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Benvenuti alla seconda puntata di questo two-parter sulle riprese con lo schermo verde per il compositing. Utilizzeremo le lezioni del primo articolo per illuminare, riprendere e elaborare un'immagine composita completa. Ho imparato (nel modo più duro) che la chiave per il successo del compositing non è pensarla troppo. Mantienilo semplice e dovresti stare bene.
In questo articolo presumo che tu conosca molto delle basi del flusso di lavoro di Photoshop e abbia una ragionevole comprensione dell'illuminazione, quindi non spiegherò ogni singolo pulsante, o cose come la Tavolozza dei livelli utensili. Probabilmente dovresti essere abbastanza competente con questo genere di cose prima di provare tecniche digitali intermedie o avanzate come questa.
Avevo già scattato l'immagine di sfondo per il composito su cui ho lavorato, quindi è stato il caso di abbinarlo alla mia illuminazione. Questo è l'ordine in cui probabilmente è meglio lavorare, dato che non si può controllare troppo la luce naturale, ma si può abbinarla facilmente in studio, con abbastanza luci. Dopo diversi test con diversi accorgimenti di illuminazione, quello su cui mi sono basato è stato questo:
Utilizzando un'inversione della tecnica bianco senza saldatura / V-flat per fornire luce del cerchio e una luce chiave bassa da due flash. Quel diagramma è ragionevolmente su scala. Nota il grande divario tra me e lo schermo. Avevo problemi con la fuoriuscita di verde a quattro piedi, quindi l'ho aumentato a sei e ho diffuso maggiormente la luce dello schermo, e divenne molto meno un problema. La configurazione attuale sembrava così:
Un po 'più complicato del diagramma nella pratica, ma ha funzionato. A proposito, non consiglio di avere pareti gialle in uno spazio così piccolo! Non abbiamo ancora avuto il tempo di ridipingere ancora. Il diagramma di illuminazione spiega perché le luci posteriori non mi puntano tanto in avanti quanto in avanti, in modo da ottenere un rimbalzo sufficiente dai riflettori senza surriscaldare in maniera massiccia l'illuminazione del cerchio.
Ho usato un lampeggiatore per lo schermo perché la funzione di zoom crea una migliore diffusione della luce da un ingombro minore sul pavimento dello studio, permettendo di impostarlo alla giusta altezza ma rimanere nascosto dalla fotocamera dietro di me.
Questa particolare configurazione è ideale per lo sfondo notturno che sto usando. Quasi certamente dovrai regolare i rapporti per le immagini composite diurne e probabilmente avere un'illuminazione dei bordi più morbida, poiché sembrerebbe provenire dal cielo piuttosto che dai lampioni "point-source".
Quindi, quello era il setup finale, e l'immagine di quella sequenza su cui mi sono ambientato era questa:
L'immagine iniziale, con le impostazioni della fotocamera applicate in Windows Photo Viewer. Sono tutti in vista davanti allo schermo, tutto è correttamente illuminato, la posa (o la sua mancanza) è accettabile e il telecomando è nascosto. Poiché ogni nuova disposizione di illuminazione era un'idea stimolante, non c'era davvero il tempo di introdurre un modello. Quindi, ancora una volta, sono la cavia!
Forse ti starai chiedendo perché sono relativamente scuro rispetto alla luce del bordo. Fondamentalmente, questo è stato fatto per abbinare l'illuminazione dell'immagine di sfondo come vedrai tra poco. Le immagini più luminose non mi sembravano naturali.
Ora che abbiamo l'immagine della piastra frontale, dobbiamo creare la maschera che ci consenta di comporla sullo sfondo. Fortunatamente, Photoshop ha uno strumento molto utile per questo chiamato Seleziona> Intervallo colori. Prima però, dobbiamo usare Camera Raw per ottimizzare l'immagine per il mascheramento.
