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Piet Van den Eynde è un fotografo freelance belga, autore, specialista di Lightroom e amante in bianco e nero. Mi sono preso con lui per un'intervista sul suo lavoro e le sue passioni.
Girato a Delhi, con X-Pro 1 e 35mm 1.4 wide open. Mi sono convertito in bianco e nero perché i colori erano troppo distratti. Piet Van den Eynde ha pubblicato il suo nuovo eBook su Lightroom 5 recentemente pubblicato da Craft & Vision. Un istruttore certificato Adobe nella fotografia digitale e nella post-elaborazione con Adobe Lightroom e Adobe Photoshop, potrebbe essere all'avanguardia nella tecnologia digitale, ma utilizza ancora filtri tradizionali nelle sue fotocamere.
In questa lunga intervista copriamo la sua fotografia, il workshop che sta preparando per il 2014 e anche i suoi progetti e i suoi sogni quando si tratta di fotografia.
Ero in ritardo per iniziare con la fotografia. Era agli albori delle prime fotocamere digitali e stavo cercando uno sbocco creativo per compensare quello che allora era un lavoro diurno creativamente piuttosto noioso.
Ricordo di aver acquistato una fotocamera Nikon Coolpix 950 circa 12 anni fa. Aveva un sensore da due megapixel delle dimensioni di un'unghia - l'unghia di un bambino - e in realtà non avevo idea della fotografia. Ad esempio, mi piacevano molto quei bordi negativi della vecchia scuola che a volte si vedono intorno alle stampe in bianco e nero, ma in quel momento pensavo fossero un filtro di Photoshop invece di essere il risultato del processo di stampa in camera oscura.
Mi sono piaciute molto anche le immagini di profondità di campo (anche se a quel tempo non avevo idea che fosse chiamata profondità di campo, per non parlare di come ottenerla).
Una delle cose che insegniamo durante il workshop non è quella di creare immagini individuali, ma provare a raccontare una piccola storia, con uno scatto che "stabilisce", un'immagine ravvicinata, un ritratto formale e così via. Questo è lo scatto decisivo di uno di quei piccoli saggi fotografici su un riparatore di biciclette. Ho imparato a mio modo che la mia nuova piccola fotocamera lucida con il suo sensore molto piccolo e l'apertura relativamente bassa non mi dava l'aspetto che cercavo. All'inizio ho cercato di ricreare quel look in Photoshop usando i filtri sfocatura dell'obiettivo, ma ben presto mi sono reso conto che mi mancava davvero il background e mi sono iscritto per un corso serale di cinque anni all'Academy of Fine Arts dove vivevo.
Ho comprato una reflex analogica e ho imparato le basi della fotografia in modo analogico. Così ho iniziato digitalmente, sono tornato in analogico e ora sto ancora lavorando in digitale, ma sono felice di aver avuto questo background analogico, anche se solo per un tempo relativamente breve.
Ogni volta che viaggio, mi piace impostare alcuni nuovi obiettivi. Nel più recente viaggio in Rajasthan, è stato quello di suonare più con la retroilluminazione, sia con il flash acceso che con il flash. In questo caso, ho usato la retroilluminazione per creare le ombre drammatiche che riempiono il fotogramma. Questa immagine è anche un esempio di un altro punto di insegnamento che Matt Brandon fa durante il workshop: cioè trovare un punto con luce interessante, uno sfondo interessante (o preferibilmente entrambi), sedersi e lasciare che l'immagine avvenga invece di inseguirla disperatamente. Sai, è la vecchia cosa che trasforma il tuo hobby nella tua professione. È circa cinque anni fa ora. In realtà non ho scelto così tanto me stesso, sono state più le circostanze che ho scelto per me, ma sono molto felice che si sia rivelato in questo modo. Stavo perseguendo la fotografia come hobby (un antidoto creativo necessario allo stress degli obiettivi di vendita e alla numerazione di un lavoro diurno nel settore finanziario) quando ho perso quel lavoro.
Piuttosto che cercare di trovare un lavoro simile (ne ho avuto abbastanza comunque), ho deciso di provare almeno a vivere di fotografia, post-elaborazione e aiutare le persone a ottenere il massimo dalle loro immagini. Per quest'ultimo, il mio iniziale dilettarsi con Photoshop 12 anni fa è stato utile.
Ho anche imparato come lavorare con Lightroom, ho fatto un paio di workshop sull'argomento, mi è stato chiesto da un editore di fare un libro su di esso, che ha portato a più workshop e che hanno fatto girare la palla. Nel 2010 ho incontrato David duChemin in uno dei suoi workshop e nacque l'idea che avrei scritto un libro per Craft & Vision.
