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la sua serie sulla produzione musicale si basa sul mio nuovo libro, The Music Producer's Handbook, in cui descriverò alcune tecniche di produzione di base e, auspicabilmente, fornirò alcuni dettagli sul processo che toglie qualche mistero. Siate consapevoli che questa parte della serie guarda al rapporto tra un produttore e una band, o un produttore con un artista con una band di supporto o musicisti da studio. Affronteremo l'autoproduzione più avanti nella serie.
Nella terza parte vedremo uno degli elementi più critici dell'essere un produttore: ottenere le migliori performance dall'artista e dai musicisti.
È importante che un produttore si interfaccia correttamente con l'artista perché il successo di qualsiasi progetto dipende da una collaborazione facile ed efficiente. Detto questo, a volte individuando solo chi è "l'artista" su un progetto non è così facile come si potrebbe pensare.
Di solito è abbastanza ovvio chi sia l'artista (o il leader musicale di una band) quando si tratta di una data di registrazione o demo, ma ci sono molti altri concerti di produzione musicale in cui l'artista è un'entità leggermente diversa. Se si tratta di una data jingle, ad esempio, il compositore o chiunque dall'agenzia pubblicitaria può essere visualizzato alla stessa luce di un artista, e se si tratta di un film o di un appuntamento televisivo, il regista, il produttore (i), i supervisori della musica , i dirigenti dello studio o uno dei loro rappresentanti dovrebbero essere considerati anche artisti.
Indipendentemente dal tipo di progetto, è meglio mostrare sempre un rispetto calmo e amichevole verso l'artista. Durante la registrazione, sei una risorsa preziosa per il loro processo creativo e di business, e di solito sono considerati almeno un pari e una figura o un insegnante genitoriale al massimo. Durante il tuo tempo coinvolto nella sfera di attività quando fai il disco, abiti l'universo musicale, professionale e sociale dell'artista come un incrocio tra un ospite d'onore e un partner nella loro impresa musicale.
Una volta che un artista inizia a fidarsi di te a livello musicale, quella fiducia può trasferirsi anche a livello personale. È facile diventare un confidente poiché il legame intimo tra te (il produttore) e l'artista cresce, ma potrebbe esserci il pericolo di avvicinarsi troppo. È facile che le questioni personali interferiscano con la musica e, mentre il produttore deve occuparsene, è facile per il focus spostarsi dalla musica se il produttore è troppo coinvolto. Molti produttori sono attenti a stabilire dei confini che consentano loro di rimanere concentrati sul lavoro a portata di mano e di impegnarsi solo nelle questioni private dell'artista se ha un impatto negativo sulla musica.
Per quanto riguarda tutte le interazioni tangenziali che possono verificarsi in una sessione, considera anche un "artista" chiunque sia associato all'artista (come un coniuge, un familiare, un fidanzato o una fidanzata, ospite, autista, assistente personale o collaboratore). Mentre è facile liquidare queste persone come non importanti per il processo di produzione, trattarle con leggerezza può portare il disprezzo dell'artista su di te!
Anche se un musicista è completamente a suo agio nel suo ambiente, ci sono cose che puoi fare per aiutarlo a portare la sua performance ad un altro livello. A meno che non abbiano già molta esperienza in studio, la maggior parte dei musicisti può essere molto consapevole di ciò che sta suonando, specialmente dopo aver ascoltato una riproduzione che scopre alcuni difetti di cui fino a quel momento non erano a conoscenza. È importante che la loro fiducia non venga contrassegnata e spetta direttamente a te impedire che ciò accada. Ecco alcuni trucchi che ti aiuteranno.
Una delle cose più difficili nel fare un disco è cercare di registrare un cantante a disagio. Anche un professionista esperto a volte non può fare del suo meglio a meno che le condizioni siano giuste. Considera alcuni di questi suggerimenti prima e durante una sessione vocale.
Mentre i giocatori esperti in studio possono tagliare una grande traccia senza una guida o una voce "graffiante", quasi ogni giocatore preferirebbe avere uno contro cui giocare. La guida vocale non solo funge da spunto per alcune sezioni della canzone, ma aggiunge al groove e alla sensazione che aiuta un giocatore a esibirsi al meglio. Uno degli altri vantaggi è che il cantante può anche dare indicazioni e promemoria ai giocatori mentre la canzone avanza.
Non ci sono regole particolari per una voce graffiante. Ad alcuni cantanti non importa di essere in una cabina vocale mentre eseguono una voce graffiante, ma quasi tutti i cantanti vogliono essere in grado di vedere tutti i giocatori durante una canzone poiché non amano sentirsi scollegati dal resto della band. Di conseguenza, molti cantanti preferirebbero effettivamente essere nella stanza con gli altri giocatori. La traccia scratch non suonerà così bene in quella situazione a causa della perdita (principalmente a causa di perdite dalla batteria), ma se aiuta le prestazioni della band e del vocalist, è quello che vuoi fare.
