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Nella mente di molti musicisti, la produzione musicale è una sorta di magia o cuccetta sopraffatta. Anche se è vero che sia una possibilità, la maggior parte delle volte il lavoro di un produttore si riduce al duro lavoro, all'esperienza, alle buone orecchie e alla sensazione reale di ciò che fa funzionare la musica. Questa serie sulla produzione musicale si basa sul mio nuovo libro, The Music Producer's Handbook, in cui descriverò alcune tecniche di produzione di base e spero di rimuovere il velo di mistero dal processo. Siate consapevoli del fatto che guarderemo il rapporto di un produttore con una band o un artista con una band di supporto o musicisti da studio. Affronteremo l'autoproduzione più avanti nella serie.
La pre-produzione è il momento in cui tutte le canzoni e gli arrangiamenti vengono elaborati e affinati prima di entrare nello studio per registrare. Può svolgersi in un garage, in una camera da letto o in una sala prove e può durare da un minimo di un giorno a un paio di mesi.
Un lungo programma di preproduzione è in genere una funzione di lavorare con artisti o gruppi che scrivono le proprie canzoni e sono all'inizio della loro carriera poiché le canzoni e gli arrangiamenti richiedono talvolta una buona dose di ritocchi. Artisti e gruppi musicali più avanti nella loro carriera di solito hanno un maggior senso di arrangiamento e esecuzione musicale, e sono diventati abbastanza sofisticati musicalmente da mantenere la fase di pre-produzione al minimo come risultato.
Non c'è quasi mai una pre-produzione per spot pubblicitari e colonne sonore o televisive, dal momento che il compositore ha un arrangiamento abbastanza ben elaborato in anticipo e i musicisti sono abbastanza abili da imparare o leggerlo sul posto.
Se c'è abbastanza tempo, la pre-produzione viene interrotta in tre sezioni: prima, durante e dopo le prove. Ognuno gioca un ruolo importante nel processo di preparazione dell'artista o della band per la registrazione effettiva.
Prima che inizi la prima prova, il produttore di solito ha bisogno di tempo per conoscere l'artista o la band, e viceversa, se non si conoscono già bene. Ci deve essere un periodo in cui si sviluppa un rapporto e un livello di comfort per far sì che le cose vadano bene nello studio, e la pre-produzione è il momento in cui ciò accade.
Uno degli aspetti più importanti di conoscere un artista è imparare quale musica ama, è stata influenzata e sta ascoltando ora. Un modo efficace per fare questo ha le sue radici nei giorni degli album di dischi in vinile, quando il produttore andava a casa dell'artista e faceva gettare un mucchio di album dalla loro collezione sul pavimento, e poi descriveva cosa gli piaceva e non lo faceva Mi piace di ognuno di loro. Puoi sempre fare la stessa cosa con i CD, o usare un telefono, un iPod o una playlist di iTunes (senza il lancio, ovviamente). Tra le domande da porre potrebbe essere:
Cosa ti piace o non ti piace dell'artista che stai ascoltando? Perché?
Ti piace il suono della registrazione? Perché?
Di quali registrazioni ti piace il suono? Perché?
Quali sono alcuni dei tuoi dischi preferiti? Perché?
Quali sono le tue più grandi influenze? Perché?
Cosa ti piace del mio lavoro (il produttore - se hai già un bel po 'di lavoro)? Perché?
Queste domande danno al produttore una comprensione delle influenze, simpatie e antipatie dell'artista, che poi danno al produttore un'idea migliore di ciò che l'artista o la band ha bisogno di sentire la loro registrazione imminente.
È anche importante andare a cena insieme, uscire e dare un'idea di alcuni dei problemi dei pulsanti. Ad esempio, se il cantante si sente fortemente a favore dell'immigrazione (in entrambi i casi), o lo stato dell'attuale politica locale o nazionale scatena una rivolta tra i membri della band, il produttore allora sa di stare lontano da questi problemi al fine di ottenere un lavoro efficace più tardi durante la produzione. Se la ragazza del batterista ha appena rotto con lui e si sente piuttosto depresso, è bello sapere di non avvicinarsi all'argomento se vuoi ottenere una grande prestazione. D'altra parte, forse otterrai una performance ancora migliore se il soggetto è presente, quindi questo è il momento di scoprire quale strada da percorrere.