Questa era un'immagine più difficile da convertire in bianco e nero, ma il bianco e nero era la strada da percorrere. Non c'è quasi alcun colore nell'immagine e il poco colore che c'è è più distratto di qualsiasi altra cosa. Inoltre, una conversione in bianco e nero bella, grintosa, contrastata e strutturata ha davvero abbinato bene l'argomento. Ho dovuto usare un sacco di schivare e bruciare per rendere questo uno prendere vita. La lunga storia di come ho post-elaborato questa immagine è nel numero più recente di Fotografia. Beh, certo, ci sono i classici come Cartier-Bresson e tutto il flusso 'Decisive Moment'. Come accennato, sono un grande fan dei ritratti di profondità di campo e mi piace anche viaggiare, specialmente in Asia, così che automaticamente mi ha portato al lavoro di Steve McCurry e, più recentemente, David duChemin e Matt Brandon.
Un altro fotografo che ammiro è James Nachtwey. C'è un documentario altamente raccomandato fatto su di lui chiamato Fotografo di guerra, in cui hanno messo una piccola videocamera sulla sua macchina fotografica in modo da vedere come si avvicina a cose e soggetti in circostanze estremamente difficili di guerra o altre calamità.
L'immagine dopo una decina di correzioni locali. Non vorrei davvero averlo fatto nei vecchi giorni della camera oscura analogica! Ma ogni giorno vedo un lavoro che mi stupisce, proprio come il lavoro di Nick Hall nell'ultimo numero di Fotografia. Mi piace il lavoro di Joe McNally e Joey L. C'è così tanta fotografia in giro, che è sia stimolante che intimidatoria.
Proprio ieri ho visto un documentario su una fotografa francese, Veronique de Viguerie, che stava facendo un reportage su "Arrow Boys" del Sud Sudan, contadini che si battono contro Joseph Koney. A metà del documentario, ho saputo che era incinta, ma continuava a fare il suo lavoro in circostanze difficili.
Più vicino a casa, mi piace il lavoro del fotografo belga Magnum Carl de Keyzer, che non smette mai di reinventarsi, e che ho avuto la fortuna di intervistare per il mio prossimo eBook di Craft & Vision che dovrebbe essere pubblicato a settembre.
Ecco un semplice consiglio per migliorare la tua fotografia: non sparare tutto dal tuo livello visivo: scala una montagna, una scala e abbatti. Quando questi non sono disponibili, basta sollevare la fotocamera. Questo cambia la tua prospettiva e in questo caso, combinato con l'obiettivo grandangolare, ha fatto alcune belle linee guida. Bene, questo è uno dei vantaggi della fotografia digitale: a meno che non si stia lavorando con una fotocamera come una Leica Monochrome, in digitale, si inizia con un file a colori. Una grande parte del bianco e nero digitale riguarda la traduzione dei colori in scala di grigi tra bianco e nero e la gestione del contrasto tra quelle traduzioni, assicurandosi che ciò che è rosso e blu nell'originale non si trasformi in due simili sfumature di grigio.
Ironia della sorte, più colore hai nell'immagine originale, più facile è ottenere un sorprendente bianco e nero senza dover ricorrere a regolazioni locali che richiedono più tempo (e più difficili). Il pannello B & N di Lightroom ti consente di controllare la conversione in bianco e nero di otto colori (e anche i colori intermedi) semplicemente trascinando i cursori corrispondenti.
Vuoi scurire un cielo? Quindi trascina i cursori Blues o Aqua a sinistra. Vuoi illuminare una faccia? Basta trascinare il cursore arancione a destra. Hai un controllo dopo il fatto che è incredibile.
Tuttavia, questo non significa che lavorare con i filtri tradizionali non è più necessario. Ad esempio, userò ancora i filtri tradizionali graduati (io uso quelli di una società britannica chiamata Hitech) se la gamma dinamica di un paesaggio supera quello che la mia macchina fotografica è in grado di registrare.
Qui, ho usato la mia tecnica preferita di flash e ombrello: la luce proviene da dietro, quindi la ragazza starebbe all'ombra. Riempii le ombre facendo scattare un bagliore attraverso il mio ombrello Lastolite Trifold. Ho tenuto tutto a mia volta. È un altro esempio di un ritratto ambientale. Adoro il fatto che ci siano anche cose in sottofondo. In effetti, ho visto solo il ragazzino che gestiva il pozzo quando avevo già fatto il tiro. Ora, oltre a Lightroom, immagino che non sia più un segreto che uno dei miei plug-in preferiti per il bianco e nero sia Silver Efex Pro. Mi piace l'incredibile qualità dei loro algoritmi combinata con la facilità d'uso della tecnologia di controllo brevettata di Nik. Ho un paio di video sul mio blog che danno una bella introduzione alla potenza di questo plug-in.
