Guy TaI I miei paesaggi sono intimamente familiari

L'etichetta "fotografo paesaggista" è facilmente ciò che la maggior parte delle persone usa di fronte alle fotografie di Guy Tal. Ma l'autore non è un "fotografo di paesaggi", più qualcuno che fotografa, scrive e respira i luoghi con cui ha più familiarità.

Ho conosciuto il lavoro di Guy Tal per un po 'di tempo, ma non ho mai scambiato parole con lui fino ad ora. Il suo lavoro sul colore è qualcosa che ammiro, non solo per la grandiosità dello scenario, ma anche per la tranquillità che esala da ogni rettangolo. Sembra di aprire una finestra verso altri spazi, non solo per fissare "un grande scatto", ma anche perché si percepisce che nell'immagine c'è più significato rispetto a linee e composizione. C'è emozione.

Recentemente, mi sono imbattuto in un lavoro in bianco e nero di Guy Tal ed ero eccitato e perplesso. Il colore e il bianco e nero sono in qualche modo, dal mio punto di vista, diverse discipline, quindi ho sentito di avere una buona ragione per andare a un'intervista che sarebbe stata significativa e non solo avrebbe risposto alle mie domande. ma anche, mi aspetto, quelli che vorrebbe anche chiedere a Guy Tal.

QChi è Guy Tal e cosa fa?

Nel senso più ampio del termine, sono un artista e uno scrittore a tempo pieno, anche se tali etichette spesso non sono in grado di offrire un vero senso di ciò che faccio (ho il sospetto di non essere solo in quello tra gli artisti). Ho trascorso più di quattro decenni in vari contesti.

Sono stato un soldato, un insegnante universitario, un consulente tecnologico e manager e molte altre cose. Alla fine ho trovato la mia vocazione in una remota regione degli Stati Uniti occidentali conosciuta come l'Altopiano del Colorado - un vasto, bellissimo e scarsamente popolato paesaggio di deserti, canyon, montagne e foreste che ho imparato a conoscere intimamente e che ispirano il mio lavoro.

QHow hai iniziato con la fotografia?

Come la maggior parte delle persone, per prima cosa ho preso una macchina fotografica per documentare eventi e persone nella mia vita. Da adolescente, mi piaceva esplorare i campi e i frutteti intorno a casa mia. Un giorno, per ragioni che non riesco nemmeno a ricordare, presi in prestito la vecchia Minolta di mio padre e andai a fare una passeggiata.

Ho finito per passare ore a fotografare di tutto, dagli insetti e dai fiori agli alberi e alle nuvole. Era rinvigorente ed eccitante. La mia eccitazione si è presto affievolita quando ho riavuto il mio film e ho scoperto che nessuna immagine su di essa era correttamente esposta o focalizzata, ma l'esperienza è stata così profonda che ho deciso di migliorare e la fotocamera è diventata un compagno in quasi tutte le mie esplorazioni da.

Q Correggimi se sbaglio: tu vivi della tua fotografia. Senti la stessa passione che avevi quando hai iniziato, o è più una professione da 9 a 5 ora?

Per essere precisi, vivo non solo dalla fotografia, ma anche dall'insegnare, scrivere e parlare di argomenti creativi. Se mai, la mia passione aumenta solo nel tempo. Se dovesse mai sembrare una professione da 9 a 5, sicuramente perderei interesse molto rapidamente. Ci sono lavori molto migliori della fotografia creativa, ma non molte vite migliori.

Forse vale la pena notare che non divido in compartimenti quello che faccio. Non esiste un "fotografo Guy" distinto da "scrittore Guy" o "fuori dal lavoro Guy". Esiste un solo Guy. La fotografia è solo un mezzo per condividere me stesso con il mondo, ma non lo separo da quello che sono, o da qualsiasi altra cosa che faccio.Sono una persona molto tranquilla che preferisce lavorare in solitudine e si sforza di creare un lavoro che trasmetta intimità e introspezione.

QHai affermato che titoli come fotografo naturalista o fotografo o artista di paesaggi non descrivono veramente ciò che fai. E aggiungi che conosci natura, viaggi, avventure e fotografi di paesaggi, scrittori e autori, e quello che fanno non è quello che fai. Allora, cosa sei?

