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Continuando con le nostre caratteristiche di storia dell'arte, ho raccolto alcune persone fantastiche di colore nell'arte. Molto spesso, quando si discutono artisti influenti, sono i soliti sospetti (Da Vinci, Monet, ecc.) Più e più volte. Mentre discuteremo di alcuni volti familiari, spero che questa lista arrivi ad altri artisti con cui potresti non essere familiare e apre nuove porte ai movimenti artistici e agli stili da esplorare.
Il seguente elenco, in ordine sparso, mette in risalto alcuni artisti fantastici che hanno fatto un segno indelebile nel mondo e hanno contribuito notevolmente al mondo dell'arte nel corso della storia e oggi.
Forse è il mio essere un Metro-Detroiter nativo e l'amore per la Corte Rivera al Detroit Institute of Arts che pone Rivera così in alto in questa lista. Quando ho preso in considerazione questa lista, ho immediatamente pensato alle raffigurazioni di Rivera di Detroit e al suo modo di utilizzare lo spazio nei grandi murales. Comunque, sto saltando bene davanti a me stesso.
Detroit Industry, South Wall (1932-1933)Diego Rivera (1886-1957) è stato un pittore messicano noto per i suoi murales e commenti sociali al loro interno. A 21 anni, Rivera ha studiato arte in Europa, essendo stata sponsorizzata dal governatore di Veracruz per farlo. Fu influenzato dal cubismo e da simili movimenti di arte moderna del giorno. Nel 1921, all'età di 35 anni, tornò in Messico. È in questo momento che ha iniziato a creare grandi murales. Il suo primo è stato sponsorizzato dal governo messicano e creato presso la National Preparatory School di Città del Messico, in Messico.
The Arsenal (1928)Il lavoro di Rivera è stato vibrante e influenzato sempre più dal suo paese d'origine. Ha affrontato temi sociali in Messico, come la rivoluzione del 1910, le convinzioni politiche di sinistra e la posizione anti-religiosa. Il suo lavoro è stato ampiamente illustrativo, raccontando storie all'interno di ogni spazio dei suoi affreschi in modo audace e dettagliato che spesso ha arruffato le penne nella società e rimane tuttora controverso.
Il giorno dei morti (1924)Rivera si è sposata cinque volte, due volte con Frida Kahlo, che ho profilato in un precedente articolo di storia dell'arte. I murales e i dipinti di Rivera si possono trovare in diversi paesi, alcuni dei quali includono la casa originale del pezzo, come i 27 affreschi che risiedono al Detroit Institute of Arts.
Rudolph Carl Gorman (1931-2005) è stato un pittore navajo nato a Chinle, in Arizona. Gorman è stato salutato come "il Picasso dell'arte sud-occidentale" o "il Picasso dell'arte indiana americana". Lui, come molti bambini, ha disegnato fin dalla tenera età. Fu incoraggiato a sviluppare il suo interesse per l'arte, che alla fine portò a una borsa di studio per il Mexico City College dal Consiglio Tribale Navajo.
Ritorno NavajoLa sua passione per l'influenza della sua cultura nell'arte ha portato alla mostra di una galleria solista nel 1965 presso la Manchester Gallery nel New Mexico. Grazie al suo successo, ha aperto la galleria Navajo di R.C. Gorman a Taos, nel New Mexico, dove è rimasto in studio e residenza per anni a venire.
Il lavoro di Gorman è stato influenzato da artisti come Diego Rivera e David Siqueiros. Ha spinto il suo lavoro nel regno del realismo astratto, giocando con forme astratte per creare il proprio stile. Molti dei suoi dipinti si concentrano sulle donne Navajo, i loro ruoli all'interno della Navajo Nation, e su come si relazionano con le donne di tutto il mondo.
La ChileraInizialmente Gorman ha lavorato con olio, acrilico o pastello. Con il passare del tempo, passò alle litografie (soprattutto nel fare stampe del proprio lavoro) e alla ceramica. Gorman ha avuto un incredibile successo durante la sua vita nella creazione di una grande quantità di lavoro e nella vendita di dipinti e stampe dalla sua galleria.