Sono un fotografo di persone, ma uno dei miei obiettivi è quello di migliorare la fotografia di paesaggio e di architettura. Per quest'ultimo, il Jantar Mantar Museum di Jaipur, un altro dei luoghi che visitiamo durante il workshop, è una delizia per i fotografi! A seconda del file, rimarrò in Lightroom o passerò a Silver Efex Pro. O combinerò entrambi: esegui il sollevamento pesante in Lightroom e quindi invia il file sopra come oggetto avanzato a Photoshop, eseguendo Silver Efex Pro come filtro intelligente.
Per gli ultimi ritocchi, farò spesso un po 'di schivata locale e masterizzazione in Photoshop se ci sono comunque. Ho persino creato un pannello personalizzato per accelerare il processo. Questo pannello è incluso gratuitamente nel pacchetto completo del mio Schiva e brucia eBook. Ho anche realizzato un video su come funziona.
In Lightroom, userò anche i preset. Mi piacciono molto i neri ei bianchi ricchi, scuri e contrastati e ho creato un paio di impostazioni predefinite che mi aiutano a dedicare più tempo agli adattamenti locali, che per me è un passo molto importante in tutte le fasi di post-elaborazione, si tratti di colore o bianco e nero.
Parte della fotografia in stile reportage sta vedendo il momento, ed è in grado di reagire rapidamente conoscendo la telecamera al suo interno. Spesso cambio le impostazioni della fotocamera prima che succeda qualcosa. Quando entrerò in un edificio, accenderò il mio ISO, anche se non sono sicuro di riuscire a scattare fotografie all'interno. Il merito di aver visto questa immagine va però a Matt Brandon. Ho solo 'rubato' il tiro da lui! Immagino sia il fatto che quando togli il colore, tutte le altre parti della tua fotografia come texture, contrasto, forma e forma diventano più importanti. Inoltre, poiché mi piace davvero post-processare, il bianco e nero offre molta più creatività perché non sei più vincolato dai limiti della precisione del colore. Naturalmente, puoi anche modificare i colori, e lo farò spesso nel mio lavoro a colori, ma in bianco e nero, puoi rendere un cielo amichevole quasi nero come il pelo e alterare completamente l'atmosfera di un'immagine.
Penso che dipenda dal tipo di fotografo che sei. Se sei un fotografo di reportage, Lightroom è probabilmente tutto ciò di cui hai bisogno. Ancora più forte, usare Photoshop costa molto tempo e denaro a te o al tuo datore di lavoro. Lo stesso vale per la maggior parte dei fotografi di matrimoni, direi. Nell'economia di oggi, semplicemente non hai il tempo di mettere ogni singola immagine attraverso Photoshop.
Dall'altra parte dello spettro, se sei un fotografo che fotografa le copertine di Vogue, le opzioni di ritocco relativamente limitate di Lightroom non saranno sufficienti per te. Ma anche allora, penso che Lightroom possa realizzare molto più di quello che molti fotografi cresciuti con Photoshop possono o sono disposti a credere.
Penso che Lightroom e Photoshop (e tra entrambi i plug-in) formino una sorta di flusso di lavoro piramidale. Lightroom alla base, eseguendo il sollevamento pesante elaborando un'immagine e quindi sincronizzando tali impostazioni con il maggior numero possibile di altre immagini. Dall'altra parte dello spettro, nella parte superiore della piramide c'è Photoshop. Lo userò per fare compiti che semplicemente non posso fare in Lightroom come il ritocco avanzato, l'aggiunta di testo, il lavoro con livelli e maschere di livello e così via.
Inoltre faccio un sacco di schivare e bruciare in Lightroom semplicemente perché è veloce ed efficiente e, di nuovo, posso usare i preset. Sono innamorata delle novità di Lightroom 5 Filtro radiale e per me, quell'unica caratteristica valeva il prezzo dell'aggiornamento. Ti permette di schivare e bruciare senza dover dipingere!
Infine, c'è anche un vantaggio in termini di dimensioni per rimanere in Lightroom il più a lungo possibile. Un file raw della mia Nikon D800 pesa circa 50 MB in Lightroom, più un paio di kilobyte nel mio catalogo Lightroom per contenere tutti i metadati. Lo stesso file, aperto come immagine a 16 bit in Photoshop, pesa 216 MB.
