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Che sia un comico o un musicista che sappia improvvisare è un mestiere essenziale. Anche se questo articolo non ti insegnerà "come" improvvisare ti darà un'idea del processo di pensiero che sta dietro e degli strumenti che ti serviranno per iniziare.
In termini musicali "Improvvisazione" è il processo di eseguire o comporre musica in tempo reale, al volo, nello sprone del momento, a braccio o qualunque cosa tu scelga di chiamarla. Fondamentalmente lo stai inventando mentre vai avanti! Questo può includere la creazione di nuove idee musicali o una nuova interpretazione di una melodia o di una composizione esistente. Il punto è che non è preconcetto, ma scorre naturalmente da te mentre giochi prendendo qualsiasi direzione desideri.
La cosa divertente è che siamo tutti degli improvvisatori! Ogni persona sul pianeta si sta inventando mentre andiamo. La nostra capacità di risolvere problemi, prendere decisioni rapidamente e agire su di essi, intellettualizzare pensieri e abstract e svilupparli in oggetti e scenari tangibili in tempo reale è ciò che ci ha reso una specie così di successo. Questi processi mentali ed emotivi che sperimentiamo giorno per giorno sono anche al centro dell'improvvisazione.
L'improvvisazione è solitamente associata a Jazz e Blues ma la verità è che a meno che la tua musica non sia costruita rigidamente e preformata "esattamente" la stessa ogni volta fino all'ultimo dettaglio, la tua improvvisazione!
La cosa grandiosa dell'improvvisazione è che chiunque può farlo, non è necessario avere una laurea in Jazz o essere un prodigio musicale. È divertente e una parte essenziale di ciò che ti rende bene, tu! Ovviamente è un argomento enorme e non posso coprire tutto in un articolo, ma posso spiegare alcuni dei concetti fondamentali e dei processi di pensiero dietro la buona improvvisazione, il più utile dei paralleli tra linguaggio e musica.
Ora l'improvvisazione non è per tutti. Alcuni musicisti non improvvisano mai e per gli altri è il santo graal e una vita alla ricerca della perfezione della loro forma d'arte. I musicisti classici sono un buon esempio di non improvvisatori. Ora so che è una generalizzazione radicale, ma per la maggior parte è vero. Ciò dipende in parte dal fatto che la musica classica non è uno sport improvvisato, ha regole e tradizioni rigide e viene letta dalla carta. Immagina un'orchestra di 60 elementi in una stanza e il conduttore dice: "Ok, facciamo jam in C!" Disaster!!
Ovviamente ci sono delle eccezioni e conosco un sacco di fantastici giocatori classici che improvvisano molto bene. Ciò è dovuto al fatto che hanno interessi musicali al di fuori della musica classica, di solito Jazz.
Prendi Gabriela Montero. Questa donna ha un talento soprannaturale. Sembra che abbia la capacità di improvvisare su qualsiasi melodia che le viene presentata a caso. Da bambina è stata attivamente scoraggiata dalle sue capacità improvvisative dalla sua insegnante di pianoforte classica che ha definito il suo talento "inutile". Era così sconvolta da questo che ha rinunciato a giocare per anni. Fortunatamente per noi ha ricominciato e combinato la sua formazione classica con il suo amore per l'improvvisazione. Dai un'occhiata al suo famoso pezzo per chitarra "Asturias". Mente che si piega!!!
Ora di solito la prima cosa che pensi quando senti la parola "improvvisazione" è estesa, assoli di chitarra indulgenti, 45 minuti di esperimenti a forma libera di Jazz Tuba e intellettuali in maglioni con collo polare nero che graffiano i loro pizzi! Dicendo che una volta sono andato a un concerto in cui il supporto era un ragazzo che suona una gomma per auto con una levigatrice elettrica per mezz'ora! Indossava un collo polare nero !! La verità è che scrivere una canzone è una forma di improvvisazione, lo fai mentre vai, creando qualcosa di nuovo che prima non esisteva. Questa creazione grezza viene quindi messa a punto, sistemata, prodotta e presentata come un pezzo finito al mondo.
