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Esistono due tipi di flussi di lavoro nella post-produzione fotografica: uno veloce e sporco, per le immagini con una scadenza e uno per produrre la migliore immagine possibile, per quando la qualità conta. Gli strumenti e i processi sono più o meno gli stessi, ma il modo in cui prendi le decisioni e il momento in cui devi renderli sono diversi, in alcuni casi radicalmente.
In questo tutorial imparerai il miglior approccio all'immagine possibile. Mentre molti fotografi devono conoscere entrambi i flussi di lavoro, consiglio a tutti di iniziare a imparare la post-produzione con il metodo migliore possibile. Cercare di ottenere le migliori immagini possibili è un modo più gratificante e gratificante per imparare la post-elaborazione, ed è applicabile a un'ampia varietà di stili di ripresa.
Il migliore è il metodo che uso più spesso. È il metodo che i miei insegnanti mi hanno dato, e ora lo trasmetto a te stesso per crearne uno tuo.
Ci sono cinque fasi di questo flusso di lavoro:
Per prima cosa, avrai bisogno di un'applicazione per tenere appunti o appunti per tenere traccia del tuo lavoro. Preferisco usare un notebook in modo da non dover passare da una applicazione all'altra a un'app per appunti. Anche alcuni fogli sfusi in un raccoglitore funzionano bene.
Dopodiché, la pipeline di imaging spetta a te. Questo approccio è indipendente dalla piattaforma: funziona allo stesso modo a prescindere dalla gestione dell'immagine, dall'elaborazione e dai programmi di editing raster che preferisci. Di solito uso Adobe Lightroom e Photoshop in questi giorni, ed è quello che insegno qui.
Nota: se stai sviluppando un corpo di lavoro (una serie di immagini che vanno insieme), dovresti prendere tutto uno stadio alla volta: sposta tutte le immagini sullo stesso livello prima di procedere. Ciò manterrà il tuo lavoro efficiente, e ti salverà dal compito da incubo di cercare di abbinare un'immagine intatta con una completata.
Inoltre, se sei un fotografo di alto volume o di lavoro rapido, ad esempio un fotografo di notizie, penso che ci siano molte buone informazioni per te in questo tutorial. Tuttavia, ti suggerisco di dare un'occhiata ai nostri corsi sulla fotografia di notizie e ai flussi di lavoro veloci di Lightroom per approfondimenti specifici per le tue esigenze.
La preparazione dei file è il lavoro meccanico su un file immagine per consentire la massima gamma di controllo creativo. Questa fase include numerosi sotto-passaggi, ed è facile perdersi nel tecnico. Tienilo a mente: lo scopo della preparazione dei file è quello di impostare te stesso con buoni file che ti consentano di allontanarti dai valori predefiniti e di darti l'opportunità di sviluppare ed esprimere uno stile fotografico personale.
Con la migliore preparazione possibile dei file, l'obiettivo è quello di creare file di immagini non troppo importanti: file di qualità di archiviazione altamente leggibili, flessibili e pronti per la regolazione creativa in Photoshop. Lightroom e Camera Raw sono grandi editor di immagini parametriche e Lightroom ha assorbito molte delle funzioni di Photoshop (spesso sufficienti per un flusso di lavoro veloce e sporco), ma Photoshop ha ancora il controllo maggiore, ed è qui che si fa il più critico parti pratiche e dettagliate del processo di post-produzione.
Definiamo i passaggi chiave. Ecco le parti principali della preparazione dei file non elaborati (collegamenti contrassegnati per Lightroom) in ordine di operazione:
Un altro trucco utile e potente per la preparazione dei file da notare: Lightroom ti consente di creare un Copia virtuale (Controllo+') dei tuoi file. Queste copie non aggiungono nuovi file, sono solo interpretazioni alternative delle tue immagini non elaborate. Le copie virtuali sono un ottimo modo per provare diversi modi di elaborare un'immagine per vedere ciò che preferisci. Puoi farne quanti ne vuoi.