Mentre il produttore può schierarsi dalla parte dell'artista o dalla politica della band, o può dare a un grande fratello una mano per aiutare un giocatore depresso al momento giusto a portare avanti il progetto, l'idea è di mantenere la band focalizzata sul compito, che sta facendo un'ottima musica. Ciò significa mantenere le distrazioni al minimo, specialmente quelle che si autoinfliggono, come le polemiche su cose diverse dalla musica.
Un'altra cosa importante per lo sviluppo del produttore è un insieme di regole fondamentali per lavorare in studio durante la preproduzione. Se il produttore dice in anticipo, "Lavoreremo da mezzogiorno fino alle 21:00 tutti i giorni, a meno che non si vada a gonfie vele, ma prometto che sarai a casa entro la mezzanotte", i giocatori tendono a rimanere più concentrati perché sanno cosa è aspettato da loro e per quanto tempo (il tempo di lavoro cambierà secondo l'artista, ovviamente). Quando una routine viene impostata prima della mano, fa una grande differenza nella preparazione quotidiana dei giocatori, anche dove sono più propensi ad arrivare in tempo perché l'ora di inizio è la stessa ogni giorno. Questo aiuta anche se qualcuno dei giocatori ha una famiglia, dato che dà loro una certa normalità nelle loro vite mentre lavora.
Ovviamente, se il cantante riesce a gracchiare solo fino alle 17, in quel momento la sua voce si apre magicamente a quella di un angelo, il produttore deve essere abbastanza intelligente da non programmare alcuna sessione vocale durante quel periodo. E questo fa parte di ciò che fa la preproduzione - consente al produttore di imparare i punti di forza e le peculiarità dei giocatori per ottenere il massimo quando conta.
Le regole di base di solito si estendono oltre il momento iniziale e finale. Gli ospiti sono i benvenuti in studio? Se sì, quando? Sono ammessi alcol o droghe (di solito non è una buona scelta)? Un membro della band deve essere presente se non sta giocando (come durante le sovraincisioni)? Queste sono solo alcune delle cose da risolvere e il momento per farlo è durante la pre-produzione.
Il vero e proprio sollevamento pesante della pre-produzione viene fatto durante le prove. Puoi diventare amico con l'artista o la band e puoi capire le loro stranezze, i pulsanti rapidi, i Mi piace e le Non mi piace, ma devi ancora fare in modo che la musica sia abbastanza in forma da registrare, e ciò può accadere solo durante le prove. Questo è in realtà un processo a tre fasi suddiviso nelle canzoni, negli arrangiamenti e nell'esecuzione della performance. Diamo un'occhiata a ciascuno.
Tu (il produttore) probabilmente stai ascoltando demo o prove di prove registrate delle canzoni precedenti alle prove iniziali, ma non sai mai quale tipo di forma sono in loro finché non le senti per davvero, e questo significa che a un mostra o durante le prove.
Se le canzoni sono costruite bene, lo stato di preparazione delle canzoni per la registrazione dipende dalle modalità e dall'esecuzione di tali accordi. Se una canzone manca di forma o è incompleta, spetta al produttore aiutare lo scrittore a frullarlo in una forma migliore, o trovare una canzone alternativa.
Anche se la scrittura di canzoni è di per sé un processo troppo complesso per coprire in modo approfondito questo post, qui ci sono un paio di problemi di songwriting comuni alla ricerca di:
No Focus - Ciò significa che la canzone si snoda da una corda all'altra senza una struttura apparente e senza una chiara distinzione tra le sezioni. Questo è il risultato di non affinare abbastanza la canzone (o del tutto) e di pensare che sia finita prima che sia il momento. A volte c'è davvero una canzone lì dentro se la rimpicciolisci un po ', ma di solito l'unico modo per sistemarlo è tornare al tavolo da disegno per una grande riscrittura.
