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Oggi abbiamo il piacere di incontrare la graphic designer e tipografia Claire Coullon. Originaria della Francia, ma ora residente a Praga, Repubblica Ceca, parla del suo amore per la tipografia, co-gestendo il proprio studio di design con il suo partner e se il lavoro intralcia la sua relazione personale. Ci dà anche alcune preziose informazioni sulla sua tipografia manoscritta e sull'importanza di condividere con la comunità del design.
Circondati di tipo, ossessionati dalle lettere ovunque li vedi; più lettere guardi, più puoi vedere le possibilità all'interno di esse e come le loro apparenze differiscono attraverso l'età, la classificazione e la cultura.
Sono un graphic designer e tipografo che gestisce un piccolo studio di design chiamato Op45. Le mie principali aree di interesse sono principalmente la tipografia e la stampa, in particolare il tipo personalizzato, il design e il marchio del logo, le scritte a mano, il layout e il design del libro. Originario della Francia, sono cresciuto in Europa e nel Medio Oriente e attualmente vivo a Praga, nella Repubblica Ceca. Il mio compagno e io abbiamo eseguito Op45 a tempo pieno per poco più di 3 anni e prima ho lavorato in un'agenzia di design e comunicazione a Bruxelles, in Belgio..
Quando non lavoro, scarabocchio molto (anche se non credo che si classifichi come "lontano dalla tipografia" ...), adoro spostarmi e viaggiare, leggere, ecc. Il lavoro ha la tendenza a prendere in consegna gratuitamente molto tempo però, che è qualcosa che ho cercato di bilanciare meglio.
Ho frequentato principalmente la tipografia durante il corso di base per l'arte e il design che ho seguito al termine della scuola. Per ogni breve progetto, abbiamo dovuto sviluppare queste grandi schede di idee A1 e le mie hanno spesso disegni di lettere più di ogni altra cosa. Ho passato molto tempo a disegnare caratteri tipografici esistenti, il che è stata una grande ricerca e pratica per imparare a riconoscere le complessità delle lettere, stili diversi, ecc. Durante quell'anno ho iniziato anche ad interessarmi alla traduzione del contenuto, significato e fonetica del linguaggio in immagini tipografiche, qualcosa che mi ha colpito da allora.
Dopo la laurea, la maggior parte dei miei primi progetti riguardavano il tipo disegnato a mano in qualche modo, anche se a quel tempo sentivo che dovevo fare anche qualcos'altro. Ero solito cercare di costringermi a fare altre cose, come un po 'di illustrazione, animazione, ecc. (Con risultati generalmente mediocri), fino a quando ho capito che non è imbrogliare o' troppo facile 'fare quello che ti piace di più. Durante il corso di 3 anni, ho principalmente realizzato progetti auto-iniziati che usavano principalmente la tipografia, quindi esplorare aree come la linguistica, i suoni di lingue diverse, la personificazione di lettere e parole, stampa tipografica e tipografica, combinazione di tipo e fotografia, stop- animazioni di fotogrammi, alcuni primi disegni di caratteri tipografici, ecc. Il mio progetto finale era un libro che esplorava la forma visiva delle parole, qualcosa da cui ho imparato un'enorme quantità. Certo, il lavoro che faccio ora è cambiato molto da allora, ma penso che lo sfondo disegnato a mano e il focus sul processo abbiano sicuramente sofferto.
Il mio set up è piuttosto semplice in quanto non aggiorno veramente le cose a meno che non sia assolutamente necessario. Io uso un laptop Mac e uno scanner / stampante di base per la maggior parte del mio lavoro, così come un vecchio schermo portatile come un lightbox. Non ho un tablet e di solito lavoro dagli schizzi dapprima, me li faccio manualmente con lo strumento penna. Uso Adobe CS3 (il più delle volte Illustrator ma anche InDesign per qualsiasi layout correlato e Fireworks per il lavoro occasionale sul Web) e FontLab Studio per il lavoro sui caratteri e talvolta i loghi. Dal momento che lavoro a mano molto, uso molti album da disegno di diverse dimensioni, pile di carta per stampanti e varie penne, matite, penna e alcuni pennelli.