La pre-visualizzazione è la valutazione di un'immagine per decidere cosa fare con esso per farlo apparire in un certo modo. Essere in grado di immaginare il potenziale innato di un'immagine e sapere cosa sembra bello è ciò che distingue veramente una stampante master. È una sfida che dura tutta la vita e un processo di apprendimento permanente.
Con la pratica, la fase di pre-visualizzazione può richiedere solo un paio di minuti per immagine. Salta la pre-visualizzazione e non c'è limite alla quantità di tempo che puoi sprecare per portare la tua post-produzione nella direzione sbagliata. Il tempo che dedichi alla pre-visualizzazione dipende da quanto tempo hai e dall'importanza dell'immagine. A mio avviso, ogni minuto speso in pre-visualizzazione di solito vale la pena.
Fare una descrizione concettuale e verbale della tua foto ti consente di capire e comunicare le idee e le emozioni contenute nell'immagine. Ti permette di controllare un'immagine per decostruzione, e quindi di ricostruire.
Leggi e descrivi l'immagine pensando al tuo pubblico. Spiega l'immagine come se la spiegassi a un bambino di cinque anni, iniziando dal contenuto e dagli elementi concreti dell'immagine. Quindi descrivi gli elementi astratti: umore, sentimenti, relazioni psicologiche di persone e oggetti nella fotografia.
Concludere con ciò che rende l'immagine interessante. Di solito c'è qualcosa che rende l'immagine unica, anche se non è intenzionale (queste cose non volute sono talvolta le più meravigliose). Identificare questo aspetto dell'immagine ti consente di enfatizzarlo dall'inizio.
Se vuoi veramente diventare bravo con questa abilità, esercitati a descrivere le tue foto a qualcuno che non le vede.
Sulla base di ciò che l'immagine è, decidi il tuo pubblico. Ad esempio, questa foto verrà utilizzata da un individuo, un giornale, una rivista o una galleria? Considera il contesto dell'immagine. Cosa verrà mostrato accanto a questa immagine?
In base a quanto sopra, identifica ciò che desideri enfatizzare e de-enfatizzare per creare un'immagine migliore. C'è qualcosa in merito a luminosità, contrasto, saturazione e nitidezza che richiede correzioni e regolazioni speciali?
Come regolerai l'immagine? Crea un piano, dal meno importante al più importante. Inizierai con le modifiche grandi e pesanti a tutta l'immagine e ti aprirai verso le sottili modifiche in aree importanti.
Pianifica anche nelle tue pause. È improduttivo lavorare in post-produzione per più di 20 o 30 minuti alla volta. Il tuo occhio è un muscolo: si affatica. E non fare una pausa solo per andare a guardare un altro schermo! Fai una vera pausa e non imbrogliare, solo imbrogli le tue foto.
Vetro viola Teodora_Djordjevic / PhotoDuneCostruire è il processo di controllo e regolazione di precisione: enfatizzare, de-enfatizzare e bilanciare un'immagine. Se hai svolto un buon lavoro nelle parti precedenti del processo, questa fase può essere molto espressiva e gratificante.
Ora che le tue immagini sono state preparate e hai un chiaro piano di azione, è finalmente giunto il momento di inviarle Photoshop (Controllo-E) per farli davvero cantare. Hai due strumenti principali da usare: i livelli e la fusione.
I livelli ti consentono di creare l'immagine finale senza alterare i pixel originali e costituiscono il fondamento di un flusso di lavoro di Photoshop non distruttivo. Esistono diversi tipi importanti di livelli e strumenti di livello:
Livelli di regolazione sono, francamente, sorprendente. Con la combinazione di soli due livelli di regolazione-curve e Tonalità / Saturazione-puoi cambiare qualsiasi cosa e tutto ciò che riguarda l'aspetto di un'immagine. Ci sono anche molti altri utili livelli di regolazione.
curve merita una menzione in più Le curve possono modificare gamme specifiche di tonalità nell'immagine, il che è estremamente utile. Avendo fatto la maggior parte dei cambiamenti globali in Lightroom, le curve in Photoshop sono le migliori per applicare regolazioni selettive a particolari aree usando le maschere di livello (vedi sotto). I cambiamenti di colore possono anche essere fatti con le curve, lavorando sui singoli canali di colore. Considerare sempre la luminosità e il contrasto insieme quando si usano le curve.
