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Proprio come qualsiasi altra cosa nella musica e nella registrazione, ora è possibile padroneggiare il proprio materiale. Gli strumenti sono prontamente disponibili e sono molto economici rispetto alle generazioni precedenti di audio, ma solo perché possiedi un martello non significa che sai come oscillarlo.
Prima di entrare nel meccanismo del mastering, diamo un'occhiata a ciò che questo processo chiamato "mastering" è in realtà.
Tecnicamente parlando, il mastering è il passaggio intermedio tra il mixaggio dell'audio e la preparazione per la replica o la distribuzione. Ma è davvero molto di più.
Il mastering è il processo di trasformare una raccolta di canzoni in un disco facendole suonare come se fossero insieme in tono, volume e tempismo (spaziatura tra le canzoni).
Il mastering non è un insieme di strumenti o un dispositivo in cui la musica viene eseguita e viene automaticamente masterizzata (nonostante ciò che dicono gli annunci di questo tipo di dispositivi). È una forma d'arte che, se fatta coscienziosamente, si affida principalmente alle capacità di un individuo, all'esperienza con vari generi musicali e al buon gusto.
Perché master comunque?
La padronanza dovrebbe essere considerata l'ultima fase del processo creativo poiché questa è la nostra ultima possibilità di perfezionare e correggere il nostro progetto. Un progetto che è stato masterizzato suona semplicemente meglio. Sembra completo, lucido e finito. Il progetto che potrebbe sembrare una demo prima ora sembra un "disco". Ecco perché:
E tutto questo è accaduto così rapidamente e senza intoppi che a malapena sapevi che stava succedendo.
Se davvero lo abbattiamo, un professionista del mastering di solito ha 3 cose su quello che fai a casa.
L'ingranaggio: Una vera casa di controllo professionale ha molte cose a disposizione che probabilmente non troverai in una semplice casa DAW di piccole dimensioni come convertitori A / D e D / A di fascia alta, compressori ed equalizzatori esterni ultra-lisci, più tweaked 1 / 2 "e 1/4" a nastro a due piste (se necessario), un ambiente di ascolto dal suono eccezionale e un sistema di monitoraggio eccezionale.
I sistemi di monitoraggio di queste strutture a volte costano molto di più di molti interi studi domestici. Il costo non è il punto qui, ma la qualità è, dal momento che raramente puoi sentire ciò che hai bisogno di sentire per poter effettuare le regolazioni che devi fare sui monitor nearfield comunemente usati che la maggior parte degli studi di registrazione usano. La stragrande maggioranza dei monitor e le stanze in cui risiedono non sono abbastanza precise.
Le orecchie: L'ingegnere della masterizzazione è la vera chiave del processo. Questo è tutto ciò che fa giorno dopo giorno. Ha "grandi orecchie" perché padroneggia almeno 8 ore al giorno e conosce i suoi monitor nel modo in cui conosci il tuo paio di scarpe preferite. Inoltre, il suo punto di riferimento su ciò che costituisce un buon mix sonoro è affinato finemente grazie alle ore e ore di lavoro sui migliori e peggiori mix di ogni genere musicale.
Un backup: Non so chi l'abbia detto, ma è vero. "La differenza tra un professionista e un dilettante è che un professionista ha sempre un backup." Un buon consiglio per qualsiasi parte della registrazione, ma soprattutto per il mastering. Non crederesti al numero di volte in cui i maestri si perdono. Questa è l'unica cosa che puoi fare proprio come un professionista senza alcun problema!
Ma non hai i soldi per usare un professionista, giusto? Ecco come farlo da solo.
Quello che stai cercando di ottenere nel mastering è il seguente:
Diamo prima un'occhiata al livello audio.
