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Dal mio punto di vista, non c'è nulla di così stimolante come lavorare con musicisti di talento ed esperti in uno studio di registrazione. Mi piacciono sempre queste sessioni enormemente - il tuo arrangiamento è tutto organizzato e il mix di basi è pronto; ora sei solo seduto nel tuo studio in attesa che arrivi il giocatore.
Le raccolte di campioni sono naturalmente in abbondanza per tutti i principali strumenti orchestrali e jazz, per non parlare di una vasta gamma di strumenti "fuori dai sentieri battuti", che vanno da etnici e indigeni a semplici e stravaganti! Ma un vero giocatore può portare molto di più alla tua musica.
Se registrato in un'impostazione adatta con il giusto tipo di microfono, il suono è garantito per essere assolutamente autentico per una cosa. L'altro grande fattore è la creatività personale dei session music. Portano il loro talento e "prendono" sul tuo arrangiamento di canzoni e il valore aggiunto che porta è molto spesso inestimabile.
Ecco un estratto da un arrangiamento che ho fatto un po 'di tempo fa con un flauto dal vivo che trasportava la melodia. Il pezzo continua quindi in una sezione del ponte. Un tono e un'intonazione meravigliosi sono cruciali quando lo strumento in questione si trova così avanti nel mix.
Ecco un altro estratto in uno stile un po 'celtico; questa volta un violinista. Come ricordo, questo lettore ha suonato da una parte che avevo precedentemente scritto con un software per la scrittura dei punteggi, ma il tono e lo stile di intonazione particolarmente belli qui sarebbero estremamente difficili da emulare con campioni di strumenti.
Ovviamente, la registrazione di giocatori "reali" comporta una serie di problemi e problemi specifici da risolvere. Questi variano da quale microfono utilizzare, al modo migliore per preparare la pista per il giocatore in arrivo. Il tuo obiettivo generale dovrebbe essere quello di provare a rendere l'intera esperienza più comoda e naturale per il giocatore di sessione possibile.
Ricorda che molto probabilmente tenteranno di interpretare una parte che non hanno mai visto prima, mentre cercano di acclimatarsi al set-up del tuo studio e alla traccia stessa, tutti allo stesso tempo. In questo tutorial, daremo un'occhiata a una gamma di strumenti alla fine classica dello spettro e vediamo come meglio prepararsi per una sessione con uno di loro.
Se pensiamo all'orchestra sinfonica come a "famiglie" di strumenti (archi, legni, ottoni, ecc.) Noterete che ne ho scelto uno o due per ogni gruppo, e ho incluso anche l'arpa, che richiede un approccio leggermente diverso. La maggior parte dei musicisti classici ha una cosa in comune: normalmente legge molto bene la musica, dato che ha costituito una parte fondamentale del loro primo allenamento musicale. È quindi molto probabile che si aspettino di vedere una parte notata nel giorno.
Non sto suggerendo che i musicisti classici non improvviseranno o non improvviseranno. Alcuni lo fanno molto bene. Ma è probabile che si sentiranno molto più a loro agio lavorando con un foglio di musica stampato davanti a loro. Quindi assumerò che tu abbia intenzione di scrivere la tua parte, che molto probabilmente utilizzerai un pacchetto di software di notazione.
Una volta stabilito il tuo ordine, quanti dettagli dovresti includere sulla parte? Nel mondo classico sono coperte tutte le sfumature: espressione, fraseggio, segni di prua, ecc. Non c'è una risposta giusta a questo, ma io tendo a favorire l'approccio "bare bones", dato che puoi sempre lavorare sui dettagli con i giocatori durante la sessione.
Ecco un'introduzione alla canzone che presenta una parte per violoncello. Successivamente, la parte di violoncello si abbassa in un registro inferiore quando entra la voce principale.
La parte che ho dato al giocatore per l'introduzione è scritta qui sotto (certamente piuttosto breve!). Ho provato a dare loro un conto alla barra chiaro dall'inizio della canzone. Ci sarebbe stata anche una silenziosa traccia di click in esecuzione nelle loro cuffie per aiutarli a inserirli.
Quando scrivo parti di archi, tendo a lasciare fuori segni di prua poiché questi saranno discussi durante la sessione, e il giocatore saprà suonare la parte tecnicamente per suonare come voglio io.
Ecco un altro esempio di MP3, seguito dalla parte notata. Questa volta un violino suona la melodia:
La parte che ho dato al giocatore in quel momento non avrebbe contenuto alcun segno di prua, ma li ho aggiunti sopra, in base a come è andata la performance. È importante conoscere i limiti precisi dello strumento e anche il tipo di suono che può produrre attraverso la sua gamma tonale quando si scrive la parte.