I livelli bitmap, come l'immagine, sono basati su pixel e di dimensioni fisse. Livelli vettoriali, tuttavia, sono indipendenti dalla risoluzione: esprimono una relazione definita matematicamente tra punti. Essendo basato sulla matematica ha creato alcune possibilità molto potenti, tra cui strumenti utili come tracciati di ritaglio, maschere e testo overlys.
Gruppi di livelli ti permettono di combinare e agire su un insieme di livelli come un'unità. Sono anche utili per mantenere il tuo lavoro organizzato, come una cartella.
Maschere di livello controlla in modo selettivo quali parti di un livello hanno effetto. Il bianco rivela, il nero nasconde e anche i grigi funzionano. Sia il Spazzola (B) e i filtri funzionano sulle maschere di livello.
Modalità di fusione controlla come ogni strato si fonde con gli strati sottostanti. L'impostazione predefinita è Normale, o pieno effetto per i livelli di regolazione e opacità completa per i livelli raster (basati su pixel). Esistono quattro categorie di blending-lightening, scurimento, modifica del contrasto ed esclusione, ognuna con diverse modalità.
Le modalità di fusione modificano la tonalità interpolando i valori nell'immagine. Possono essere pesanti, ma mantengono anche le relazioni tonali nell'immagine dell'utente in modo diverso dagli altri metodi. I metodi di fusione sono un modo efficace per compensare le modifiche indesiderate introdotte da altri livelli di regolazione.
Il modo migliore e più semplice per iniziare con la miscelazione è quello di adattarsi semplicemente Opacità. Qualsiasi livello può essere ritirato da 100% per ridurne l'opacità Questo è un ottimo modo per mettere a punto gli effetti. Infatti, durante la mia prima applicazione di un livello di regolazione di solito vado più lontano di quanto penso possa aver bisogno l'immagine, sapendo che posso ricomporre l'effetto poco per rendere tutto perfetto.
Pre-stampa sta ottenendo un file pronto per l'output. La parte creativa del processo lascia il posto al ricampionamento tecnico e al ridimensionamento, alla nitidezza locale, all'aggiunta di grana e all'esecuzione di qualsiasi tocco finale necessario per far funzionare l'immagine con il formato di output finale.
Per la stampa, questi ultimi ritocchi sono solitamente regolazioni del contrasto e della nitidezza per adattarsi alle qualità della carta e alla tecnologia di stampa che userete. Per il web, di solito significa ottimizzazione e compressione di un file grande fino a uno piccolo.
Questo stadio è incentrato sull'attenzione ai dettagli e sulla verifica del tuo lavoro. La pre-stampa è una parte abbastanza rapida del processo di post-produzione generale, ma è importante rimediare, poiché ha probabilmente un impatto sulla qualità dell'immagine di qualsiasi altra parte delle cose.
Frattale. shottythefirst / PhotoDuneLa stampa è la creazione dell'immagine fotografica finale. Per scopi pratici, possiamo includere il salvataggio di immagini per il web come una sorta di "stampa".
Come fase finale della post-produzione, la stampa è per molti versi un intero processo a sé stante. Esistono numerosi modi per stampare, ciascuno con qualità e inconvenienti, troppi da elencare qui. Tuttavia, indipendentemente dal supporto, la stampa ha gli stessi passaggi generali:
E questo è il immagine migliore possibile metodo di post-produzione, dall'inizio alla fine: preparazione file, pre-visualizzazione, creazione, pre-stampa, output. Penso che questo sia un modo olistico di pensare alla post-produzione, con spazio per i principianti e gli esperti allo stesso modo di organizzare il proprio lavoro e sviluppare le proprie competenze.
Datti il tempo per abituarti a lavorare con un pattern impostato. Stampa i passaggi e attaccali al muro, in modo da non dimenticare. Se segui questo metodo, nel tempo le competenze e il flusso di lavoro diventano una seconda natura. Ecco quando avviene la vera magia creativa e stilistica.
Come ho detto sopra, la post-produzione è una sfida per l'apprendimento permanente. Spero che ti piaccia tanto quanto me!
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