Kitagawa Utamaro (1753-1806) è nato in Giappone ed è ricordato come uno dei migliori ukiyo-e artisti nella storia. Il suo lavoro consiste in gran parte di ritratti di donne (bijin-ga) e studi sulla natura resi in xilografie. Ukiyo-el'arte in genere affronta i temi di belle donne, kubuki, sumo, racconti popolari, natura ed erotismo. Il genere non era considerato un'arte seria, essendo rivolto a un pubblico di persone comuni.
Takashima Ohisa usa due specchi per osservare la sua notte di coiffure dell'Asakusa Marketing FestivalLa vita di Utamaro non era ben documentata. È noto che gli è stato insegnato da Toriyama Sekein, un artista che è stato addestrato nella scuola di pittura di Kano, ma ha spostato la sua attenzione su ukiyo-e lavorare più tardi nella vita. Sotto il nome di Kitagawa Toyoaki, Utamaro illustrò letteratura popolare e attori kabuki.
Nei primi anni del 1780 cambiò il suo nome in Utamaro e alla fine lavorò esclusivamente su ritratti di donne. I suoi modelli provenivano principalmente dal distretto del piacere. È con questi pezzi che è diventato famoso per i suoi soggetti e per le stilizzazioni idealizzate della forma femminile.
Ase o fuku onna (Donna che asciuga sudore), Ukiyo-e, 1798Nel 1804, Utamaro ebbe dei problemi con le leggi sulla censura per aver dipinto un romanzo storico vietato. È stato condannato a essere ammanettato o imprigionato per 50 giorni (i conti differiscono). Si dice che l'ordalia fu devastante per lui e portò alla sua depressione, dalla quale non si riprese mai prima della sua morte, due anni dopo.
Utamaro era prolifico. Ha prodotto oltre 2000 stampe durante la sua carriera e ha creato molti dipinti, libri illustrati e altro ancora. Il suo lavoro era ben noto e amato durante la sua vita e oltre. Quando pensi o senti bijin-ga o arte ukiyo-e, è il lavoro di Utamaro che si erge al di sopra degli altri e continua ad essere tra i più grandi della sua età.
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) era un artista americano la cui breve vita brillava prima di un'overdose di eroina all'età di 27 anni. Il suo lavoro affrontava questioni sociali tra cui strutture di potere, razzismo e classismo. Nel 1976 ha iniziato a scrivere graffiti con la vernice spray sotto il nome SAMO, continuando a farlo negli ultimi anni '70.
Scull (1981)Nel 1980, quando è stato protagonista di una mostra collettiva, il suo lavoro ha attirato l'attenzione. Presto vendette dipinti fino a $ 50.000 a pezzo. Basquiat faceva parte del movimento neo-espressionista, che spesso raffigurava oggetti o idee riconoscibili in modi emotivi. A metà degli anni '80, collaborò con Andy Warhol a una serie di collaborazioni che coinvolgevano in gran parte gli elementi di serigrafia Warhol e Basquiat aggiungendo componenti dipinti.
Poison Oasis (1981)Il lavoro personale di Basquiat spesso incorporava parole e trame simili a graffiti. Ha affrontato questioni influenzate dalla sua eredità afro-caraibica, tra cui un dipinto a più pannelli ha raccontato storie di commercio di schiavi egiziano e atlantico. Molti suoi pezzi sono abbozzati o pieni di scarabocchi. Colori vivaci e immagini disegnate rozzamente coprivano tele, pagine di sketchbook e altro.
Black Tar and Feathers (1982)Il suo lavoro ha ispirato così tanti nel creare lavoro emotivo, scarabocchiato e riflessivo. Grazie ad artisti come Basquiat, il lavoro di ispirazione urbana è entrato nelle gallerie d'arte e nel mondo dell'arte più serio.
Robert S. Duncanson (1821-1872) è stato un pittore afroamericano associato alla Hudson River School, un movimento artistico incentrato sui paesaggi e influenzato dal romanticismo. Non era formalmente addestrato, ma affinava le sue capacità attraverso la copia di stampe e osservazioni. Nel 1840, ha debuttato in una mostra a Cincinnati, in Ohio. Alla famiglia di Duncanson non è stato permesso di partecipare all'evento con il loro essere afro-americani e la segregazione al suo apice. Per tutto il 1840, Duncanson si concentrò sulla ritrattistica.
