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La produzione musicale è un lavoro spesso frainteso da tutti tranne il produttore, o sottovalutato nella portata di ciò che il lavoro comporta. Questa serie sulla produzione musicale si basa sul mio nuovo libro, The Music Producer's Handbook, in cui descriverò alcune tecniche di produzione di base e spero di rimuovere il velo di mistero dal processo. Siate consapevoli del fatto che guarderemo il rapporto di un produttore con una band o un artista con una band di supporto o musicisti da studio. Affronteremo l'autoproduzione più avanti nella serie.
Lo stage di overdubbing può essere qualcosa di semplice come il fissaggio o la sostituzione di qualcosa nelle tracce di base (come il basso, la chitarra ritmica, l'assolo o la voce solista) a strati sofisticati e aggiunte di trombe e archi, più chitarre, tastiere e voci di sottofondo. È anche la fase del progetto in cui viene eseguita la maggior parte della sperimentazione, poiché talvolta anche le parti più meticolosamente progettate non funzionano e richiedono alcune modifiche.
Un tratto comune che la maggior parte degli artisti ha è la vena creativa che fornisce loro un'idea dopo l'idea di parti, linee, abbellimenti e miglioramenti. Più creativo è l'artista, più le idee nascono e questo è il problema. A volte un artista ha così tante buone idee che ci vuole un sacco di tempo per provarle tutte e, prima che tu te ne accorga, sei in ritardo. È già abbastanza brutto, ma un'abbondanza di idee può allontanare una canzone dalle sue vere intenzioni, anche privando l'ispirazione originale. Un esempio potrebbe essere un artista che ha scritto una canzone che in origine era una canzone pop, ma ora deve solo sentire come suona con un tocco reggae. Mentre la canzone potrebbe essere eccezionale con il nuovo stile, ora potrebbe non contenere l'essenza dell'ispirazione originale dell'artista. Dipende da te, come produttore, mettere una presa sulla sperimentazione e concentrare l'energia indietro dove l'artista brilla meglio.
A volte un artista può trovare una buona idea dopo una buona idea su nuove linee e parti durante le sovraincisioni, e mentre la maggior parte di esse potrebbe funzionare, rende la canzone diversa e non migliore. Ancora una volta, spetta al produttore concentrare l'energia dell'artista e dei musicisti su dove deve essere e prendere la decisione che la direzione originale in cui stavi andando fosse la migliore.
A volte, però, la massiccia creatività di un artista può funzionare a tuo favore. Ad esempio, se non sei sicuro della sensazione originale della canzone, esprimendola all'artista, i suoi succhi creativi scorreranno e prima che tu te ne accorga, apparirà un'idea migliore. Ma di solito la prima ispirazione dell'artista è la migliore, ed è probabilmente quella che ti ha attratto in primo luogo.
Succede sempre almeno una volta nella fase di overdub. Un giocatore suona qualcosa per errore o durante i warm-up che illumina l'intero studio e il produttore dice "Puoi suonarlo di nuovo, ma fare qualcosa di diverso alla fine?" Oppure "Puoi giocare così in questa sezione? ? "E poi la caccia è in atto per ricatturare quel fulmine in una bottiglia e versarlo sopra una parte o una sezione che mancava prima.
Ma le cose non sono mai così semplici come sembrano, poiché la parte una volta brillante viene modificata per adattarsi alla nuova sezione o ottimizzata per servire meglio la canzone. Un passaggio rapido si trasforma in ore e prima che tu te ne accorga, hai passato l'intera giornata a lavorare su questa singola parte. Di solito è così che vanno queste cose durante le sovraincisioni. Quando tutti hanno elaborato la parte perfetta, il giocatore è troppo stanco per eseguirlo in modo convincente.