Come può succedere quella scintilla iniziale di un'idea? Da dove proviene? Ancora più importante, quando arriverà, come possiamo sfruttarlo e modellarlo in qualcosa di significativo per l'ascoltatore mentre accade? Quando improvvisare questo processo avviene costantemente. Nuove idee e storie musicali nascono, suonate, abbellite, ridimensionate e scartate a favore di quelle ancora migliori a un ritmo allarmante. A volte stiamo raccontando una vecchia storia in un nuovo modo eccitante.
L'improvvisazione si trova nella maggior parte se non in tutte le culture. Di solito si presenta sotto forma di forme musicali tradizionali che sono state tramandate attraverso le generazioni che sono costantemente reinterpretate e improvvisate dalla nuova generazione di musicisti.
Un buon esempio di questo è Blues. La "forma" 12 "bar" è molto semplice nel concetto, ma allo stesso tempo armonicamente "molto" complessa. Gli stessi tre accordi e le semplici scale (pentatoniche) sono stati usati come base per quella che sembra una quantità infinita di variazioni melodiche e improvvisazioni. Lo stesso vale per i "Ragas" che sono una forma musicale indiana. Naturalmente ciò che rende uniche queste variazioni "quadro" sono le personalità e il talento degli artisti.
L'improvvisazione non è limitata agli strumenti convenzionali e può essere indulgere in uno o in un insieme di musicisti e sound designer desiderosi. I gadget elettronici e gli strumenti preparati sono sempre stati una grande fonte di sperimentazione e improvvisazione.
Un concetto interessante è composto dall'improvvisazione. Questo in cui la musica è scritta e notata in modo tale da essere lasciata all'interpretazione dei musicisti. Di seguito l'immagine di un pezzo di Joe Pignato. Il pezzo è descritto come "Una struttura grafica per qualsiasi numero di improvvisatori". Come puoi vedere non ci sono note scritte solo una timeline e un'indicazione di dove il suono dovrebbe verificarsi nello spettro di frequenze.
notations21.net
La cosa interessante è che, sebbene il pezzo abbia una struttura, non potrebbe mai suonare lo stesso due volte. Visto che non ci sono indicazioni su quali suoni dovrebbero suonare cosa, i musicisti si limiterebbero a improvvisare e prendere decisioni basate su ciò che pensavano funzionasse sonicamente.
Quando vai in un paese straniero ci sono due cose che ti confondono. Geografia e lingua. Questi sono anche i due principali ostacoli di essere in grado di esprimerti pienamente su uno strumento quando improvvisi.
Iniziamo con la geografia. Sapere dove sono le note sul tuo strumento è importante quanto sapere dove trovare cibo e acqua in un luogo sconosciuto. Per qualsiasi musicista, imparare la geografia del tuo strumento è una necessità di base. Avendo insegnato in un grande istituto di chitarra (e frequentato), la prima cosa che noti sono gli studenti che vengono travolti solo perché non sanno dove sono le note. Come insegnante è tuo dovere cercare di metterli in pratica, per alcuni però può rivelarsi troppo.
Essere in grado di visualizzare le note prima di suonarle (non importa se suoni il gamelan o lo stylophone) sia mentalmente che fisicamente mentre le rapportate teoricamente a una situazione musicale (l'armonia cioè Chords, Key) è 'utile', I lo metto leggermente! Questi strumenti visivi di solito assumono la forma di forme, schemi, diteggiature, ecc. Probabilmente non starai mai dicendo le note reali nella tua testa mentre le giochi, ma piuttosto inconsciamente posizionando le tue mani, bastoni, levigatrice elettrica nella posizione che conosci. fai il suono che vuoi sentire. Dicendo che se qualcuno chiama alcuni accordi come G7, F13 e C9 e non sai dove sono quelle note, tanto i 7 e i 13 questi strumenti non ti faranno molto bene dato che non avrai alcun punto di riferimento. Un po 'come usare un Sestante "dentro una nave".
Dicendo che puoi trarre conforto da queste parole. "Il tuo solo sempre un semitono lontano da una nota giusta".
Questo ci porta alla lingua e la musica è una lingua! Ecco l'accordo, quando parli usi la lingua per trasmettere un'idea a qualcuno. Non pensi coscientemente a come sono scritte le parole, la punteggiatura o quanti nomi e aggettivi usi, lo dici solo tu. Questo perché da quando siamo grandi abbastanza per parlare, hai costruito un vocabolario di parole e frasi e conversando con le persone ogni giorno. È semplicemente naturale.