Molti cantanti, produttori e ingegneri solisti possono prendere alla leggera un graffio vocale poiché sarà rifatto in un secondo momento in condizioni migliori, ma il produttore intelligente è sempre pronto nel caso in cui accadesse magia che non può essere ricatturata di nuovo. Tratta seriamente questa voce perché non sai mai quando potresti catturare un fulmine in una bottiglia e finirà per essere un custode.
C'è stato un tempo negli anni '70, quando alcuni progetti ad alto budget avrebbero impiegato un'intera settimana solo per ottenere il giusto suono del rullante. Mentre avrebbero potuto raggiungere il nirvana musicale del rullante musicale, il 99,9999% delle sessioni deve muoversi più velocemente di così, e dovrebbero farlo. Maggiore è il tempo che trascorri prima della registrazione, minore è il tempo che passerai effettivamente a registrare da quando l'attenzione dei giocatori diminuisce in proporzione al tempo impiegato per ottenere i suoni. Sebbene tu voglia che le cose suonino il più bene possibile, una traccia dal suono scadente con una grande vibrazione è molto più utilizzabile di una traccia ben registrata, ma musicalmente stantia.
Tuttavia, ottenere i suoni è un male necessario nella registrazione e almeno un po 'di tempo deve essere assegnato per il compito. Un buon produttore sa quando andare avanti quando impiega troppo tempo e l'ingegnere sta solo cercando di comporre il 5% finale del suono, o sapere quando continuare quando il suono non funziona davvero.
Ottime tracce derivano dalla concentrazione del partecipante e dal comfort dei giocatori. Sebbene i comfort ambientali siano utili, un giocatore suonerà o canterà il meglio di sé quando si sente bene e nella giusta proporzione con gli altri giocatori o cantanti. Ecco perché il mix di cuffie (a volte chiamato "cue") è così importante.
Forse il maggior danno a una sessione senza intoppi è l'incapacità per i giocatori di sentirsi comodamente in cuffia. Questo è uno dei motivi per cui gli ingegneri veterani dedicano così tanto tempo e attenzione allo spunto e ai telefoni stessi, invece di lasciare che un assistente lo faccia. In effetti, un sicuro segno di uno studio neofita sta trattando le cuffie e il cue mix come un ripensamento, invece di spendere tutto il tempo necessario per farle suonare alla grande. Mentre è vero che un veterano in studio può scrollarsi di dosso un mix telefonico cattivo o distorto e offrire comunque prestazioni eccellenti, buone "lattine" rendono la sessione più semplice e veloce, e prende una variabile che è probabilmente il maggior danno a una sessione fuori dall'equazione.
La traccia di click, o la registrazione mentre si ascolta un metronomo, è diventata un fatto di vita nella maggior parte delle sessioni in questi giorni. Non solo si suona meglio con un tempo di esecuzione regolare, ma rende possibile e semplice l'editing di copia e incolla tra le esecuzioni in una DAW. Avere una traccia basata su un clic rende anche più facile il ritardo e il tempo di riverbero durante il missaggio.
Giocare a un clic può presentare una serie di problemi, ad esempio la perdita del clic nei microfoni e il fatto che alcune persone non riescono a giocare a un tempo costante per salvare le loro vite. Detto questo, la maggior parte dei giocatori oggi viene riprodotta giocando con un clic o un loop, quindi il problema diventa quindi quello di aiutare il giocatore a sentire il clic più di ogni altra cosa.
Molte volte solo fornire un metronomo nei telefoni non è sufficiente. A che serve un clic se non riesci a sentirlo o, peggio ancora, non riesci a crearlo? Ecco alcuni trucchi per rendere il clic non solo ascoltabile, ma anche per tagliare i mix più densi e sembrare un altro strumento anche in pista.
Per ottenere le migliori prestazioni, devi mantenere i giocatori costantemente concentrati, e il modo migliore per farlo è che un produttore gestisca bene la sessione.
Portare i giocatori nella sala di controllo per ascoltare una riproduzione può essere distruttivo o essere utilizzato per rafforzare strategicamente lo slancio della sessione. Se i giocatori ascoltano una riproduzione dopo ogni take, l'energia rallenta mentre i giocatori si depositano nella sala di controllo e poi si ritirano in seguito. Anche se i giocatori ascoltano una riproduzione attraverso i loro telefoni, lo slancio può essere interrotto. Di solito ci vuole un minuto o due finché non si sentono di nuovo a loro agio, il che può portarti più lontano dal take perfetto piuttosto che più vicino.
Uno dei modi migliori per ottenere il tuo punto di vista e mantenere alta l'energia è di essere selettivi nelle riproduzioni della sala controllo. Di solito è meglio mettere i giocatori in ascolto dopo la prima coppia e tutti sono al punto di sentirsi a proprio agio con il suono e lo studio. A quel punto, possono ottenere un punto di riferimento per dove sono ora e dove devono andare. Non riportarli nella sala di controllo finché non hanno quello che potrebbe fare un guardiano o se un altro ascolto li aiuterà a giocare meglio. Un numero inferiore di viaggi nella sala di controllo contribuirà a mantenere alta l'energia e ad andare avanti.