Durante questi periodi in cui viene elaborata una parte completamente nuova, ho scoperto che a volte occorrono due sessioni per farlo davvero accadere. Il primo giorno prendi quella brillante idea di un'idea e la realizzi nel punto in cui si adatta correttamente alla canzone, e il secondo giorno è quando l'idea fiorisce davvero quando puoi eseguirla correttamente. Tenendo questo in mente, puoi risparmiare innumerevoli ore extra alla fine di una lunga giornata. Lascia stare e torna domani quando tutti sono freschi. Probabilmente verrà eseguito perfettamente alla prima ripresa.
A volte le sovraincisioni diventano più veloci e più fluide se i membri della band diversi da quelli che giocano, gli amici o l'entourage non sono ammessi nella sala di controllo. Troppe persone possono spaventare un artista timido o, peggio ancora, farle esibire per la folla invece di concentrarsi sul lavoro a portata di mano. Se i visitatori o i membri della band devono venire in studio, tenerli fuori dalla sala di controllo e farli rimanere nella sala fino a quando la parte è completa.
In generale, è meglio che a qualsiasi mogli o marito, fidanzata o fidanzato, amici e colleghi, attaccanti o persone non essenziali, non sia permesso di venire alle sessioni tranne in circostanze straordinarie (come una festa di riproduzione o la consegna di uno strumento dimenticato) . Più persone ci sono, più è probabile che il raduno diventi una festa e una festa non è favorevole alla registrazione. C'è un tempo e un posto per questo, ma non è qui. A meno che la persona sia essenziale per il compito da svolgere, invitali a stare a casa.
Indipendentemente da chi sta suonando e dal tipo di strumento che stanno utilizzando, è sempre meglio se riesci a farli registrare nella sala di controllo con te. Questo è facile con la chitarra, il basso, le chiavi elettroniche e anche la voce e più difficile per tutto il resto. Avere il musicista in grado di sentire esattamente ciò che stai ascoltando, nonché l'immediatezza della comunicazione, per non parlare dell'assenza di cuffie, di solito otterrà prestazioni molto migliori dal lettore.
La maggior parte degli studi sono ora dotati di cavi e hardware per mantenere un amplificatore in un'altra stanza mentre il giocatore gioca nella sala di controllo. Giocare nella sala controllo di solito non è un'opzione per più di un giocatore alla volta (il che probabilmente non succederà comunque durante le sovraincisioni a meno che non si tratti di un corno, una corda o una sezione vocale) o di strumenti silenziosi, come alcune percussioni, chitarre acustiche o archi.
Sebbene sembri una registrazione di blasfemia, molti vocalist odiano le cuffie e preferiscono cantare nella sala di controllo con un microfono da palco a mano come uno Shure SM-58. Questo potrebbe non farti vincere nessun premio hi-fidelity per il suono della voce, ma una grande prestazione supererà la qualità audio ogni giorno. Inoltre il suono della maggior parte dei microfoni da palcoscenico, mentre sicuramente non è hi-fidelity come un Neumann vintage plurimillenario, è meglio di quanto si pensi (a patto che sia in buone condizioni) quando viene instradato attraverso un preamplificatore microfonico di alta qualità e abbastanza buono per quasi tutti gli scopi di registrazione.
Esistono diverse tecniche di sovraincisione che sono comunemente usate di cui ogni produttore dovrebbe essere a conoscenza. Sebbene le tecniche seguenti si riferiscano principalmente alle voci, possono essere utilizzate praticamente per qualsiasi strumento.
Se ti trovi nello stesso studio in cui hai seguito i tuoi principi fondamentali, non cadere nella trappola di mantenere la stessa identica configurazione dello strumento nello stesso posto in studio come quando hai fatto le basi (a meno che tu non stia facendo delle correzioni tracce di base, ovviamente). Sposta la voce o lo strumento nella grande parte dello studio. Tutti gli strumenti suonano meglio quando c'è uno spazio per lo sviluppo del suono. Puoi ridurre i riflessi indesiderati dalla stanza posizionando dei deflettori attorno al microfono, al lettore o al cantante.