Questo è esattamente ciò che accade suonando uno strumento. Più impari, giochi e fai pratica più il tuo vocabolario musicale diventa grande finché un giorno non avrai più bisogno di analizzare la lingua per trasmettere l'idea. Fluisce naturalmente. Un vocabolario musicale consisterà in una conoscenza delle scale, degli intervalli, degli accordi, delle frasi, degli stili, delle tecniche, delle sensazioni, dei tempi, delle dinamiche, dei toni ecc. Quindi li applichi alla consegna di un'idea musicale nello stesso modo in cui applichi le variazioni temporali , tono e dinamica alla lingua "parlata", usando la tua voce per migliorare il messaggio che stai trasmettendo. Semplice!
Le somiglianze tra musica e lingua parlata vanno avanti all'infinito. Essere un buon lister è importante, la capacità di rilevare cambiamenti nell'armonia e nella dinamica e rispondervi rapidamente è essenziale. Un orecchio comprensivo ti servirà bene. Hai anche saputo quando tenere la bocca chiusa!
Leggere il linguaggio del corpo. Una quantità incredibile di informazioni è passata quando parliamo attraverso il linguaggio del corpo. Anche tenere d'occhio e guardare altri musicisti è molto importante. Se un batterista ti annuisce, può significare una delle due cose. O dai un'occhiata alla bionda in prima fila o preparati qualcosa che succederà musicalmente. Di solito è il primo però!
Infine, i tempi o la punteggiatura. Non lo fai, (come posso metterlo?) Vomitare una storia sull'ascoltatore a 100 miglia all'ora senza respirare. Ti passo. Aggiungi pause, dinamiche e abbellisci le idee chiave per attirare l'ascoltatore in modo che vogliano ascoltare la storia fino alla fine! Lo stesso vale per l'improvvisazione e la composizione. Probabilmente il punto più importante qui è la storia, o l'idea che vuoi trasmettere. Il vocabolario è solo lo strumento utilizzato per comunicare l'idea!
Non devi leggere o scrivere fisicamente musica su carta per essere un bravo musicista o un improvvisatore. È una buona abilità avere però. Per lo meno, dovresti essere in grado di capire e comunicare le convenzioni di denominazione associate agli accordi e alle scale ed essere in grado di applicarle allo strumento. Ecco una conversazione per spiegare il mio punto.
Tu: "Ehi, ho questa ricetta (canzone) e ha bisogno di questo ingrediente (accordo), puoi prenderlo per me dal negozio? (Riprodurlo)"
Io: "Come si chiama questo ingrediente (accordo)?"
Tu: "Non sono sicuro."
Io: "Puoi descriverlo?"
Tu: "Ci proverò. (Armeggia per trovare una nota 'C') È giallo."
Io: "È una banana? (Do maggiore?)"
Tu: "No."
Io: "E 'un Melone (C 7)?"
Tu: "No, è un po 'aspro (un terzo minore forse?) Ma anche dolce (un 9 °?)."
Io: "E 'un limone (C min 9)?"
Tu: "No, in realtà è più dolce che aspro!"
Io: "E 'un pompelmo? (C7 # 9)"
Tu: "Sì, amico, è tutto"
Io: "Sei drogato?"
Come vedi, perderai un sacco di tempo cercando di spiegare un concetto musicale se non conosci la lingua. Un buon produttore di solito viene da un background musicale e saprà come parlare il gergo con i musicisti, in un ambiente di produzione non si può dire a un musicista di suonare più "melanzana" e aspettarsi che capiscano cosa intendi. In una situazione di blocco non puoi puntare su un tasto e aspettarti che il tastierista capisca cosa intendi perché non hanno tasti. Ecc ecc.
Quando usi il linguaggio scritto della musica (su carta) devi essere molto più consapevole dell'ortografia (nomi di note / accordi), punteggiatura (tempismo / dinamica) e grammatica (fraseggio) perché stai cercando di comunicare visivamente l'idea a qualcuno forse dall'altra parte del mondo senza dirlo. Se si scrive male, il lettore non sarà in grado di capirlo o interpretare erroneamente le proprie idee. Allo stesso modo, se ti presento con una semplice tabella di accordi in studio e ti chiedo di creare una parte basata su quegli accordi, sei in grado di identificare immediatamente ciò che vedi come un suono musicale? Ecco un grafico di esempio.