La quantità di volume audio percepito, o livello, senza distorsioni (su un file audio, CD, dischi in vinile o qualsiasi altro metodo di consegna audio ancora da creare) è una delle cose su cui molti ingegneri di mastering sono orgogliosi. Notare le parole di qualificazione "senza distorsioni" poiché questo è davvero il trucco; per rendere la musica più rumorosa possibile (e quindi competitiva con altri prodotti sul mercato) mentre suona ancora naturale. Siate consapevoli del fatto che ciò si applica generalmente ai generi Pop / Rock / R & B / Urban moderni e non altrettanto spesso a Classical o Jazz, i cui ascoltatori preferiscono molto una gamma dinamica più ampia in cui il livello massimo non è un fattore.
Le guerre volume / livello sono iniziate davvero nell'era del vinile degli anni '50, quando si scoprì che se un disco suonava più forte degli altri alla radio, gli ascoltatori percepivano il suono "migliore" e quindi lo rendevano un successo . Da allora è stato incaricato dall'ingegnere del mastering di rendere qualsiasi canzone destinata alla radio il più forte possibile in qualsiasi modo possibile.
E, naturalmente, questo vale anche per le situazioni diverse dalla radio. Prendiamo ad esempio l'iPod, il cambia-CD o, nei vecchi tempi, registriamo il jukebox. La maggior parte degli artisti, produttori ed etichette certamente non vogliono che una delle loro uscite suoni più morbida dei loro concorrenti a causa della percezione (e non necessariamente della verità) che non suona altrettanto bene se non è così rumoroso.
Ma la limitazione di quanto forte possa essere un "disco" (useremo genericamente questo termine) è determinato dal mezzo di consegna al consumatore. Ai tempi dei dischi in vinile, se un mix era troppo forte, lo stilo avrebbe vibrato a tal punto che si sarebbe sollevato fin dalle scanalature e il disco saltava. Quando si mescola troppo caldo al nastro analogico, il suono inizia a distorcersi leggermente e le alte frequenze scompaiono (sebbene molti ingegneri e artisti apprezzino questo effetto). Quando l'audio digitale e i CD arrivavano, qualsiasi tentativo di mixare oltre lo 0dB Full Scale comporterebbe una terribile distorsione a causa di "overs" digitali (a nessuno piace questo effetto).
Quindi provare a spremere ogni oncia di livello dalla pista è molto più difficile di quanto sembri ed è qui che entra in gioco l'arte del mastering.
Detto questo, nel corso degli anni è diventato più facile e più facile ottenere un disco che è più caldo e caldo nel livello percepito, soprattutto a causa della nuova tecnologia digitale che ha portato a limitatori sempre migliori. I limitatori digitali "look ahead" di oggi rendono facile impostare un livello massimo (di solito a -.1 o -.2dB FS) e non preoccuparsi mai più di overs e distorsione digitali, ma questo può comportare un costo elevato in qualità audio se non attento.
Troppa compressione del bus o eccessiva limitazione quando mixare o masterizzare risulta in quella che è diventata nota come "ipercompressione". L'ipercompressione deve essere evitata a tutti i costi perché:
Una traccia ipercompressa non ha dinamiche, lasciandola forte ma senza vita e poco emozionante. Su una DAW, è una forma d'onda costante che riempie la regione DAW nella timeline. Ecco come sono cambiati i livelli delle registrazioni nel corso degli anni, utilizzando come esempio la registrazione di successo degli anni '80 e le sue successive ristampe..
Ma ottenere il massimo livello sul disco o sul file non è l'unica regolazione di livello che l'ingegnere del master deve praticare. Altrettanto importante è il fatto che ogni brano sul disco debba essere percepito come il più forte del prossimo. Ancora una volta, la parola chiave è percepita poiché questo è qualcosa che non può essere misurato direttamente e che deve essere fatto a orecchio.
La maggior parte del livello audio funziona oggi con una combinazione di due strumenti primari dell'ingegnere del mastering: il compressore e il limitatore, che, contrariamente alle pratiche di registrazione in cui c'è una casella che può fare entrambi i lavori (a seconda delle impostazioni), sono in realtà due diversi box o plug-in durante il mastering. Il compressore viene utilizzato per aumentare i segnali di livello medio e piccolo mentre il limitatore controlla i picchi istantanei. Ricorda, tuttavia, che l'impostazione e il suono del compressore e del limitatore influiscono sulla qualità audio finale, forse in peggio, specialmente se li spingi forte.