Ogni nuova versione di Lightroom include elementi che rendono così non hai più bisogno di Photoshop. Ad esempio, c'è il nuovo pennello di guarigione che ti permette di estrarre le linee elettriche. In Lightroom 4, a meno che tu non abbia tempo da perdere, avresti dovuto andare su Photoshop.
D'altra parte, Photoshop offre anche nuove interessanti funzionalità. Dubito che Lightroom sarà mai in grado di fare tutto ciò che il lato fotografico di Photoshop può fare. E Photoshop avrà sempre molti maestri da servire: web designer, grafici, pittori, cineasti, artisti 3D. I fotografi sono solo uno dei destinatari di Photoshop. Lightroom d'altra parte, è stato appositamente realizzato per noi.
Questa è una tecnica che uso spesso. L'ho chiamato "due luci al prezzo di uno" e si riferisce alla mia intenzione di lavorare di più con il controluce. Il controluce qui è la luce naturale del sole. Ponendo il soggetto al sole e successivamente sottoesando la luce disponibile, ottengo una bella luce sul bordo attorno alle spalle. Ciò dà separazione dallo sfondo (e quindi dalla profondità). La profondità è ulteriormente migliorata utilizzando una profondità di campo ridotta. Naturalmente, questo lascia la faccia del soggetto all'ombra. Ecco perché uso un flash per illuminare il mio soggetto. In questo caso, il flash è l'Elinchrom Ranger Quadra. Con un peso di 2,5 chilogrammi, è relativamente leggero ma racchiude la potenza di 4 normali lampeggiatori. Ho usato un filtro a densità neutra per ottenere il mio tempo di scatto alla velocità di sincronizzazione. È vero che il mio flash quasi sempre mi accompagna. Negli ultimi anni, la fotografia flash è diventata sempre più accessibile e anche più facile da apprendere grazie al feedback istantaneo dei nostri schermi LCD della fotocamera. Tuttavia, ho notato che molti fotografi hanno paura di usare il loro flash o di usarlo nel modo sbagliato, il che si traduce in immagini poco lusinghiere.
Se usato correttamente, un flash può fare la differenza. Le persone a volte mi chiedono perché mi prendo la briga di portare un lampo in paesi allagati dal sole come l'Indonesia o l'India. E la mia risposta è invariabilmente, "esattamente perché c'è troppo sole". Uso il flash per riempire le ombre causate dalla luce solare intensa o per creare la mia luce.
Stranamente, più luce disponibile c'è, più userò il flash per aumentare e piegare quella luce disponibile a dove voglio che sia in relazione al mio flash. Minore è la luce disponibile, minore è la probabilità che utilizzi il flash, perché in questo modo può uccidere rapidamente l'atmosfera. Preferirò invece alzare il mio ISO. Fortunatamente, sia la mia Fujifilm che le mie fotocamere Nikon sono davvero adatte agli alti ISO.
Questa è la stessa tecnica descritta sopra, solo qui ho usato una funzione chiamata Hypersync sui miei trigger Pocketwizard per lavorare con una velocità dell'otturatore ben oltre la normale velocità di sincronizzazione della mia fotocamera. Questa immagine è stata scattata a 1/2000 di secondo. Secondo quanto riferito, i trigger Phottix Odin riceveranno presto un aggiornamento del firmware chiamato ODS (Overdrive Sync) che dovrebbe consentire loro di fare qualcosa di simile. Come ho già detto, è perché mi piace davvero controllare la mia illuminazione. Non si tratta della quantità di luce. Nella maggior parte dei casi durante il giorno, c'è una luce più che sufficiente per fare tecnicamente un'immagine correttamente esposta.
Riguarda la qualità. La luce artificiale del flash può essere controllata e addolcita e può essere utilizzata per sostituire parzialmente o completamente la luce ambientale. L'aspetto e la qualità dei quali è molto più difficile da controllare. Non conosco una scala che mi permetta di salire fino al sole e cambiare il suo orientamento di un paio di gradi!
Questo è anche il motivo per cui, al momento, mi piace sperimentare l'utilizzo del flash sulla mia Fujifilm X100S, a causa della sua velocità di sincronizzazione veloce di 1/2000 di secondo, puoi fare molto con un singolo lampeggiatore.
Un altro di quelli "scegli solo uno sfondo interessante e lascia che la storia si svolga di fronte a te" momenti che sono davvero abbondanti in India. Beh, a parte un flash e un ombrello (il molto utile trifase Lastolite) quando sono in viaggio, sempre più lavoro con la mia Fujifilm X-Pro 1, X-E1 e X100s. Mi sono evoluto dal solo fare quei ritratti di profondità di campo a fare anche ritratti ambientali che mostrano la persona nei loro dintorni.