Riesci a sentire gli accordi? Riesci a vedere le forme degli accordi? Cosa succede se li voglio un'ottava più alta? Quali sono le note più importanti in ogni accordo? Quale scala va con ciascun accordo? Così tante domande! In molte situazioni di sessione / concerto la possibilità di creare parti da una tabella al volo è una pratica standard. A volte non c'è nemmeno un grafico, quindi devi lavorare velocemente gli accordi mentre ascolti e creare una parte adatta allo stile della musica lì e poi.
Fondamentalmente se vuoi uscire in "Musicland" è meglio imparare la lingua!
Quando inizi a suonare uno strumento, la prima cosa che vorresti fare è capire cosa ti ha ispirato a raccoglierlo. Per i chitarristi riff e lecca, per i batteristi un beat preferito. In effetti trascorrerai la maggior parte del tuo tempo da principianti lavorando su materiale di altre persone. Questo è probabilmente il modo migliore per imparare. Il problema è che a un certo punto arriverai a un punto in cui tutto ciò che puoi giocare è il leccamento di altre persone. E quando stai suonando ti basta ripetere tutte quelle leccate alla lettera e rapidamente a corto di energia.
Questo succede molto con i chitarristi che imparano tutto da TAB. Arriva a un punto in cui non sono in grado di pensare da soli, entrano in una trappola di imparare frasi avanzate a memoria invece di apprendere la teoria e le tecniche di base dietro di loro. La prima cosa che uno studente chiederà quando mostrerai loro una leccata è: "Puoi TAB per me?". Di solito la mia risposta è: "No, invece, spiegherò come l'ho inventato, da quale scala proviene, le tecniche che usa e come si relaziona agli accordi. In questo modo avrai la possibilità di andare via e fai le tue leccate per il resto della tua vita. "
Uno dei migliori consigli che posso darti è trovare un buon insegnante e imparare a orecchio. Il processo di formazione dell'orecchio e di trascrizione della musica è dolorosamente lento all'inizio, ma i premi sono fantastici. Insieme ad alcune teorie e tecniche insegnate da un buon insegnante che lavora a orecchio le cose diventeranno molto più semplici. Il vantaggio è l'identificazione di scale, accordi e frasi all'orecchio è essenziale per l'improvvisazione. Ricorderai anche qualcosa per cui hai lavorato molto meglio di qualcosa che è venuto gratuitamente. Se stai cercando di elaborare un assolo e puoi capire quale chiave è, quali sono gli accordi e quali scale (e posizioni) vengono utilizzate insieme al suono delle tecniche per "orecchio" a metà strada c'è già!!
Improvvisare è una forma d'arte, senza dubbio. Può essere necessario molto, molto tempo per farcela. Anche se giochi da un certo numero di anni, alcuni giorni saranno buoni e altri andranno male. Non importa quale strumento, oggetto o 'software' giochi a imparare ad improvvisare è un ottimo modo per divertirti e migliorarti come musicista. Ti aiuterà a uscire da situazioni difficili e imparerai sempre qualcosa da esso. Se vuoi semplicemente fare jam con i tuoi amici, probabilmente avrai bisogno solo di una conoscenza di base degli accordi e di alcune scale da lavoro come Pentatonic e Major / Minor ecc. Se desideri portarlo avanti, c'è una vita di studio prima di te. In ogni caso, divertiti e diventa creativo!
Il tuo cervello è una macchina veloce, un po 'come un processore mega Intel Xeon 100.000 da 10.000 GHz (sebbene le prestazioni possano variare su alcuni modelli). Con la programmazione corretta, il tuo cervello è in grado di consentire la creazione di nuovi ed eccitanti suoni, melodie, armonie e ritmi tutti in tempo reale! Senza gli strumenti per catturare questi eventi improvvisati unici scompariranno nell'etere senza lasciare traccia di non essere mai più ascoltati, vivendo solo nei ricordi di coloro che li hanno visti. Questo processo musicale sta accadendo in tutto il mondo, proprio mentre leggi questo. E lo farò fino alla fine dei tempi!
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