Mancia: È una buona idea avere a disposizione una sorta di dizionario di orchestrazione in grado di fornire intervalli e descrivere le caratteristiche di base dello strumento. Ci sono un numero. Il mio preferito è "The Essential Dictionary of Orchestration" di Dave Black e Tom Gerou. Questo è economico, senza fronzoli e anche dimensioni tascabili; quindi è facile da portare in giro.
Ho lavorato con tutto ciò che ho visto nel mio studio, violinisti che suonano in uno stile "celtico" e anche un approccio più classico, flauto jazz e flauto classico. Ho anche registrato più volte l'arpa celtica, ma un'arpa orchestrale solo una volta. In quell'occasione ero molto preoccupato del fatto che lo strumento si inserisse effettivamente nel mio studio, che ha un soffitto piuttosto basso.
Quando il giocatore è arrivato, mi ha sorpreso rifiutando di permettermi di aiutarla a scaricare lo strumento dalla sua auto di proprietà. (Chiaramente stava pensando al costo dello strumento e alla mia mancanza di esperienza nel portarne uno!) Produsse prontamente un carrello adatto allo scopo da qualche parte all'interno del veicolo. Sono felice di dire che l'altezza dello strumento ha cancellato l'altezza del mio studio ... ma solo di circa due pollici!
Ecco un esempio di come può suonare l'arpa celtica. Questo è preso da una introduzione alla canzone.
In termini generali, l'utilizzo di un microfono a condensatore di qualità ragionevole dovrebbe produrre risultati accettabili. Un microfono a condensatore a diaframma largo come un AKG C414 o un Neumann U87 sarebbe una tipica scelta professionale per una situazione del genere, ma sono possibili anche molte altre opzioni.
Il posizionamento del microfono è fondamentale. In generale, ti consigliamo di posizionare il microfono abbastanza vicino allo strumento in quanto ciò ridurrà il rumore ambientale della stanza. Vedi la tabella qui sotto.
Il suono naturale dell'ambiente della stanza diventerà sempre più evidente quando un microfono è posizionato più lontano dalla sorgente sonora. In effetti, il livello del suono diminuisce di un fattore di 6dB quando la distanza raddoppia, il che è parecchio.
La quantità di suono diretto relativo al suono ambientale può essere controllata sia dalla distanza del microfono dalla sorgente sonora, sia, in misura minore, dal modello polare del microfono (cardioide o omni-direzionale).
Scoprirai lo strumento in mono? La mia preferenza sarebbe quella di registrare tutti questi strumenti su una traccia mono con una singola sorgente di microfono, con l'eccezione dell'arpa che potrebbe trarre beneficio dall'avere un paio di microfoni stereo installati a una certa distanza.
Ecco una tabella che fornisce alcuni suggerimenti specifici e suggerimenti per i microfoni:
In pratica, spesso mi sembra di trovarmi in piedi accanto al giocatore mentre si scaldano, cercando di ascoltare il punto "dolce" in cui il tono dello strumento si rivela più efficace. Questo è il punto in cui il microfono deve essere focalizzato, ed è dove si dovrebbe cercare di configurarlo. Tuttavia, controlla anche che non interferisca con il giocatore o oscuri la sua visione della musica. Violinisti e violoncellisti avranno bisogno di spazio per piegare i loro strumenti.
Con il flauto, ho notato che il suono può variare molto a seconda della posizione del microfono. Troppo vicino al bocchino e potresti correre il rischio di trarre un respiro eccessivo con il suono, ma troppo vicino ai tasti e il suono inizia a diventare dominato dal clangore delle dita sulle tastiere. È abbastanza sorprendente come un buon microfono possa percepire il suono più piccolo, per quanto trascurabile possa sembrare che sia in quel momento.
Un po 'di distanza dallo strumento spesso finisce per essere l'opzione più sicura, soprattutto se si prevede di utilizzare qualsiasi compressione in un secondo momento, poiché ciò farà apparire un po' il rumore. Gli errori sono facili da realizzare e io sono stato sicuramente catturato in passato; e mi sono ritrovato ad ascoltare più tardi in sessioni con il rumore dispari o due che non dovrebbero essere lì, molto tempo dopo che il giocatore è sparito!
L'arpa è unica in quanto ha 47 corde organizzate non cromaticamente. Il giocatore suona usando una serie di pedali disposti per entrambi i piedi alla base dello strumento per cambiare l'accordatura di queste corde.
La maggior parte degli arpisti che registrano regolarmente hanno un feltro extra per smorzare questi pedali, che altrimenti potrebbero produrre un suono piuttosto goffo! Generalmente è meglio impostare un paio di microfoni stereo a una certa distanza dallo strumento, per evitare rumori indesiderati del pedale e rumore delle dita sulle corde.
Nel prossimo articolo, vedrò come registrare gli strumenti jazz, il che richiede un approccio completamente diverso. Analizzeremo anche altri aspetti tecnici di vitale importanza, come la configurazione di un ottimo mix di cuffie e l'uso appropriato della correzione di compressione e ottimizzazione.
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