Penso che l'utilizzo di una classificazione così semplicistica sia spesso dannoso per un artista e per ciò che cercano di trasmettere nel loro lavoro. Quando guardi la Notte stellata di van Gogh, ad esempio, non ti riferisci ad essa in termini di "un dipinto ad olio di un artista post-impressionista olandese" (a meno che tu non abbia passato troppo tempo all'Academy, cioè).

Piuttosto, la conoscenza della biografia di van Gogh e le motivazioni dietro le sue scelte di stile, colore, soggetto e alimentazione dei media in una impressione molto più profonda. Le categorie aiutano a dividere le cose per caratteristiche oggettive; ma l'arte, in definitiva, è forse la forma di espressione più soggettiva. Più conosci l'artista, la loro ispirazione, il loro background, la loro filosofia e convinzioni e la progenie di un lavoro specifico, più ricca sarà la tua esperienza.

Allora, cosa sono io? Io sono qualcuno che cerca di condurre un'esistenza significativa, e per me questo significa comunicare con il selvaggio, usandolo spesso come metafore per interpretare la mia esistenza e stabilire la mia visione del mondo. Cerco di essere ispirato e di condividere la mia ispirazione.

Cerco la felicità, non in senso superficiale, ma in termini di soddisfazione profonda e duratura e soddisfazione per la mia vita, e trovo che aiutare gli altri a trovare lo stesso eleva la mia esperienza. A tal fine, cerco esperienze significative in tutto - in quello che faccio, nel posto che ho scelto per la mia casa, nel modo in cui mi relaziono con le altre persone, e nelle cose che trovo belle. Non sono sicuro che ci sia un termine semplice che possa descriverlo correttamente.

QIl sud-ovest americano, dove si fotografa, sembra essere un posto unico in termini di opportunità paesaggistiche. Pensi che saresti un fotografo diverso se vivessi da qualche altra parte?

Sì, molto. Questa è un'area in cui mi differenzia dalla maggior parte dei fotografi paesaggisti. Non passo molto tempo a perseguire le cose solo per la loro bellezza visiva. Voglio ritrarre la mia relazione con il paesaggio che fotografo, e il mio rapporto con i luoghi della mia casa è molto più ricco e complesso di qualsiasi altro io possa avere con un paesaggio con il quale non sono intimamente familiare, non importa quanto sia visivamente accattivante.

Detto in altro modo, ho molto altro da "dire" e molte altre storie su luoghi che sono personalmente significativi per me, dove trascorro i miei giorni e le mie notti - luoghi che sono stati l'ambientazione per alcuni degli eventi più memorabili e importanti del mio la vita e con la quale sono intimamente familiare, di quanto vorrei su una montagna o fiume o spiaggia casuale dove sono solo un visitatore occasionale.

Non desidero semplicemente documentare l'aspetto esteriore di un luogo. Voglio offrire un'interpretazione di questo, e per farlo ho bisogno di un certo livello di familiarità e di rapport con esso per un periodo di tempo significativo.

D: E 'il paesaggio in cui vivi che ti ha reso un fotografo o è una visione interiore che ci aiuta a fotografare altri luoghi con la stessa bellezza che troviamo nelle tue fotografie? In altre parole, dobbiamo prima trovare la bellezza dentro di noi per poter vedere, con una nuova prospettiva, ciò che ci circonda?

Questa è una domanda difficile a cui rispondere in senso generale. Più interagisco con altri artisti, più riconosco che ognuno di noi trova il proprio percorso verso il nostro lavoro. Parlando per me stesso, ho bisogno di essere in un certo stato mentale e di essere ispirato da qualcosa per produrre una buona immagine secondo i miei standard. Prima di diventare un artista a tempo pieno, vivevo in una città e usavo creare immagini ogni volta che potevo allontanarmi dal lavoro.

All'epoca credevo che l'unica differenza tra ciò che stavo facendo e qualcuno che lo faceva professionalmente fosse la quantità di tempo che dovevo dedicare ad esso. Mi sbagliavo. Essere in grado di immergermi nell'esperienza senza distrazioni e vivere letteralmente con i miei soggetti è un'esperienza molto diversa, e le mie immagini oggi non sono le stesse di quelle che ho creato allora. Possono ritrarre soggetti simili, ma non hanno lo stesso significato.

In questi giorni non esco esplicitamente alla ricerca di cose da fotografare. Invece, esco cercando di essere ispirato e confido che le immagini verranno da me come parte dell'esperienza. Un'immagine trofeo fatta in un viaggio precipitoso in un luogo iconico semplicemente non mi commuove nello stesso modo in cui mi si rivela mentre sto camminando in posti anonimi, ascoltando, guardando e annusando, prendendo il mio tempo, muovendomi proprio ritmo, pensando alla vita e godendosi l'esperienza.

