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Benvenuti alla seconda puntata della serie. Stiamo cercando forme d'arte alternative da perseguire o esplorare alla ricerca di orizzonti allargati. Passando dagli schizzi, che è probabilmente l'abilità più vitale e fondamentale per immagazzinare il tuo arsenale visivo, parleremo ora della pittura.
Generalmente quando parlo di pittura mi riferisco alla pittura digitale con Photoshop e Wacom. Ma tutte queste informazioni si applicano alla pittura fisica se è più una tua fortuna. Non potrei mai inchiodare il vero dipinto per qualche motivo, ma farlo digitalmente è qualcosa che mi piace.
Dipingere efficacemente porta il disegno al livello successivo, ma porta anche le proprie considerazioni sul tavolo. Non solo devi utilizzare le stesse conoscenze di illuminazione e ombreggiatura che hai appreso disegnando, ma a causa della crescente scala e complessità delle scene, devi aggiungere l'illuminazione ambientale, la luce di rimbalzo e gli effetti atmosferici più importanti da tenere in considerazione, e l'effetto di questi tutti i mix.
La motivazione principale nel mio interesse per la pittura è l'uso del sistema di valori. Laddove i fotografi tendono a sapere quali sono i ritagli di evidenziazione e sottoesposizione, i pittori sono i maestri dell'uso del tono per dirigere la propria arte.
Non c'è mai alcun dubbio su ciò che dovresti guardare, o l'atmosfera emotiva del pezzo. Dal chiaroscuro di Rembrandt agli ambienti scifi del Feng Zhu, c'è sempre una trama e una linearità manipolativa. Questa direzione dell'occhio umano è raggiunta con la sua massima sensibilità; luce.
Ansel Adams ha ottenuto questo controllo della luce attraverso il suo uso del sistema di valori, o la sua versione fotografica di esso, il Sistema di Zone. Anche nelle immagini a colori, l'osservatore è più sensibile ai valori di luminanza nell'immagine e questa dovrebbe sempre essere la priorità più alta.
Quindi, mentre la pittura può essere fatta in bianco e nero come sopra, è generalmente un mezzo di colore, il che significa che tutte queste situazioni di illuminazione sono quindi colorate, probabilmente combinandosi con altri colori diversi in modi diversi.
Non è un compito facile, ma più si capisce l'illuminazione, meglio possono essere in qualsiasi mezzo di imaging. Ad esempio, se comprendi il modo in cui i colori della luce e delle superfici si mescolano alla pittura, perché non potresti rovinare la saggezza convenzionale e utilizzare diverse temperature del colore dell'illuminazione nella tua fotografia, mescolandoli con sicurezza in modi interessanti?
A differenza degli schizzi, tuttavia, i dipinti richiedono molta precisione. Un pezzo deve stare da solo, come un'immagine a sé stante, anche se si tratta solo di un concept design relativamente veloce. La composizione deve essere forte. Deve leggere bene.
La prospettiva dovrebbe essere il più vicino alla perfezione, come puoi farcela, e tutte le battute dalla sottoschede dovrebbero finire. Detto questo, essere in grado di provare una varietà di composizioni senza essere costretti dalla realtà fisica come con una fotocamera può portare a qualche interessante sperimentazione.
Anche l'aspetto prospettico è interessante. Imparare la meccanica e come esplorare la prospettiva semplicemente sulla carta è un'affascinante attività che può sicuramente portare a idee fotografiche nel tuo cervello. Mentre i fondamenti fanno parte dello sketch, c'è un sacco di margine e scioltezza nel disegnare che la pittura in genere non consente, anche se può in certi tipi di pittura ad acquerello.
Nello sketch le linee possono essere ovunque e abbastanza visibili, e questo è utile per la velocità e una sorta di astrazione artistica. Tuttavia, le linee che scompaiono nella pittura è un esercizio vitale. Ovviamente, in realtà non ci sono linee attorno ai bordi di ogni oggetto che denotano confini e dettagli, che diamo per scontato in fotografia, ma nella pittura è uno sforzo intenzionale.
Questo sforzo porta a un potere di osservazione ancora maggiore dello schizzo, in quanto non si può semplicemente approssimare una linea e aggiungere un po 'di ombreggiatura; un confine deve essere osservato, analizzato e riprodotto attraverso il pensiero cosciente.
Dove lo sketch è l'arte del wireframing, la pittura è un caso di rendering. Ciò ha anche generato in me una piccola ossessione per i limiti, che risulta essere davvero un'ottima cosa, come descriverò nella prossima puntata. L'osservazione, tuttavia, non dovrebbe essere trascurata. Il modo in cui le cose appaiono da diverse distanze e angolazioni può essere un'affascinante esplorazione (con o senza fotocamera).
I dipinti insegnano anche il valore di una tavolozza di colori limitata, così come i come e i perché delle tue scelte di colore. Questa opzionalità era tradizionalmente assente dalla fotografia, quindi la "fotografia d'arte" era così fortemente associata a "bianco e nero", poiché l'unico elemento completamente controllabile la maggior parte delle volte era la tonalità. Tuttavia, con le moderne tecniche di manipolazione digitale, il colore può ancora una volta essere facilmente alla direzione dell'artista.
Essere in grado di restringere i tuoi colori al fine di fare entrambe le dichiarazioni comunicative deliberate e ridurre la confusione visiva dell'immagine per una maggiore leggibilità e impatto è un elemento importante del tiro artistico. Prendi in considerazione, ad esempio, quante immagini di paesaggi hai visto dove il 90% dell'immagine era un tono arancione o blu, o le foto di moda con modelli chiari e condimenti e / o abiti caldi.
Alla fine, considera la pittura come un corso sui fondamenti pratici della fotografia. Invece di arrivare a capire l'immagine attraverso prove ed errori e analisi post-shoot, capisci l'immagine in parte prima di mettere qualcosa sulla tela e il resto creando effettivamente. Se, come me, impari meglio facendo che guardando, dovresti seriamente pensare di iniziare a dipingere.
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