Paesaggio con arcobaleno, 1859Non è stato fino a quando ha spostato la sua attenzione ai paesaggi che il suo lavoro è decollato. Charles Avery, un abolizionista, commissionò un dipinto di Duncanson. Ciò ha portato a una rete di mecenati che erano anti-schiavitù e sostenitori delle arti; hanno sostenuto la sua carriera. I suoi pezzi di paesaggio erano più che semplici interpretazioni dello spazio fisico. Portavano anche i messaggi socio-politici, del giorno.
Ellen's Isle, Loch Katrine (1871)Duncanson si è esiliato in Canada durante la guerra civile. Fu influenzato pesantemente dal paesaggio canadese anche dopo la sua partenza per il Regno Unito e in seguito ritornò a Cincinnati, nell'Ohio. Fu uno dei primi pittori americani a stabilirsi in Canada e concentrarsi sul suo paesaggio. Il suo lavoro ha aggiunto sottili tocchi dalle sue esperienze di uomo di colore in Antebellum America senza che il suo lavoro venisse categorizzato rigorosamente come "afro-americano" in un periodo in cui sarebbe stata una limitazione della carriera.
Abanindranath Tagore (1871-1951) è stato un artista, scrittore e fondatore indiano della scuola d'arte del Bengala. È considerato il primo artista indiano ad ottenere un riconoscimento a livello mondiale. Ha studiato alla Calcutta School of Art sotto i pittori europei O. Ghilardi e Charles Palmer.
Bharat Mata (1905 circa)Tagore considerava l'arte occidentale "materialista" e si concentrava invece sulle tradizioni artistiche indiane. L'arte moghul è stata una delle prime influenze del suo lavoro, nonché l'arte e la calligrafia giapponese, che si possono vedere nei suoi acquerelli. Tagore ha sviluppato questo "stile indiano di pittura", come era anche noto, combinando immagini moderne con qualità spirituali. Bharat Mata("Madre India") era uno di questi dipinti che mostra una donna con quattro braccia simili a raffigurazioni di divinità indù.
"Ganesh-janani" di Abanindranath Tagore.Questo stile artistico è stato promosso come lo stile nazionale dell'arte, guadagnando popolarità in tutto il mondo e portando artisti e artisti indiani nelle gallerie d'Europa. Ancora oggi la scuola d'arte del Bengala è un'eredità continua di artisti e calligrafi.
Amrita Sher-Gil (1913-1941) è stata un pittore indiano-ungherese considerato uno dei più importanti pittori femminili dell'India del XX secolo. Il suo lavoro, iniziato come ragazza in Ungheria, sbocciò quando andò in India nel 1934, all'età di 21 anni. Il suo lavoro artistico si concentrò sui poveri dell'India, raffigurando il loro mondo e le loro vite dipinte..
Gypsy Girl ungherese, 1932Ha catturato la realtà dell'India, mostrando figure emaciate con espressioni passive e lunatiche. Si concentrò su lavoratori agricoli, infermieri e altre persone comuni nell'India meridionale. Il suo stile è stato ispirato dal modernismo europeo, ma ha catturato la crescente indipendenza dell'India come paese e cultura.
Bride's Toilet, 1937Non è stato fino alla sua morte che il suo lavoro ha guadagnato popolarità in India e in Europa. È anche considerata l'artista indiana più costosa, avendo venduto un quadro per crore di 6,9 milioni di dollari nel 2006 (all'incirca 1,5 milioni di dollari all'epoca). Il suo lavoro ha ispirato e continua a ispirare artisti indiani contemporanei.
Tarsila do Amaral (1886-1973) era un artista modernista brasiliano il cui lavoro combinava idee brasiliane con l'estetica d'avanguardia. Tarsila era nata per privilegiare, ma a differenza di altre donne privilegiate in Brasile all'epoca, aveva una famiglia che sosteneva la sua educazione e le sue attività artistiche. Ha studiato arte a Parigi dove è stata influenzata dal cubismo e da Fernand Leger.