Le impostazioni di base che ho usato in ACR per migliorare la digitabilità. Lo stile attuale viene dopo e, naturalmente, in Photoshop CC potrei usare ACR come filtro intelligente. Le impostazioni di cui sopra mi hanno permesso di spingere e tirare la tonalità dell'immagine in una gamma che mi sembrava adatta e mi ha fatto uscire dallo sfondo verde abbastanza perché il keyer potesse funzionare la sua magia. Non mi sono fermato qui, però. Successivamente ho lavorato con i cursori HSL per rendere quello sfondo il più neutrale possibile. Questo è stato relativamente facile, dal momento che ACR ha una piccola casella dell'istogramma in cui dà i valori RGB del pixel che stai passando sopra.
L'obiettivo è di massimizzare il valore verde e ottenere i valori di rosso e blu il più vicini possibile, regolando i cursori di tonalità per il verde e il ciano. Rendendo il verde più o meno giallo, stai controllando la quantità di rosso in esso (verde + rosso = giallo nella teoria dei colori additivi), e rendendo il ciano più o meno verde, stai regolando la quantità di blu il area verde contiene.
Ad esempio, se avessi spostato il cursore sullo schermo verde e il riquadro dicesse, diciamo, c'erano sempre circa 20 punti in più di blu rispetto al rosso, come (65, 127, 84), quindi avrei spostato il cursore del colore cyan più verso il verde.
Questo è il motivo per cui è importante non avere oggetti giallo verdastro o blu verdastro nelle tue immagini, se puoi aiutarlo. Con le immagini fisse, è facile annullarne la mascheratura, ma con il video è probabile che sia necessario un gran numero di noiosi keyframing.
colore equilibra i canali rosso / blu, Saturazione migliora la consistenza del colore e lo avvicina al verde chroma, e Leggerezza uniforma la diffusione della luce attraverso lo schermo. Dopo di ciò, ho appena fatto una correzione automatica della distorsione dell'obiettivo e ho colpito Aperto.
Una volta in Photoshop, la prima cosa da fare è eliminare tutte le parti estranee dell'immagine per ridurre la quantità di elaborazione richiesta da Photoshop.
Duplica il tuo background. Questo è quasi sempre il mio primo passo, quindi ho sempre un rapido ripiego in caso di disastro. Disattiva il livello di sfondo originale, perché non è necessario vederlo. Sul livello duplicato, un semplice laccio a sfumatura zero attorno al contorno del soggetto, colpito Ctrl + Alt + I per invertire la selezione e premere Elimina.
Non è necessario che Photoshop funzioni gli straordinari, quindi eliminiamo i bit non necessari. La prossima è la chiave! Vai a > Seleziona> Gamma colori, e fai clic sull'area verde nell'immagine o nella piccola finestra di anteprima. Se la tua illuminazione non è perfettamente uniforme sullo schermo, dovrebbe sfumare la maschera nell'anteprima. Ctrl + Alt + Click su tutte le aree di verde che non sono già state prelevate.
Due clic, fatto! Una volta che hai finito, dovrebbe assomigliare a questo. Puoi giocare con il Fuzziness Slider fino a quando il contorno dei capelli sembra giusto. Sono finito da qualche parte nel mezzo. Ho solo dovuto cliccare due volte per questa maschera; una volta in cima per l'illuminazione uniforme dietro i capelli, e una volta per il fondo dove il lampo si è abbassato un po '. Se è molto più complesso di questo, la tua illuminazione probabilmente ha bisogno di essere messa a punto.
Una volta che sei felice di come appare, colpisci ok, e produrrà alcune formiche in marcia intorno alla tua area verde. Visto che abbiamo davvero bisogno del resto per mostrare, non lo schermo, colpiamo Ctrl + Alt + I di nuovo per invertire la selezione. Duplica nuovamente il mio livello a questo punto, anche se non è strettamente necessario, quindi colpisco il Icona maschera di livello nel Tavolozza dei livelli.
Livello duplicato, colpito Shift + Ctrl + I, clic Icona maschera di livello. La fine. Questo produce una maschera esattamente dove si trovava la nostra selezione, e a questo punto il keying dovrebbe essere completo. Una volta che ho inchiodato l'illuminazione (che non ha bisogno di essere magenta, solo ben retroilluminato), non ho avuto nessun problema di chiavetta. Resistere alla tentazione di colpire Affina bordo anche prima di creare la maschera. L'ho fatto alcune volte, supponendo che, in altre situazioni, sarebbe una superpotenza, migliorerebbe la mia chiave qui, ma in realtà ha rovinato i risultati e creato un alone verde da incubo attorno ai capelli. Sei stato avvertito!
