggior parte del mio lavoro viene raggiunta attraverso la miscelazione dell'esposizione. Questo non vuol dire che uno è migliore dell'altro, ma piuttosto che mi piace lavorare nella camera oscura digitale e mi piace anche la versatilità di usare le maschere per decidere in modo selettivo dove voglio regolare la mia esposizione, quindi è più versatile rispetto ai GND.
D'altra parte, devo affrontare il ghosting in alcune occasioni, ma ho imparato a risolverlo attraverso un editing (a volte noioso). Mi piace quella parte della fotografia, ma altri no, ed è per questo che il percorso che scegli dovrebbe ruotare attorno alle tue preferenze di flusso di lavoro.
Se ti piace lavorare nella camera oscura digitale, la fusione dell'esposizione sarà qualcosa che migliorerà notevolmente le tue foto. Il mio background in Photoshop e la tecnologia sono forti, il che rende l'esposizione fondere una tecnica che si accoppia armoniosamente con le mie capacità.
La fusione dell'esposizione e i filtri GND sono due percorsi per lo stesso risultato. Non esiste un metodo migliore in senso generale, ma piuttosto su base individuale. Quello che ti piace di più sarà evidente nel tuo lavoro.
Spingo decisamente l'involucro di ciò che è visto nella realtà. Per me, è una linea sottile per camminare e lo faccio a volte attraversarlo. Non è semplicemente per l'impatto visivo però. Il colore e il lavoro tonale che faccio dipende interamente dalla scena, in particolare dalla mia connessione emotiva con quel particolare momento.
L'esperienza che ho avuto quando ho scattato una foto determinerà quale sarà il risultato finale e il percorso verso l'immagine finale non è mai chiaro per me. Trascorrerò spesso ore, o anche diversi giorni, lavorando su una foto fino a ricreare ciò che sentivo.
Ad esempio, se sto fotografando una tempesta in avvicinamento, e l'atmosfera è densa di drammaticità, e le nuvole sono pesanti e dense. Regolerò i colori e i toni per rappresentare l'intensità che ho sentito in quel momento. Per le altre foto, silenzio i colori e ammorbidisco i toni se si tratta di un'esperienza particolarmente serena e rilassante.
Non è un metodo per ingannare lo spettatore - per abbellire o alterare una scena nel tentativo di travisare - anzi, in realtà è il contrario. È il mio modo di rendere l'esperienza visiva più completa, una rappresentazione più fedele di quel tempo per me.
Sentirai i fotografi dire "dovevi essere lì" nel tentativo di trasmettere quel momento, e c'è molta verità in quella affermazione. Sento che questo non è in grado di spiegare la connessione più profonda che si ha con una particolare immagine, o almeno in un modo in cui anche altri possono sperimentare.
È qualcosa che non puoi spiegare con le parole, quindi le immagini che creo sono incapsulando quell'intera esperienza, le immagini, le emozioni, l'atmosfera e infondendole nel mio lavoro per replicare quel momento. Viene assorbito, tradotto e quindi proiettato.
Questo è il motivo per cui non sono stato in grado di spiegare completamente il mio flusso di lavoro di post-elaborazione per il colore. È più che aggiungere livelli e maschere di regolazione, è univoco per ogni immagine. Se ho appena descritto il flusso di lavoro tecnico, non sarebbe una spiegazione completa.
Come posso spiegare il processo di sviluppo di una connessione emotiva con il paesaggio e lasciando che dettare quale direzione oriento il mio montaggio? Sarà il primo argomento in cui devo concentrarmi sull'ispirazione piuttosto che spiegare un processo concreto. Vorrei discutere dell'elaborazione del colore in un futuro eBook, ma sarà un argomento molto impegnativo da affrontare.
I miei eBook precedenti trattano tecniche semplici come superare le sfide di esposizione sul campo, quali elementi sono necessari per creare bokeh, ecc. Sono concreti, metodici (per la maggior parte) e non del tutto personali.
Il mio colore e il montaggio tonale, tuttavia, porta molta emozione e dialogo interiore nell'equazione, quindi ho bisogno di trovare un modo per spiegare come le mie emozioni guidano il mio flusso di lavoro. È un concetto molto intimidatorio da tradurre in parole.
Il montaggio del mio lavoro è limitato a colori e toni. A parte ciò, quello che vedi è ciò che ho visto. Non aggiungo o sottraggo elementi dalle mie immagini.
L'intero processo creativo dallo scouting di una posizione alla presentazione dell'immagine finale è un viaggio etereo e coinvolgente. È un'esperienza molto radicata, ma allo stesso tempo liberatoria. Mi sento tutto alla fine e voglio riprovarci.