Abaporu (1928)Lei faceva parte del Grudo dos Cinco ("Gruppo dei cinque") che ha organizzato il Semana de Arte Moderna ("Settimana dell'arte moderna") nel 1922 a San Paolo. Gli artisti che parteciparono all'evento sfidarono l'establishment dell'arte conservatrice con la loro estetica moderna. Questo evento e gli artisti coinvolti sono stati fondamentali nel movimento artistico moderno brasiliano e nella promozione della cultura brasiliana nel mondo attraverso l'arte.
Nel 1923, Tarsila tornò a Parigi e infuse la sua cultura nel cubismo e in stili altrettanto moderni. Grazie ai suoi viaggi di ritorno in Brasile, il suo lavoro ha assunto argomenti brasiliani, rendendo i paesaggi e le persone del Brasile ideali moderni e cubisti.
Morro da favela (1945)Oswald de Andrade, un poeta e membro del Grupo dos Cinco, ha scritto poesie che ha illustrato. Il suo lavoro ha richiesto che gli artisti esportassero la cultura brasiliana nel mondo, in particolare in Europa, la cui influenza ha avuto un grande impatto sul Brasile. Cercarono di influenzare il mondo con la cultura brasiliana e, grazie a numerosi dipinti, Tarsila ebbe un grande successo.
Carnaval em Madureira (1924)Tarsila lascia un'eredità di 230 dipinti che hanno contribuito a portare il modernismo in America Latina e a condividere il Brasile con il mondo. Il suo lavoro e le sue intenzioni hanno influenzato e continuano a influenzare gli artisti nel condividere concetti e temi indigeni brasiliani nell'arte.
Wen Zhengming (1470-1559) era un pittore, calligrafo e poeta cinese ed è considerato uno dei maestri (uno dei quattro) della pittura di Ming. Il lavoro di Wen si concentrava spesso su cose semplici, come un albero, e sul tema dell'isolamento e della solitudine. Si è anche concentrato sulla celebrazione delle vite e della società dell'élite poiché erano i suoi mecenati. Fu istruito e influenzato dal fondatore della scuola Wu, Shen Zhou.
Uno degli otto album che riproducono il Giardino dell'Umile Amministratore, dipinto nel 1551 Wen ha prodotto lavori sotto un certo numero di stili, diventando prolifici sia nella pittura che nella poesia. I suoi dipinti sono stati ricercati dai collezionisti fino al punto in cui le contraffazioni dei suoi lavori erano comuni durante il tardo periodo Ming.
Pittura che unisce calligrafia e natura.Wen divenne una figura di spicco del periodo Ming, influenzando gli artisti negli anni a venire. Divenne un capo della scuola Wu a sé stante, attirando molti studenti e influenzando i propri figli per seguire le sue orme.
Kamal ud-Din Behzad (1450 circa - 1535 circa) era un pittore persiano noto per la creazione di miniature e manoscritti miniati. I manoscritti di Behzad sono stati creati nel suo stile, che ha preso composizioni geometriche comuni all'arte persiana e li ha aperti per essere più spaziosi per consentire l'azione e il movimento nei suoi pezzi. Era anche abile nel guidare lo spettatore a osservare la composizione in modo organico, creando espressioni e figure naturali all'interno del suo lavoro.
La costruzione del castello Khavarnaq (arabo الخورنق) in al-Hira, c. 1494-1495 C.E.Il lavoro di Behzad era naturalmente giocoso ed espressivo, cosa che al tempo non era comune al lavoro persiano. Ha introdotto il naturalismo nel lavoro persiano, utilizzando i gesti e le espressioni realistici nelle sue figure, e concentrandosi maggiormente sull'individuo all'interno di una composizione piuttosto che riempire lo spazio con design e modelli.
Yusef e ZuleykhaÈ considerato uno dei più grandi pittori delle miniature persiane, e il suo lavoro e la sua estetica continuarono a influenzare l'arte persiana e persino indiana negli anni a venire.
Questa lista è troppo breve e incompleta, composta solo da dieci artisti da tutto il mondo e nel corso della storia. Dai uno sguardo al nostro precedente articolo sulla storia dell'arte con dieci donne fantastiche nell'arte:
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