Sebbene la posizione dell'equalizzatore possa cambiare da prima del compressore a quella successiva, la normale catena del segnale appare così.
EQ> Compressore> Limiter
Il limitatore è SEMPRE l'ultimo della catena, indipendentemente da quanti altri dispositivi si aggiungono e in quale ordine, perché è ciò che aggiunge qualsiasi livello aggiuntivo e impedisce che si verifichino eventi in eccesso.
Il compressore ti darà il livello apparente ed è altrettanto importante del limitatore del processo di masterizzazione. Se vuoi dominare come i professionisti, devi averli entrambi.
Per capire come funziona un limitatore nel mastering, devi prima capire la composizione di un tipico programma musicale. In generale, il picco più alto del programma sorgente determina il livello massimo che può essere raggiunto da un segnale digitale. Ma poiché molti di questi picchi superiori hanno una durata molto breve, di solito possono essere ridotti di alcuni dB con effetti collaterali minimi udibili. Controllando questi picchi, è possibile aumentare l'intero livello del programma di diversi dB, ottenendo un livello di segnale medio più alto.
La maggior parte dei limitatori digitali utilizzati nel mastering sono impostati come limitatori "Brick Wall". Ciò significa che, qualunque cosa accada, il segnale non supererà un certo livello prestabilito e non ci saranno "overs" digitali. Grazie all'ultima generazione di limitatori hardware o software digitali, i livelli più elevati sono più facili da ottenere che mai grazie a un controllo di picco più efficiente. Questo grazie alla funzione "look-ahead" che ora impiegano quasi tutti i limitatori digitali. Look-ahead ritarda il segnale di una piccola quantità (circa 2 millisecondi o giù di lì) in modo che il limitatore possa anticipare i picchi in modo tale da catturarli prima che si avvicinino. I limitatori analogici non funzionano altrettanto bene in quanto un ingresso analogico non può prevedere il suo ingresso come un limitatore digitale con possibilità di "look-ahead". Poiché non vi è alcuna possibilità di overshoot, il limitatore diventa noto come limitatore "Brick Wall".
Impostando correttamente un limitatore digitale, l'ingegnere di mastering può ottenere almeno diversi dB di livello apparente solo per il semplice fatto che i picchi nel programma sono ora controllati.
Come indicano i nomi, la compressione aumenta effettivamente i segnali di livello inferiore mentre un limitatore diminuisce quelli più forti.
La chiave per ottenere il massimo da un compressore sono i controlli Attack e Release (a volte chiamati Recovery), che hanno un enorme effetto complessivo su un mix e quindi sono importanti da capire. In generale, la risposta ai transienti e i suoni percussivi sono influenzati dall'impostazione del controllo Attacco. Rilascio è il tempo necessario affinché il guadagno ritorni alla normale o alla riduzione del guadagno pari a zero.
In un tipico mix di stile pop, un'impostazione di attacco veloce reagisce alla batteria e riduce il guadagno complessivo. Se la Release è impostata molto velocemente, il guadagno tornerà alla normalità velocemente ma può avere un effetto udibile di ridurre parte del livello generale del programma e l'attacco della batteria nel mix. Man mano che la Release viene impostata più lentamente, il guadagno cambia a seconda che i tamburi possano essere percepiti come "pumping", il che significa che il livello del mix aumenterà quindi diminuirà sensibilmente. Ogni volta che lo strumento dominante si avvia o si arresta, "pompa" il livello del mix su e giù. I compressori che funzionano meglio su materiale di programma completo generalmente hanno curve di rilascio molto lisce e tempi di rilascio lenti per minimizzare questo effetto di pompaggio.
Impostare i livelli può essere la parte più importante del mastering, dal momento che determinerà non solo il livello competitivo e percepito, ma anche se tutte le canzoni che vengono masterizzate suonano come una raccolta coesa. Ecco come lo fai:
1. Impostare il livello principale sul limitatore su -.1 o -.2 dB per contenere i picchi ed evitare sovraimpressioni digitali. (L'impostazione su -1 o -2 potrebbe effettivamente essere migliore, come vedremo nel prossimo post)
2. Impostare un compressore con un rapporto di 1,5: 1 o 2: 1 per ottenere il livello apparente. In generale, il trucco con la compressione nel mastering consiste nell'utilizzare un rilascio lento e meno (in genere molto meno) di 5 dB di compressione.