Il paesaggio e la visione non sono concetti separati. Il paesaggio informa, ispira ed evolve la visione, e la visione mi fa apprezzare sempre di più sull'esperienza di essere nel paesaggio.

QIi insegni ai workshop. Questi sentimenti interiori possono essere insegnati alle persone o finiscono tutti negli aspetti tecnici della fotografia? Cosa insegni se non ti consideri un fotografo?

Traccio una linea tra "insegnato" e "ispirato". Le abilità possono essere insegnate, ma i sentimenti possono essere solo ispirati. Posso descrivere le mie esperienze e il motivo per cui sono significative per me, e spero che i miei studenti siano ispirati a cercare il proprio. Riconosco anche che persone diverse possono trovare la loro ispirazione in luoghi, soggetti e modi diversi. Li incoraggio a non imitare semplicemente il lavoro degli altri, ma a mettere in atto i loro strumenti per esprimersi.

Non ho detto di non essere un fotografo, ma, piuttosto, riferirmi a me semplicemente come fotografo manca gli aspetti più importanti di chi sono e cosa faccio. La fotografia è semplicemente un insieme di strumenti e processi e, grazie all'utilizzo di strumenti fotografici, lo sono anche un fotografo e insegno tecniche fotografiche. Nei miei seminari, però, trascorro anche una discreta quantità di tempo discutendo temi creativi, elementi di visual design (composizione, colore, percezione, ecc.).

Le persone rispondono in modi diversi, il che è normale. Coloro che vengono al seminario semplicemente per tornare con le immagini dei trofei perseguiranno questi argomenti, ma mi preme sottolineare che questi non sono l'obiettivo principale del workshop.

Cerco di creare un'atmosfera in cui i partecipanti non si sentano pressati a competere con i loro coetanei e possano passare il loro tempo a praticare le abilità apprese. Non premo mai nessuno per una "migliore immagine". Invece, chiedo loro di condividere il loro lavoro e spiegare le motivazioni dietro di esso. Tutte le interpretazioni sono valide.

QSi sei principalmente conosciuto per il tuo lavoro a colori, ma usi il bianco e nero nel tuo nuovo eBook, Creative B & W Processing. Quanto è difficile passare da tutto il colore che si usa a una tavolozza più ristretta?

Penso che la separazione sia più di percezione rispetto a qualsiasi caratteristica oggettiva, come la tavolozza o il processo. È un modo diverso di vivere un soggetto o, al contrario, un modo diverso di esprimere significati diversi.

Ho sperimentato una progressione molto distinta nel mio approccio al lavoro in bianco e nero. In passato, mi sono ritrovato a vedere solo ciò che stavo cercando. Se ero fuori a fare immagini in bianco e nero, è tutto quello che ho visto, e se ero fuori a cercare immagini a colori, è tutto ciò che ho catturato.

Mi resi conto che una separazione così rigorosa era in definitiva un riflesso dei miei limiti. Il mio cervello ha dovuto pensare in termini di un mezzo o dell'altro, dal momento che stavo pensando in termini di immagini ed estetica, piuttosto che interpretazioni.

Con più pratica e abilità, sono diventato meno interessato alle immagini e più consapevole di ciò che volevo dire su un determinato argomento. La scelta del mezzo è diventato un sottoprodotto di ciò che volevo dire su un determinato argomento. Mi piace pensarlo in termini di alfabetizzazione visiva. Con la pratica, acquisisci un vocabolario più ampio e i tuoi poteri espressivi sono estesi.

Se sei altrettanto fluente nel linguaggio dei colori come nella lingua in bianco e nero, non devi necessariamente pensare nell'uno o nell'altro, puoi semplicemente raggiungere quello che meglio si presta a ciò che desideri esprimere. Lo stesso vale per la lingua parlata. Persone fluenti in più lingue sanno che alcune nozioni sono meglio espresse, o esistono solo, in alcune lingue e non in altre.

Hai affermato in precedenza nella tua carriera che "le fotografie hanno una connessione vincolante con eventi reali, elementi reali, luce reale e momenti reali nel tempo. Qualsiasi ovvio distacco da queste realtà causerà l'annullamento di un'immagine" e aggiungerai a ciò "Il mio obiettivo è quello di produrre immagini che ispirino senza avventurarsi al di fuori del regno del credibile." Ancora tu fai la fotografia in bianco e nero, che è, in qualche modo, un allontanamento dalla realtà come la vediamo noi. Puoi spiegare come funziona?