In un certo senso, il mio nuovo obiettivo ritratto preferito è un grandangolo. Ecco perché ho sempre il Fujifilm 14mm su una sola fotocamera e, in generale, il 35mm f / 1.4 sull'altra. Ho realizzato la maggior parte delle mie immagini di viaggio con questi due.
Per il Rajasthan Photo Workshop del prossimo anno, in cui mi unirò al professionista esperto di viaggi Matt Brandon, porterò con me anche l'X100S e, come detto, sperimenterò l'uso del flash con questa fotocamera.
Prendo anche con me un sistema flash leggermente più pesante, l'Elinchrom Ranger Quadra. Chiamami pazzo, ma invece di essere contento del risparmio di peso che queste telecamere di sistema compatte stanno fornendo rispetto alle tradizionali reflex digitali, in realtà ho scelto di investire il mio risparmio di peso in dispositivi di illuminazione extra.
Infine, in genere ho anche un paio di filtri ND variabili con me (io uso quelli di Lightcraftworkshop) e quando scatto con la mia Nikon D800 o D600, uso i trigger Phottix Odin per controllare i miei flash.
A proposito, tutte le immagini di questa intervista sono state girate durante l'edizione 2013 del workshop. L'edizione 2014, che si terrà dal 16 febbraio al 1 marzo, ha solo pochi altri posti disponibili. Ci siamo divertiti un anno fa. Basta leggere le recensioni entusiastiche sulla pagina delle informazioni del workshop e non vedo l'ora che inizi l'avventura del prossimo anno.
Come già detto, mi piace anche giocare con i colori. In effetti, la maggior parte delle mie immagini a colori subiscono una sorta di trattamento del colore, simile a quello che succede con la maggior parte dei film al giorno d'oggi. Per questa immagine, volevo trasmettere l'atmosfera mattutina, solitaria e fredda, quindi ho usato una tavolozza di colori specifica per farlo. Puoi esercitare un'enorme quantità di controllo del colore in Lightroom con i cursori in HSL pannello, il Tonalità Split pannello e i canali di colore nel curve pannello Non credo nelle scorciatoie. Tuttavia, è diventato molto più facile imparare a conoscere la fotografia, sia per quanto riguarda gli aspetti tecnici, sia per quanto riguarda la filosofia alla base, grazie a Internet. C'è un'enorme quantità di eccellente formazione disponibile se riesci a trovarla, spesso a prezzi accessibili.
Questo è quello che mi piace di Craft & Vision, cercano di mantenere il contenuto accessibile. Non è la prima volta che sento i lettori dei miei libri dire che se il libro fosse costato il doppio o anche il triplo, lo avrebbero comunque comprato e sono sicuro che lo stesso vale per altri titoli. Ma tutta la lettura e la navigazione su internet e la visione di video non sono un sostituto per uscire e fare foto.
Quindi, invece di acquistare l'obiettivo e la fotocamera più costosi, prendi un modello più economico e usa i tuoi risparmi per acquistare un biglietto aereo o prenotare una grande modella o seguire un workshop pratico con un fotografo che ammiri e fotografi, fotografi, fotografi.
Per Fare luce II, Ho intervistato quattro fotografi professionisti belgi e tutti concordano su una cosa: che il lavoro personale e la sperimentazione durante le riprese di quel lavoro personale sono stati fondamentali per crescere come fotografo professionista. Quindi, se questo vale per le persone che sono già professionalmente coinvolte nella fotografia, direi che è ancora più importante per gli aspiranti tp che.
Mi piace sperimentare con i tempi di posa. In questo caso, il Royal Enfield in questo grintoso vicolo di Pushkar ha fornito lo sfondo perfetto. Ancora una volta, tutto ciò che dovevo fare era aspettare che la gente passasse. Ho scattato circa 60 immagini, sperimentando per trovare la giusta quantità di sfocatura. Alla fine ho optato per 1/8 di secondo, che ho potuto ancora impugnare grazie alla stabilizzazione dell'immagine integrata nell'obiettivo zoom Fuji 18-55mm. Bene, voglio ancora esplorare il mondo con la mia macchina fotografica e il mio flash, e voglio farlo crescere meglio. Mi piacerebbe davvero visitare di nuovo Cuba e, oltre al workshop del Rajasthan, probabilmente insegnerò Lightroom e post-processing come laboratorio in Italia il prossimo anno.
D'altra parte, mia moglie e io stiamo aspettando il nostro primo figlio, quindi non essere sorpreso se vedi altri piccoli scatti nei miei libri nel prossimo futuro! Ma anche allora rimarranno probabilmente due cose: avrò usato un flash e le immagini saranno elaborate in Lightroom!
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