3. Aumentare il livello del programma al livello desiderato aumentando il controllo Output del compressore.
4. Confronta la canzone con altri brani nella sessione di mastering fino a quando non sono tutti allo stesso livello (usa le tue orecchie, non i metri).
Questo di solito è il posto in cui gli ingegneri stanno padroneggiando i propri mix nei guai. C'è una tendenza a compensare eccessivamente con l'EQ, aggiungendo enormi quantità (di solito di fascia bassa) che distruggono completamente il bilanciamento delle frequenze.
La prima regola per evitare questo è:
1. Ascolta altri CD (senza MP3) che ti piacciono prima di toccare un parametro EQ. Più CD, meglio è.
Hai bisogno di un punto di riferimento da confrontare o sicuramente compenserai eccessivamente.
Il 2ND regola è:
2. Un po 'di più. Se ritieni che sia necessario aggiungere più di 2 o 3 dB, è meglio fare un remix!
Dove nella registrazione si possono usare grandi quantità di EQ (da +/- 3 a 15 dB) ad una certa frequenza, il mastering è quasi sempre in incrementi molto piccoli (di solito in 1/10 di dB a 2 o 3 al massimo in casi rari). Quello che vedrete sono molti piccoli colpi di EQ lungo la banda di frequenza audio, ma in quantità molto piccole.
Ad esempio, potresti vedere qualcosa come -1 a 30hz, +.5 a 60Hz, .2 a 120Hz, -.5 a 800Hz, -.7 a 2500, +.6 a 8kHz e +1 a 12. Notare che c'è un piccolo successo in molti posti.
Seriamente però, se devi aggiungere un sacco di EQ, torna indietro e remixare. Questo è ciò che fanno i professionisti. Non è affatto raro che un ingegnere professionista della tecnologia inviti un mixer e gli dica dove è spento e gli chieda di farlo di nuovo.
La regola n. 3 è ugualmente importante.
3. Continua a confrontare la versione EQ con la versione originale e altre canzoni che stai padroneggiando.
L'idea di padroneggiare, prima di tutto, è rendere il suono della canzone o del programma migliore con EQ, non peggio. Non cadere nella trappola in cui pensi che suoni meglio solo perché suona più forte. L'unico modo per farlo bene è avere i livelli più o meno gli stessi tra le tracce EQ e pre-EQ. Ecco perché mi piace usare I T-Rack di IK Media per il mastering. Ha una funzione A / B che ti consente di compensare i livelli aumentati in modo che tu possa davvero capire se lo stai facendo sembrare migliore o meno.
La regola n. 4 è:
4. Devi continuare a confrontare la canzone che stai attualmente lavorando a tutte le altre canzoni su cui stai lavorando.
L'idea è farli sembrare tutti uguali. È piuttosto comune che i mix abbiano un suono diverso da canzone a canzone, anche se sono fatti dallo stesso mixer con la stessa attrezzatura, ma è compito tuo far pensare all'ascoltatore che le canzoni siano state eseguite tutte nello stesso giorno allo stesso modo . Devono suonare il più vicino possibile l'uno all'altro come puoi ottenerli, o almeno chiudersi ragionevolmente da non risaltare.
Come puoi vedere, la padronanza non è poi così difficile da tenere a mente esattamente quello che stai cercando di fare, cioè far sembrare un gruppo di canzoni come se fossero tra loro.
Ricorda: anche se non riesci a far suonare i brani come il tuo miglior CD, stai imparando a fare il lavoro sarà ancora considerato "pro" se riesci a far sì che tutti i brani suonino allo stesso modo nel tono e nel volume!
La prossima volta: padroneggiare i ritocchi finali e esportare i segreti.
Accentsconagua