Come ho accennato in uno dei miei eBook, penso che la fotografia in bianco e nero sia uno degli incidenti più fortuiti nella storia delle arti visive. Fin dalla sua nascita e per molti decenni dopo, tutte le fotografie sono state monocromatiche e la maggior parte degli spettatori sono condizionate e non la considerano intuitivamente una partenza dalla realtà.

Ogni giorno, le principali agenzie di stampa accompagnano i loro rapporti giornalistici reali con immagini in bianco e nero senza contraccolpi. Sospetto che se la fotografia a colori venisse prima, non sarebbe il caso.

Detto questo, nella creazione di immagini artistiche, il bianco e nero offre strumenti e mezzi di espressione non possibili con il colore proprio perché è un allontanamento dalla realtà, che non è intuitivamente percepito come tale.

In un'immagine in bianco e nero è possibile ritrarre un determinato soggetto in quasi tutte le sfumature senza offendere la sensibilità degli spettatori. Ciò non sarebbe stato possibile se non fossimo così condizionati per così tanti anni ad accettare immagini in bianco e nero come rappresentazioni visive valide. Per pura coincidenza, la storia serve a liberare gli artisti fotografici in bianco e nero dai vincoli letterali che altrimenti vincolano la fotografia a colori.

D Quali sono i tuoi obiettivi con la fotografia in bianco e nero e come si adatta in un mondo in cui le persone ti conosceranno di più per il tuo lavoro a colori?

Esito a pronosticare su come le persone mi conosceranno in futuro. Per me, il bianco e nero è parte del mio vocabolario visivo come il colore, e lo uso dove lo ritengo appropriato. Se avessi una voce in capitolo, spero di essere ricordato come artista, scrittore e insegnante, piuttosto che i ristretti vincoli del colore o del bianco e nero.

I miei obiettivi non differiscono in base al mezzo che utilizzo. La fotografia e la scrittura sono gli strumenti che possiedo. Cerco di porre molta più enfasi sulle cose che voglio esprimere nel mio lavoro, piuttosto che sulla meccanica degli strumenti utilizzati per esprimerle.

Sono tutti mezzi per un fine; nessuno è più o meno valido degli altri e non più o meno valido di altri mezzi artistici come la pittura, la musica o la scultura. Ognuno di loro ha i suoi punti di forza e di debolezza, ma non sono così importanti come l'impressione che alla fine fanno con il loro pubblico.

Q Come funziona un fotografo in queste due diverse realtà?

Mi rimanderò alla saggezza di Hermann Hesse: "Non c'è realtà tranne quella contenuta in noi. Questo è il motivo per cui così tante persone vivono una vita così irreale. Prendono le immagini al di fuori di esse per la realtà e non consentono mai al mondo interiore di affermarsi ".

C'è solo una realtà in cui lavoro all'interno, e questa è la mia visione del mondo. Può essere espresso in modi diversi e in diversi media, ma è sempre la stessa realtà.

QCome e quando decidi che una fotografia deve essere scattata in bianco e nero oa colori? Alla fase di assunzione o in seguito? Come funziona visualizzare le possibilità? Puoi spiegare il processo?

Molto è stato detto sul ruolo dei vincoli nell'arte. Per quanto lodiamo la libertà artistica, i vincoli sono fondamentali per focalizzare il lavoro in modo che sia più efficace nel raggiungere il suo effetto desiderato. E, alla fine, nessuno di noi può essere un maestro di tutte le arti, lingue e stili.

Finiamo per scegliere quei vincoli che meglio si adattano a ciò che desideriamo esprimere. Per alcuni, i vincoli sono ristretti come la fotografia a tutto colore o la fotografia tutto in bianco e nero, o haiku o pentametro giambico. Per altri, possono essere ampliati a cose come la fotografia, la poesia o la pittura.

Altri ancora sono in grado di padroneggiare diverse discipline e produrre un lavoro significativo in tutti loro (fu Leonardo da Vinci un pittore? Uno scienziato? Un ingegnere? Un musicista? Tutto quanto sopra?). Questo in nessun modo riflette sul valore del lavoro, ma semplicemente sulla sensibilità personale dell'artista.