Il raddoppio di una voce solista è stato utilizzato fino a quando ci sono stati registratori multitraccia. I Beatles sono andati indietro quando stavano usando solo un nastro magnetico a quattro tracce e in realtà non avevano una traccia da usare, il che ti dice quanto sia potente uno strumento che può essere.
Raddoppiare una voce (se il cantante canta la stessa frase o frase due volte su due tracce e suonandole entrambe indietro) funziona per due motivi; rende più forte un suono vocale e maschera le incongruenze di accordatura nella parte.
Mentre la tecnica del raddoppio può funzionare per un gran numero di cantanti, a volte non suona bene se entrambe le tracce vocali vengono riprodotte allo stesso livello. Prova ad aggiungere la seconda voce a 6-10 dB meno della traccia che ritieni più forte. Ciò aggiungerà un po 'di supporto ad una voce altrimenti debole senza sembrare raddoppiata.
Ecco un esempio di una singola voce solista, una che è raddoppiata ma mista a 10dB sotto la guida, e una doppia guidata con entrambi allo stesso livello.
Esempio 1 - Esempi di doppini vocali principali
Impilamento vocale
Una derivazione da raddoppiare è l'accatastamento vocale, una tecnica normalmente usata su armonie vocali. Come il raddoppio, l'impilamento può rendere più forte l'armonia di una parte vocale, attenuando le incongruenze di accordatura.
Un esempio di impilamento vocale sarebbe un gruppo vocale composto da tre parti che cantano una parte di armonia in tre parti. Una volta completato il primo passaggio, raddoppieranno le parti esatte cantandole esattamente allo stesso modo, quindi triplicheranno o più, tutto nel tentativo di ottenere un suono più pieno. Un piccolo trucchetto che fa sembrare più grande uno stack è che i cantanti facciano un passo indietro dal microfono con ogni passaggio vocale mentre l'ingegnere aumenta il guadagno del microfono per compensare la distanza. L'atmosfera aumentata della stanza aumenterà naturalmente il suono senza mezzi artificiali.
Un altro trucco sarebbe quello di far cambiare le parti con ogni passaggio. In altre parole, il cantante nella parte più alta dell'armonia in 3 parti passerebbe al livello più basso, quello nella parte centrale si sposterà al più alto e la parte bassa si sposterà nella parte centrale. Ovviamente, questo presuppone che i cantanti siano professionisti e capaci di cambiare le parti vocali senza troppi problemi e che le loro voci siano effettivamente in grado di eseguire le nuove parti.
Ecco un esempio di una band che non canta bene le armonie, ma finisce per suonare piuttosto bene dopo che tutto è impilato. Ogni parte aveva tre membri della band che cantavano solo una parte della triade dell'armonia. Hanno fatto un passo indietro quando lo hanno raddoppiato. Sentirai ogni parte, poi raddoppierai e l'armonia finale.
Esempio 2 - Armoniche vocali impilate
Gli strumenti possono essere raddoppiati o impilati nello stesso modo in cui le voci possono e mentre la stessa identica performance due volte (il raddoppio) può suonare abbastanza bene, si raggiunge presto il punto di rendimenti decrescenti a meno che non si cambi qualcosa per renderlo diverso. Un microfono, un preamplificatore microfonico, uno spazio per la registrazione o la distanza dal microfono contribuiranno a rendere il suono più grande nelle sovraincisioni successive.
Per le chitarre, due chitarre (una Les Paul e una Strat, per esempio) e due amplificatori (una Fender e una Marshall sono la combinazione classica) combinate con impostazioni di pickup diverse permetteranno a una moltitudine di tracce di chitarra di vivere insieme in modo più efficace nel mix . Molte volte scoprirai che sono necessarie meno sovraincisioni se ogni sovraincisione della chitarra ha un suono nettamente diverso.
Ecco un esempio di una parte di chitarra che è impilata con diversi posizionamenti e amplificatori microfonici.
Esempio 3 - Chitarre impilate
Il mese prossimo vedremo il processo di mixaggio e mastering dal punto di vista del produttore.
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