Se ti mostro una qualsiasi delle mie immagini, posso dirti esattamente quello che ho provato quel giorno e come è stata l'esperienza: i suoni, gli odori, l'atmosfera. Ho una profonda connessione con tutti loro. È euforico in un certo senso.
Tornando alla domanda precedente, ricreare queste emozioni ed esperienze attraverso il mio flusso di lavoro, quindi penso che lascerebbe una parte molto personale di me in ciascuna delle mie immagini.
Il mio equipaggiamento è piuttosto semplice. Io uso un corpo 5D Canon con tre obiettivi principali nella mia collezione, il 24mm f1.4, 85mm f1.8 e 300mm f4. Ho optato per obiettivi primi veloci sin da quando avevo già sviluppato una forte connessione con basse profondità di campo.
Il mio treppiede Manfrotto è stato con me da quando l'ho acquistato nel 2008 ed è stato utilizzato per quasi tutte le mie immagini. L'impugnatura a sfera funziona meglio per me poiché posso riposizionare rapidamente e facilmente la fotocamera. Sono stato tentato di cambiare e aggiornare il mio sistema, ma questo funziona eccezionalmente bene per me e non voglio interrompere quell'armonia.
Il consiglio più profondo che posso dare è anche il più generale e semplice: se ti sembra sbagliato, non farlo.
Con la quantità illimitata di informazioni digeribili su Internet, potresti facilmente essere persuaso a seguire un percorso che non ti sta bene. Prima o poi, l'incoerenza tra ciò che pensi sia giusto e ciò che ti viene detto è il modo "giusto" che inizierà ad indossare sulla tua anima come fotografo, la scintilla che ispira il tuo lavoro.
Se qualcosa non sembra giusto, se il tuo lavoro sta iniziando a sembrare più un lavoro di routine che qualcosa che ti eccita e ti ispira, fermati e analizza questa disconnessione. Quando sono cambiate le cose e, cosa più importante, come puoi tornare sul sentiero che ti ha portato divertimento? È naturale e ci si aspetta che intraprenda nuove strade nel tuo lavoro, anzi, è incoraggiato. La capacità di riconoscere quando qualcosa non funziona e avere il coraggio di cambiare è ciò che ti porterà ad una vita appagante come fotografo.
Il tuo istinto è il tuo migliore amico. Saprai quando qualcosa non funziona, e questo è il segnale per fare una pausa. È importante prendere tempo di tanto in tanto per rimettere a fuoco, anche quando le cose sembrano andare per il verso giusto. È incredibilmente rinfrescante e aiuta a riconnettersi con chi sei come fotografo.
La parte fantastica della fotografia è che ogni fotografo ha una visione unica, la propria storia da raccontare. Penso che la fotografia stia subendo una rivoluzione in cui si attribuisce molto più valore a chi è il fotografo, in particolare a ciò che il talento e le abilità uniche che possiedono.
I fotografi di oggi non stanno cercando di emulare il lavoro degli altri, almeno una volta che hanno imparato il mestiere. Vedo più enfasi sul loro individualismo: la loro visione, la creatività e la loro capacità di dimostrarlo attraverso il loro lavoro.
Credo che l'unicità del settore sia ciò che rende possibile che ci siano molti fotografi professionisti e che siano ancora in grado di guadagnarsi da vivere facendo ciò che amano. Non tutti i "consumatori", che si tratti di un cliente, uno studente o un estimatore dell'arte, stanno cercando lo stesso risultato, quindi ci sono molte opportunità per andare in giro.
Mi è stata fatta questa domanda esattamente un anno fa, e ho detto che i miei piani futuri includevano la scrittura di un eBook. Ora ne ho scritti quattro, quindi è un po 'surreale confrontare queste due diverse fasi della mia carriera. Sto pensando in modo molto diverso ora di quanto lo fossi l'anno scorso.
Il mio obiettivo ora è quello di insegnare la fotografia attraverso i miei scritti e eBook, quindi è qualcosa che ho intenzione di continuare. È stata un'esperienza incredibilmente gratificante per me perché ho un passato nell'insegnamento, ma ora ho l'opportunità di insegnare un argomento che mi appassiona così intensamente.
La fotografia è stata una forza costante e potente nella mia vita, e questa esperienza è stata migliorata solo ispirando gli altri a sviluppare una connessione simile. Ho iniziato a insegnare solo tramite eBook, quindi non vedo l'ora di percorrere questa strada e vedere cosa si sviluppa.
In termini di lavoro personale, è una domanda a cui non posso rispondere. Lascio che le stagioni e il paesaggio guidino la mia ispirazione e non so mai quale direzione mi porterà.
Accentsconagua