Un coro debole - Un coro che è interessante di solito è diverso dal verso. Potrebbe essere solo un po 'diverso, come aggiungere una voce di fondo o un altro strumento, o un accento o un'anticipazione agli stessi cambi di accordi e melodia (come quella di Michael Jackson Non fermarti finché non avrai abbastanza con il pad delle corde e il riempimento di corno, o dei Coldplay orologi con un ritorno del riff di apertura). O sarà molto diverso, come un diverso set di cambi di accordi o melodia combinati con cambiamenti di arrangiamento come Vertigine da U2. In entrambi i casi, qualcosa deve cambiare nel coro per sollevare l'energia e mantenere la canzone memorabile.
Nessun ponte - Nella scrittura di canzoni, un bridge è un interludio che collega due parti della canzone, creando una connessione armonica tra quelle parti aumentando o diminuendo la tensione. Un bridge è importante perché fornisce una qualità di base che si trova in tutte le forme d'arte: tensione e rilascio (nella musica che va dal forte al calmo o silenzioso al forte, nella pittura passando dai colori scuri ai colori chiari, nella fotografia sarebbe luce nelle ombre, ecc.), per mantenere le cose interessanti. Quasi ogni grande canzone ha un ponte, ma ci sono eccezioni occasionali. Le canzoni che si basano sul blues a 12 barre diritte spesso non hanno bridge ma potrebbero utilizzare la dinamica o l'arrangiamento per fornire tensione e rilascio.
Indipendentemente dal numero di brani che pianifichi di registrare, di solito vuoi avere una canzone in più o due in tasca per un paio di motivi:
Forse tutto ciò che riguarda la sessione sarà magico, la band suonerà meravigliosa, e l'esecuzione sarà così precisa da bruciare le canzoni che vuoi fare e avere un po 'di tempo in più. Questo non accade quasi mai, ma se lo fa è bello poter sfruttare la striscia calda e avere una canzone in più o due pronti a partire.
Una delle canzoni non sembra così bella, non importa quello che fai. La sensazione non è giusta, il solco è sparito, la temperatura è fuori dalla finestra - succede, quindi è meglio passare a qualcos'altro, che può accadere solo se hai qualcosa in più preparato.
In un certo senso è più facile imparare a conoscere gli arrangiamenti guardando prima a ciò che è cattivo. Non importa che tipo di musica sia, dal rock alla country, dal goth al rock-billy fino alla musica spaziale aliena, vuoi che la canzone sia interessante per il tuo pubblico particolare, quindi fai attenzione a quanto segue:
Sezioni troppo lunghe - A meno che tu non sia estremamente bravo o faccia uno stile musicale in cui questo non si applica, l'idea è di mantenere tutte le parti interessanti e al punto. Due introduzioni di un minuto, assoli di chitarra di tre minuti e outros di cinque minuti sono quasi sempre noiosi, quindi lo sei sempre meglio avere una sezione troppo corta piuttosto che troppo lunga. Ci sono delle eccezioni (il classico di Lynard Skynard Uccello libero, con le sue lievi variazioni di arrangiamento, calci e accenti ogni 16 battute, mi viene in mente), ma di solito richiede molta abilità di arrangiamento per rimuoverlo.
Nessun gancio Intro / Outro - Se parliamo di musica popolare moderna (non jazz o classica), la maggior parte delle canzoni ha una linea strumentale (o un gancio) che sentirai all'inizio della canzone, forse di nuovo nel ritornello, e in qualsiasi momento il intro ripete nella canzone. Un ottimo esempio potrebbe essere il riff di chitarra di apertura a Stone's Soddisfazione o il pianoforte nei Coldplay orologi. Lo sviluppo di intro / outro hooks è uno dei principali lavori che affronta sempre il produttore.
Strumenti che si scontrano - Se troppi strumenti suonano nella stessa gamma di frequenze, si scontreranno. Questo è generalmente visto quando ci sono due chitarristi che suonano simili (entrambi hanno Strats e Marshalls, ad esempio), ma possono capitare tra due strumenti. È compito dei produttori cambiare il registro, cambiare la parte, cambiare la linea o cambiare il suono per rendere tutto in ordine.
Canzoni fuori portata per il cantante - Ammettiamolo, alcune canzoni scritte su e per chitarra suonano meglio suonate in A o E, ma ciò non significa che il cantante possa effettivamente cantarle in quei tasti. È compito del produttore assicurarsi che la canzone sia nella chiave che fa brillare il cantante, ma non rubare la canzone della sua essenza o suono (a volte un ordine alto).