Una delle migliori abilità che un produttore può sviluppare è determinare quando è il momento di fare una pausa. A volte una pausa di dieci minuti può pompare nuova energia in una sessione di battitura, quindi il produttore deve sempre tenere il dito sul polso dei giocatori per valutare la loro concentrazione. Il pericolo è che tu chiamerai una pausa proprio come i giocatori stanno entrando in un groove e sarà difficile recuperarlo dopo la pausa, ma di solito i giocatori ti diranno che vogliono andare avanti, o che lo faranno conferma che è necessaria anche una pausa. Di solito è meglio calcolare una pausa almeno ogni tre ore circa, a seconda di come la sessione sta procedendo.
Le pause per la cena possono essere pericolose in quanto devono essere maneggiate con cura in modo da poter riportare i giocatori in un solco in seguito. Se la pausa è troppo lunga, potrebbe essere necessario un tempo ugualmente lungo affinché i giocatori riprendano la loro attenzione. Lo stesso vale se consenti loro di lasciare lo studio per mangiare da qualche altra parte, motivo per cui è sempre meglio portare del cibo. Uno dei maggiori problemi da evitare è un pasto abbondante, poiché la normale digestione rallenta naturalmente l'abilità del giocatore concentrarsi in seguito. Mantenere il tempo di pasto breve, le porzioni piccole e non permettere assolutamente alcolici, in modo che tutti rimangano freschi e la sessione sia mantenuta in pista.
Ai tempi in cui la maggior parte della musica è stata registrata negli studi commerciali, tutto ruotava attorno al "blocco" di 12 ore. Ciò significa che, mentre ti fanno pagare per 12 ore, nessun altro può usare lo studio per gli altri 12, quindi tutto l'attrezzatura del musicista e il cambio nella sala di controllo possono rimanere installati.
Con l'87% della musica proveniente da studi personali in questi giorni, rimanere aggiornati non è tanto un problema, ma la mentalità che puoi giocare per tutto il tempo che vuoi può effettivamente giocare pesantemente sulla coscienza della sessione. Se stai pagando per una giornata di 12 ore in uno studio commerciale, non è raro voler ottenere ogni minuto di valore rimanendo nello studio a lungo oltre il punto di burn-out. Questo può essere controproducente nel suo insieme dal momento che il burn-out tende a raggiungere tutti in tutti i successivi giorni di registrazione, rendendo sempre più difficile concentrarsi e rendere sempre più breve il tempo utile in studio. Se non stai pagando per il tempo, è facile sentirsi deficienti sul tempo e rimanere ben oltre il punto di ogni lavoro produttivo.
I professionisti dello studio hanno scoperto che è meglio mantenere le giornate a 8 o 9 ore ragionevoli, superandole solo se sei davvero vicino a qualcosa di eccezionale e tutti vogliono continuare, o una scadenza incombente. Uno dei principali compiti del produttore è rilevare quando il punto di burn-out è stato raggiunto e chiamare la fine della sessione in quel momento.
Sapere quando hai le tracce del detentore di cui hai bisogno per fare un grande record è una delle valutazioni più difficili da fare per un produttore. Durante il tracciamento di base, il massimo è una prestazione impeccabile con un grande groove e tanta sensazione, ma raggiungere tutti e tre gli attributi è molto elusivo. Sappi che con un tempo sufficiente e una quantità sufficiente di prese, la presa perfetta è a portata di mano. Non è insolito fare dozzine di riprese fino a quando non appare quello perfetto (il simbolo di Jimi Hendrix All Along The Watchtower era Take # 28).
Ma a volte è meglio determinare che, mentre la traccia non è perfetta, hai abbastanza da lavorare. Puoi tagliare e incollare più take insieme per ottenere ciò che ti serve? Dovresti passare a un'altra canzone e tornare più tardi a questa canzone per un altro tentativo? Ancora una volta, chiunque ti stia pagando avrà dettato le sue esigenze prima ancora di aver iniziato a monitorare. Se il tuo compito è ottenere un certo numero di canzoni terminate entro un certo periodo di tempo, allora potresti dover accontentarti di alcune esibizioni per rispettare la scadenza. Se il tuo lavoro è quello di ottenere il miglior prodotto possibile, allora potresti buttare il calendario e il budget fuori dalla finestra.
In entrambi i casi, il tracciamento di base può essere completato in poche ore (come nel caso della registrazione di un progetto jazz lineare) o può continuare per mesi o addirittura anni (come una band legacy di grosso budget), ma dipende dal produttore per rendere la chiamata che la missione di catturare esattamente ciò che è necessario per questa fase di registrazione è stata compiuta.
Il prossimo mese esamineremo il processo di sovraincisione.
Accentsconagua