In realtà ora abbiamo finito con il piatto in primo piano, è pronto per il composito. Lo so! È quasi troppo facile. Questo è il motivo per cui nel primo articolo ho detto che uno schermo verde è migliore di un bianco senza cuciture, che richiede una buona dose di mascheramento manuale.
Qualsiasi nitidezza, correzione del colore o altre mosse in primo piano devono essere in sintonia con la piastra di sfondo, quindi non possiamo fare nulla lungo queste linee finché non stiamo compositing.
Ora apriamo la nostra immagine di sfondo, quindi copiamo e incolliamo la piastra in primo piano sopra di essa. Probabilmente sembrerà un po 'ridicolo, ma per ora va bene. Ora sarebbe anche un buon momento per rendere il tuo pannello frontale un oggetto intelligente. Fai clic con il tasto destro sul suo livello sul clic Converti in oggetto avanzato se non sei completamente sicuro di come ridimensionare e comporre.
La prossima cosa che ho fatto qui è stata quella di sfruttare la nebbia sullo sfondo e adattare le sorgenti luminose al mio soggetto. Ho duplicato il livello di sfondo e poi ho schivato tutto intorno alle luci, seguendo le linee dei raggi, aggiungendo in alcuni punti luce qua e là, e in generale cercando di ridurre il contrasto immediatamente attorno al soggetto. Ciò migliora la leggibilità del soggetto, proprio come quando si accende in un ambiente non composito. Questa potrebbe essere una scelta stilistica, ma ti consiglio di provare a fare qualcosa di simile per il tuo background, per quanto ne consente.
Una volta regolato a tuo piacimento, il passo successivo è usare a Livello di regolazione del bilanciamento del colore per bilanciare le strane differenze di colore. Mi è piaciuto l'aspetto al vapore di sodio dello sfondo illuminato di notte, così invece di bilanciamento del bianco, io un equilibrato il mio primo piano.
Ho rinfrescato le ombre mentre aggiungevo il rosso in esse. Il grigio del cielo contiene una quantità sorprendente di rosso. Trovo una buona idea lasciare il Tavolozza informazioni aperto in ogni momento per scoprire cose come questa. Ho messo un po 'di giallo di sodio nei mezzitoni mantenendoli freschi con un po' di ciano extra, poi ho fatto saltare i punti salienti con il giallo e aggiunto un tocco in più di quello strano rosso. Questo livello è stato applicato solo al soggetto di Alt + clic la linea tra i due livelli nella tavolozza dei livelli.
Dopo aver calcolato il bilanciamento del colore delle varie gamme tonali, è un buon momento per assicurarti che la tonalità del tuo piatto anteriore sia più vicina a quella del tuo fondello. Questo migliorerà il realismo. Ho aggiunto un Livello di regolazione delle curve per schiacciare i neri molto leggermente perché la quantità di luce sulla giacca sembrava strana, e abbassato le luci in modo tale che le luci stradali apparivano come fonti di luce più naturali per il grado di illuminazione dei bordi.
Poiché ho aggiunto questo livello di regolazione mentre sul livello soggetto invece che sul livello di bilanciamento del colore, Photoshop lo ha creato automaticamente come un secondo livello "maschera" applicato solo al livello soggetto.
Schiacciare leggermente i neri e lasciare cadere i punti salienti per adattarli ai livelli di luce. Una volta che tutto è stato bilanciato, ho deciso che non mi piacevano le foglie gialle troppo sature per i lampioni, quindi ho aggiunto a Livello di regolazione tonalità / saturazione all'intera immagine e portato i livelli di saturazione di tutto il resto a -32 sul canale principale.
In realtà mi piaceva l'aspetto di questo, aggiungeva un po 'più "grinta" e cinematicità a questa scena notturna senza fare quella brutta cosa da affilatura croccante, quindi non mi sono preoccupato di mascherarlo sopra le foglie.