Puoi avere grandi canzoni e arrangiamenti fantastici, ma se non riesci a eseguire la performance, non suonerà ancora bene. È inevitabile che il produttore si trovi di fronte al problema "Perché questa canzone (o parte della canzone) non suona bene?" Forse si sentirà bene in una prima prova e non altrettanto bene nella prossima. Forse suona alla grande tranne per una sezione. Forse non è mai sembrato grandioso ma pensi che la canzone abbia qualcosa di speciale e sia disposto a passare il tempo a elaborarlo.
Mentre la musica è costruita attorno al valore elusivo del "sentire", che può essere molto difficile da definire, ci sono alcune meccaniche che determinano quanto sia rigorosamente suonata la musica, e per mancanza di un termine migliore, come suona "grande". Questi principi si applicano a qualsiasi tipo di musica, dalla banda musicale al deep house al reggaeton per accelerare il metal, i principi sono tutti uguali. Se qualcosa non suona "bene", probabilmente è dovuto a uno dei seguenti.
Giocare con la dinamica significa suonare con meno intensità in certi punti di una canzone, e più forte o con maggiore intensità in altri luoghi. La maggior parte delle giovani band è ignara delle dinamiche e suona a un volume durante l'intera canzone (o tutte le canzoni, se è per questo), che può diventare noioso per l'ascoltatore molto rapidamente. Se la band suona la canzone in modo dinamico, la canzone respira in senso volumetrico. Passare da forte a calmo o silenzioso a forte è un altro esempio di "tensione e rilascio".
Il vero segreto per giocare in modo dinamico è questo: Quando suonate ad alta voce, suonate il più forte possibile, e quando suonate piano piano, suonate il più dolcemente possibile, quindi cercate un terzo livello nel mezzo!
Per un grande esempio di dinamica, ascolta Odora di spirito di squadra dal Nirvana dove i versi sono tranquilli, i pre-cori sono più forti, ei cori appena ruggiti.
Ci sono tre parti per il timing che, se non eseguite allo stesso modo da ogni membro della band, rendono il suono del brano sciatto: la canzone inizia e si ferma, il groove, e attacca e rilascia. Diamo un'occhiata a ciascuno.
La canzone inizia e si ferma (inizi e finali) - Puoi chiamare la canzone inizia e blocca "inizio e fine" tranne per il fatto che a volte ci sono fermate e inizia nel bel mezzo di una canzone. Il trucco qui è assicurarsi che tutti inizino e interrompano la canzone allo stesso tempo. Questi non possono essere lasciati per dopo, o trattati con un atteggiamento "Sarà meglio in studio". Prova ogni inizio e fermati fino a quando tutti sono bloccati e lo sanno come il palmo della mano! Se continua a non suonare dopo cinque o sei tentativi, chiedi a ciascun membro della band, "Come stai suonando?". Come nel caso della maggior parte delle cose che non si bloccano, c'è almeno un giocatore che può giocare le cose in modo leggermente diverso dal resto. Indipendentemente da come inizia o finisce la canzone, tutti devono giocare allo stesso modo, senza eccezioni.
Il solco - TUTTA la buona musica, indipendentemente dal fatto che sia Rock, Jazz, Classica, Rap o qualche nuova musica spaziale che non abbiamo ancora sentito, ha un forte groove. Hai sempre sentito parlare di "il solco", ma che cos'è?
Il groove è il polso della canzone e come gli strumenti respirano dinamicamente con esso.
Un malinteso comune di un groove è che deve avere un tempo perfetto, ma un solco è creato dalla tensione contro il tempo pari. Ciò significa che non deve essere perfetto, giusto, e tutte le prestazioni non devono avere la stessa quantità di "uniformità". In effetti, rende il groove rigido se è troppo perfetto. Questo è il motivo per cui la quantizzazione delle parti e l'allineamento di ogni hit in una workstation quando si registra frequentemente prende vita da una canzone. È troppo perfetto perché non c'è tensione. Ha perso il suo solco.