Quando ho creato il mio primo portfolio portfolio anni fa, uno dei miei vecchi insegnanti d'arte universitari si è messo in contatto mentre cercava qualcosa di simile a mostrare i suoi quadri e quelli di suo marito. Dal momento che Darren ha avuto una formazione nel web design e nelle arti, abbiamo lavorato insieme per renderli un sito web, una piccola animazione e un breve brano musicale, che poi hanno portato a un altro progetto grazie alla loro raccomandazione. Mentre lavoravamo su quelli, pensavamo che avrebbe avuto senso avere il nostro sito web così brevemente andare avanti e indietro su un nome ed è appena passato da lì. Sfortunatamente, però, siamo seriamente indietro nell'aggiornare il nostro sito web "attuale"!
Era piuttosto strano, nel senso che non era pianificato o addirittura pensato; è semplicemente successo. Ho lasciato il mio lavoro quando ci siamo trasferiti nel Regno Unito e mentre cercavo per un po 'di tempo un altro posto lì, abbiamo ottenuto alcuni progetti più grandi e abbiamo finito con il funzionare Op45 a tempo pieno. Per quanto mi riguarda, penso che lavorare in un'agenzia sia stato importante in primo luogo perché è molto diverso dall'ambiente universitario, dove ho lavorato molto su progetti auto-avviati molto più spesso di "brief di vita reale", ho avuto scadenze più libere, ecc..
Quindi uno dei principali professionisti del lavoro come designer interno stava decisamente diventando comodo con il lato tecnico delle cose: scrivere proposte, presentazioni dei clienti, coordinarsi con stampanti e sviluppatori, ecc. Un altro vantaggio era imparare a lavorare con aziende più grandi all'interno di il loro stile aziendale, che è un buon esercizio di moderazione, assicurandosi che il proprio stile personale sia altamente flessibile e possa essere poco appariscente. Tuttavia contro come; non essere in grado di scegliere i progetti, avere meno controllo, non essere sempre in grado di parlare direttamente con un cliente durante i briefing; mi ha tenuto un po 'troppo distaccato dal lavoro e sarebbero diventati importanti benefici di lavorare in modo indipendente.
Naturalmente, tutto ciò dipende molto dalla natura, dallo stile e dalle dimensioni dell'agenzia, nonché dal proprio ruolo individuale. Essendo un lavoratore autonomo, mi piace anche essere in grado di scegliere il mio obiettivo, avere programmi completamente diversi a seconda di determinati giorni / clienti / fusi orari, ecc. I contro sono per lo più solo i tipici problemi di gestione della gestione aziendale, fare in modo di non lasciare che il lavoro scorra nel tuo tempo può essere difficile da bilanciare, specialmente quando ti piace. Essere conosciuti per uno stile di design può essere un po 'restrittivo, si può finire con meno nuove sfide mentre si costruisce un portfolio.
Lavorare insieme non ha messo a dura prova il rapporto né ci ha costretto a staccarci mentre lavoravamo davvero, il nostro rapporto rimane lo stesso e lo studio è sempre rilassato.
Viene naturale, entrambi facciamo rimbalzare idee e suggerimenti l'uno con l'altro molto facilmente e lo facciamo da anni. Anche se spesso abbiamo progetti separati, nel corso degli anni siamo cresciuti facendo affidamento sul rispetto delle opinioni degli altri su tutti i mezzi e soprattutto aiuta a ricevere feedback da qualcuno immediatamente a portata di mano che ti conosce altrettanto bene e conosce il lavoro. Lavorare insieme non ha messo a dura prova il rapporto né ci ha costretto a staccarci mentre lavoravamo davvero, il nostro rapporto rimane lo stesso e lo studio è sempre rilassato. Trascorriamo molto tempo insieme, quindi non c'è davvero molto bisogno di bilanciare lavoro e vita in questo senso - i due sono abbastanza felicemente tessuti.
Di solito inizio nello stesso modo in cui eseguo loghi o altri lavori di tipo personalizzato: tracciando grossolanamente molte variazioni veloci per vedere cosa funziona meglio. In genere, quindi tracciamo in modo approssimato o ri-disegnare versioni migliori basate su bozze ruvide, considerando e migliorando cose come peso, composizione e spaziatura. Detto questo, dipende molto dalla natura del progetto e dal suo stile. Per alcuni progetti personali più spensierati, di solito faccio pochissima o nessuna pianificazione e disegno subito a penna (come per biglietti di auguri o quaderni di schizzi) o semplicemente si attacca alla matita. I risultati hanno sempre alcune imperfezioni naturali e un'estetica molto evidente a mano, ma alla fine questo è il fascino dell'approccio. Mi piace lavorare in questo modo perché mi costringe a lasciare andare i dettagli e ad accettare che ci saranno dei brutti cretini, pesi irregolari, ecc. Fa un bel contrasto dal lavorare digitalmente, dove spendo spesso molto tempo per rifinire e fare piccoli aggiustamenti. Non penso che preferisco l'uno rispetto all'altro, soprattutto perché di solito inizio comunque con il disegno a mano, indipendentemente dal fatto che verrà digitalizzato in seguito o meno.