Per chi vede più o meno; alcune persone possono produrre ricche opere di lavoro con il solo colore, o semplicemente monocromatico, mentre altri non possono fare un'immagine significativa, indipendentemente da quanti media lavorino. La distinzione non risiede negli strumenti ma nella mente, abilità, immaginazione e creatività dell'artista che li usa.

Nel mio lavoro di oggi, la decisione non viene presa in modo esplicito, ma implicitamente. Al di là della semplice meccanica dell'uso di una fotocamera, l'abilità più importante che un artista fotografico può possedere è la capacità di visualizzare in modo efficace. Cioè, per immaginare tutti i possibili modi in cui esprimere un concetto e scegliere quello che si adatta meglio.

Molto spesso, questo significa che istintivamente saprò se un concetto è meglio ritratto a colori o in bianco e nero prima di toccare la fotocamera. Ma questa non è una regola dura e veloce. La natura della creatività è tale che le epifanie possono accadere in qualsiasi momento in cui sono impegnato nel mio lavoro. A volte mi rendo conto del fatto che la mia visualizzazione originale potrebbe non essere la più efficace e potrei scegliere di prendere l'immagine in una direzione diversa durante l'elaborazione.

Il processo creativo non è lineare, se non nei suoi aspetti meccanici. Quando si tratta di esprimere un concetto, nuove idee possono guidare il lavoro in modi diversi. È importante non rimanere bloccati in un solo risultato possibile. Fare così soffoca la creatività, che è il motore che rende possibile l'arte.

QÈ possibile condividere alcuni suggerimenti per le persone interessate alla fotografia di paesaggio? Il più ovvio e anche quelli che possono venire dal cuore, se pensi che sia qualcosa da condividere con le persone? C'è un percorso per andare oltre i semplici suggerimenti tecnici?

La risposta è nella domanda. La tecnica è importante, ma senza emozioni, immaginazione, esperienza e creatività, nella migliore delle ipotesi puoi sperare in immagini ben fatte. Sforzati, invece, di realizzare immagini significative. Questi possono solo venire dall'introspezione.

La domanda più importante che qualcuno può porre su un'immagine non è come è stata creata, ma perché, e perché non è contenuta nell'argomento o negli strumenti. Deve venire dalla persona dietro la telecamera. Piuttosto che cercare un'estetica semplice, cerca di esprimere qualcosa del tuo stesso modo di fare - i tuoi pensieri e sentimenti riguardo le cose che fotografi, o su qualsiasi altra cosa che possa venire attraverso l'immagine.

Il consiglio più semplice e più efficace si riflette nelle parole di Mark Twain: il dizionario è l'unico posto in cui il successo viene prima del lavoro. Sperimenta, lavora, pratica, trascorri quanto più tempo possibile con le tue materie, studia, studia, leggi, prendi lezioni e preparati a fallire ancora e ancora prima di riuscire.

Non ci sono scorciatoie. C'è una ricchezza di conoscenze là fuori per aiutarti a costruire le tue fondamenta, ma sforzarti sempre di esprimere qualcosa di te nel tuo lavoro. Ricorda che c'è una differenza tra una grande immagine e un'immagine di qualcosa di grande.

QHai pubblicato eBook, la serie Creative, che copre diversi aspetti della fotografia. Ora hai pubblicato un libro stampato, Esposizioni, viste da entrambi i lati della fotocamera. Come pensi che il mercato editoriale sia al momento in termini di autori e intendi continuare a creare nuovi eBook nella serie Creative e anche in stampa?

Penso che il mercato editoriale stia vivendo una rivoluzione: una democratizzazione, in cui i grandi interessi economici non dettano più ciò che vede la luce del giorno e ciò che non lo è. Con gli eBook, chiunque può essere un autore e raggiungere qualsiasi pubblico.

Ciò ha profonde implicazioni finanziarie e creative per chiunque desideri condividere il proprio lavoro scritto. Penso che sia un vantaggio assoluto sia per gli autori che per i lettori, ma non dovrebbe essere dato per scontato. Impone inoltre una maggiore responsabilità sui lettori in termini di ricerca, filtraggio e consumo di contenuti scritti.

Intendo offrire più titoli nella serie Creative (molto probabilmente trattando i temi della composizione visiva e delle tecniche sul campo). Ho anche in programma di offrire un diverso tipo di eBook esplorando, oserei dire, più aspetti filosofici di avvicinamento all'arte visiva e le ricompense di incorporarlo nella propria vita.