Ho scritto un intero articolo su come la brutta saturazione gialla di solito appare nel fogliame, quindi probabilmente era inevitabile. Le luci ora sembrano anche molto meglio.A questo punto sono stato effettivamente realizzato con l'aspetto "composito naturale", ma volevo farlo apparire più lucido. In primo luogo, ho osservato che l'illuminazione del cerchio apparirebbe più naturale se fossi al contrario, quindi ho capovolto il soggetto in orizzontale e l'ho regolato di nuovo in posizione.
Ciò ha consentito ai fari delle auto sullo sfondo di sbirciare e di illuminare l'interno del braccio, oltre a mettere i lampioni in luoghi fisicamente corretti per la quantità, il posizionamento e l'angolo di illuminazione sul soggetto.
Capovolto è meglio. Quella luce della macchina che si insinua nell'incavo del mio braccio aggiunge un po 'di naturalismo, oltre a un piccolo contrasto cromatico. Questo è osservativo e ogni immagine sarà diversa. Una volta che hai finito con le nozioni di base delineate sopra, è una buona idea guardare da vicino la tua immagine "finale" e assicurarti che abbia tutto il senso che può, o se la composizione possa essere ottimizzata per migliorare il suo naturalismo. I nostri occhi sono molto sensibili alle stranezze nell'illuminazione.
Ora che sono state apportate le ultime regolazioni di colore e tonalità, è ora di dare il tocco finale all'immagine. Il primo è la creazione del raccolto finale. Dopo aver lanciato la piastra del soggetto, ho rimosso quella macchina che distrae e la casa dal lato destro, mantenendo le dita e la luce stradale più vicina.
Ovviamente avevo bisogno di rimuovere quel brutto cavo che mi passava per la testa (che probabilmente ti ha distratto per questo articolo), che per lo più ho fatto con il pennello per la cura degli spot, ma ho dovuto usare il clone timbrare intorno alla mia testa e sui rami degli alberi.
Qualsiasi distrazione che tu abbia, come pali, fili, antenne, alberi, qualunque cosa, dovrebbe essere spietatamente rimosso ovunque possibile. Siamo così lontani dal fotogiornalismo con questa tecnica come è possibile, quindi non preoccuparti di manipolare l'ambiente in alcun modo.
Filo? Quale filo? Ho anche aggiunto un po 'più di schivata e bruciore, aumentando leggermente il contrasto della strada e aggiungendo un po' di luce sul segnale stradale. L'immagine in qualche modo mi è sembrata quasi editoriale-commerciale a questo punto, una specie di ritrattistica ambientale, e il segno sembrava informazione editoriale. Mentre realisticamente privo di significato, esteticamente aggiunge un certo interesse senza travolgere l'argomento principale. Ho illuminato anche la mia faccia, così non mi sono perso nel bagliore delle luci, che ho anche potenziato per l'estetica.
La fine. Per concludere qui, ricapitoliamo quello che ho coperto oggi. In primo luogo, ho spiegato la mia configurazione di illuminazione in termini di articolo precedente, e ha avuto più senso non appena hai visto lo sfondo in cui è stato lasciato cadere. Poi abbiamo visto quanto è semplice e veloce la digitazione in Photoshop quando l'illuminazione è solida e segue le regole.
Sono quindi andato passo dopo passo attraverso il compositing, notando dove potresti divergere dal mio particolare flusso di lavoro in questa istanza. Dalla prima incisione, attraverso la regolazione dell'illuminazione, il bilanciamento del colore e del tono, la ricomposizione quando necessario, i ritocchi finali che dovresti avere con il lavoro regolare.
Come puoi vedere, lo scatto in composito non è poi così difficile se hai un buon occhio per i dettagli e sai come illuminare, il che dovrebbe essere abbastanza facile per la maggior parte dei fotografi.
Spero che questo abbia aiutato a chiarire qualsiasi dubbio o confusione sul compositing, e incoraggiarti a uscire tutti e provarlo. Come sempre, domande? Commenti? Colpisci i commenti qui sotto!
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