Avere la sezione ritmica al ritmo del resto della band è molto più difficile di quanto si possa pensare dato che i chitarristi non sempre ascoltano il batterista, un tastierista può avere un tempo metronomico ma ha difficoltà a coordinare la sua mano sinistra con il il bassista e i cantanti spesso dimenticano che dietro di loro c'è una band che suona. La chiave è che tutti i membri della band si ascoltino a vicenda!
Attacchi e rilasci - Attacchi e rilasci (a volte chiamati "articolazioni") sono uno degli elementi più trascurati, ma anche più importanti, nel giocare insieme. Gli attacchi e le uscite di solito si riferiscono a una frase che stai suonando o cantando. La parte di attacco è semplice: tutti iniziano a suonare o cantare esattamente allo stesso tempo allo stesso modo. Le versioni sono ciò che è trascurato. Una versione è come si termina una frase ed è importante quanto il modo in cui lo si avvia. Ancora una volta, tutti devono giocare esattamente allo stesso modo.
Un'altra porzione spesso sottovalutata di una canzone che deve essere stretta è il turnaround tra le sezioni, come l'una o due battute tra il verso e il ritornello, il coro e il verso, il verso e l'outro, il coro e il bridge, ecc. Questa parte richiede un sacco di focus perché di solito è giocato in modo leggermente diverso dal resto della sezione. Per il batterista, di solito si tratta di un tom o snare roll nella sezione successiva, ma a meno che non si tratti di una build, la maggior parte dei giocatori che non hanno esperienza nella registrazione a volte giocheranno in modo casuale qualcosa sul rotolo. Questo non funzionerà perché troverai che un inversione di rotta richiede una linea precisa che deve essere giocata per rimanere stretta con la batteria.
Ogni canzone ha bisogno del tempo perfetto per suonare. Una delle cose che scopriamo presto quando si fanno i dischi è che un solo BPM (battito al minuto) può fare una grande differenza nel modo in cui una canzone si sente. Solo un po 'lento e la canzone sembra trascinare; un po 'veloce e si sente a disagio o diventa difficile da giocare. Pertanto, è molto importante stabilire il BPM ideale della canzone prima di registrarla.
Non importa quanto le prove di preproduzione sembrino andare, è molto importante fare una registrazione demo di pre-produzione, preferibilmente da qualche altra parte oltre al vostro spazio di prova, perché non si sa mai veramente cosa sta suonando un giocatore fino a quando non viene registrato. Inoltre, è importante portare la band fuori dal suo ambiente di prova sicuro e confortevole in modo che sappiano che quando le cose suonano in un nuovo ambiente (come faranno), non è necessariamente una cosa negativa.
La demo di preproduzione non deve essere costosa e non richiede molto tempo. Infatti, più economico e veloce, meglio è. Quello che stai cercando di imparare è quanto stanno giocando tutti insieme e se gli arrangiamenti e le strutture delle canzoni funzionano davvero, quindi un paio di passaggi di ogni canzone al massimo è tutto ciò che è necessario a meno che non ci sia un grave disastro ferroviario. Gli errori di performance vanno bene, a patto che tu possa ascoltare la forma completa della canzone, e non preoccuparti delle sovraincisioni o delle sovrapposizioni, ad eccezione di una rapida analisi per verificare un'idea. La perfezione non è l'obiettivo della demo, sono informazioni sulla struttura della canzone, sulla disposizione e sulle singole parti.
Dopo aver ascoltato la registrazione (anche solo ascoltando le riproduzioni durante la registrazione), dovrebbe essere evidente ciò che deve essere corretto o migliorato, che dovrebbe avvenire in un altro giro di prove. Aiuterà anche i giocatori mentre ascoltano quello che stanno giocando contro tutti gli altri. Non è raro ascoltare commenti come "Non sapevo che lo stavi suonando così" durante la riproduzione.
L'idea alla base di tutto questo è di ridurre le parti in modo che la registrazione reale sia fatta in modo efficiente senza sorprese ei giocatori devono solo concentrarsi sulle loro prestazioni invece di dover imparare nuove parti. Molte volte, quando un giocatore impara la nuova parte in studio, la sua performance ha sofferto così tanto che ci vuole una sessione aggiuntiva solo per catturare una grande performance. La pre-produzione, si spera, lo elimina.
Nel prossimo post, daremo un'occhiata a lavorare con un artista o una band in studio.
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