È principalmente perché mi piace il processo e lo sviluppo dei progetti, spesso tanto quanto i pezzi finali. Mi piace sempre leggere articoli di make-of per i caratteri tipografici in particolare perché mettono in risalto tutti i dettagli e le caratteristiche minuscole che potrebbero non essere evidenti a prima vista. La configurazione del mio sito Web mi consente di indicare questi dettagli, come ad esempio sul logo Cuberto. Ci sono sempre concetti, decisioni specifiche e ragionamento dietro il lavoro visivo, quindi ha senso enfatizzarlo e mostrare che non è solo una bella immagine.
È anche utile mostrare ai potenziali clienti come mi avvicino ai progetti e mi venga un'idea del processo di progettazione. Il progetto Bookouture, ad esempio, dimostra davvero il potenziale beneficio dell'esplorazione di più concetti mentre ci siamo ispirati ai migliori elementi di tutti e tre gli schizzi iniziali per creare un pezzo finale più forte.
Quando ho iniziato a creare il mio sito Web in questo modo, non l'ho particolarmente considerato particolarmente utile a nessuno in quanto non è realmente impostato in un tutorial / how-to sort, ma piuttosto una documentazione di ogni pezzo in particolare. Da allora ho comunque trovato che è utile essere in grado di mostrare direttamente altri esempi di passaggi specifici - in particolare lo schizzo sul palco vettoriale e quanta variazione esiste anche tra lo schizzo più raffinato e il lavoro digitale finale.
Non sono sicuro se penso che sia una questione importante dare qualcosa alla comunità del Graphic Design; designer e artisti hanno sempre tratto influenza da altre opere senza la necessità di essere effettivamente dato qualcosa direttamente. Ma se parte di ciò che rende il lavoro nel design così piacevole per te accade semplicemente, allora funziona abbastanza bene per tutti.
Basta guardare alla tipografia è un ottimo modo per approfondire la questione. Circondati di tipo, ossessionati dalle lettere ovunque li vedi; più lettere guardi, più puoi vedere le possibilità all'interno di esse e come le loro apparenze differiscono attraverso l'età, la classificazione e la cultura. Quando si pensa a lettere specifiche oa combinazioni particolari, si possono cercare esempi su MyFonts o leggere le recensioni dei caratteri tipografici su Typophile; questo può essere davvero utile per guardare ai diversi modi in cui gli altri hanno affrontato la stessa considerazione. Al di là dell'osservazione, è utile anche leggere un'analisi dettagliata del lavoro tipografico, come ad esempio le revisioni del tipo sul sito web Typographica o le descrizioni in libri come Gli elementi dello stile tipografico di Bringhurst. Lo sketch è eccellente anche per l'esplorazione, che si tratti di scarabocchiare da zero o semplicemente di eseguire disegni di caratteri e lettere esistenti. I tuoi schizzi non devono essere accurati o raffinati, al contrario, il disegno approssimativo regolare è molto più utile per capire come vengono costruite le lettere e come possono fluire e adattarsi.
La pratica è ovviamente di valore inestimabile, ma allo stesso modo è essere consapevoli della teoria e dello sfondo storico della tipografia: allenarsi per essere il più acuto e discriminante possibile non solo circondandosi di opere altrui, ma imparando a capire come e perché dietro successi tipografici. Penso che sia essenziale avere una buona comprensione dei principi di base quando si disegna il tipo, indipendentemente dal tipo di lavoro a cui si è interessati. Essere consapevoli delle comuni illusioni ottiche, ad esempio, è importante: le orizzontali appariranno visivamente più pesanti delle verticali, curve i tratti di solito sembrano più sottili di quelli dritti, le lettere rotonde o appuntite sembreranno più piccole di quelle piatte, ecc. Allo stesso modo, è anche importante ricordare che non è necessario limitare le lettere all'inserimento di una griglia / struttura immutabile o forzare caratteri che non fluiscono naturalmente perché i risultati spesso sembrano imbarazzanti. In definitiva si tratta di ciò che sembra giusto agli occhi, non strettamente quello che le misure / linee guida dettano.
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